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Cuatro décadas sin Groucho
El genial humorista estadounidense Groucho Marx, de cuya muerte se cumplen 40 años este sábado, fue -además de un actor desopilante, creador de un estilo inconfundible- un verdadero genio de los llamados “one-liners”, comentarios cáusticos que dejaban a su interlocutor preguntándose qué corno era lo que ese señor de bigotes negros, anteojos redondos y habano inacabable había querido decir.
Dueño de una comicidad caótica, anárquica y surrealista, desde su legendaria afirmación de que “nunca pertenecería a un club que me acepte como socio”, Groucho Marx dejó a la humanidad un legado en forma de frases agudas e hirientes marcadas con su inconfundible sello de ironía, entre las que puede mencionarse una de las más famosas: “Nunca olvido un rostro, pero en su caso haré una excepción”.
Comediante inigualable, parangonable a Buster Keaton, Jacques Tati, Charles Chaplin o Laurel y Hardy, Groucho nació en Nueva York el 2 de octubre de 1890 con el nombre Julius Henry Marks, y falleció en Los Angeles el 19 de agosto de 1977, a los 86 años, afectado de una neumonía.
Ganador en 1972 de un premio especial del Festival de Cannes y en 1973 de un Oscar Honorario, este hijo de inmigrantes alemanes se hizo famoso como miembro fundamental de los Hermanos Marx, grupo dentro del cual parodiaba a un hombre de la alta sociedad, “decidor -según Georges Sadoul- de chistes de almanaque”, con un frac que le quedaba mal y un puro que nunca terminó de fumar.
Cínico, ingenioso, dueño de un amplio bagaje cultural, Groucho practicaba la verborragia, la ironía, los juegos de palabras y una sinceridad descarnada para socavar los cimientos, desestabilizar y revelar las miserias de una sociedad donde la hipocresía, el egoísmo y los intereses materiales llevaban la delantera.
“Las cartas de Groucho”
“¿A quién va a creerle? ¿A mí o a sus propios ojos?”, “Esos son mis principios. Si no le gustan, tengo otros” o “He tenido una velada maravillosa, pero no ha sido ésta”, son algunas de las frases que escribió en su libro “Las cartas de Groucho”, en cuyo prólogo el escritor Arthur Sheekman -autor de diálogos en “Héroes de ocasión” o “Sopa de ganso” (Leo McCarey, 1933)- describió los rasgos más salientes de este “divertido insolente”.
“Dicen que Groucho es un personaje cómico porque dice descaradamente, y por supuesto con presteza, lo que nosotros podríamos pensar pero somos demasiado tímidos para decir. Esto no es verdad. Lo que realmente caracteriza a su insolente comicidad no es el descaro sino el ingenio”, escribió Sheekman.
Tanto en el teatro de variedades, donde se iniciaron, como en el cine, Groucho y sus hermanos Leonard (Chico), Arthur (Harpo), Milton (Gummo) y Herbert (Zeppo) poseían un gran poder de improvisación para satirizar sin piedad los puntos más negativos de la sociedad contemporánea, en sus aspectos sociales, económicos y políticos.
Groucho empezó su carrera artística en 1908, a los 18 años, como cantante en una compañía de teatro y luego, bajo la dirección de su madre (Minnie Marks) formó junto a sus hermanos varios
grupos como The Four Nightingales y Six Musical Mascots, antes de aparecer definitivamente en los años ’20 como los Hermanos Marx.
Desde 1912 aparecieron en breves comedias musicales o “Tab Shows”, con una fórmula que buscaba imponer la carcajada a través del caos, y su triunfo más resonante llegó en 1923, al presentarse en Broadway con la comedia musical “I’ll Say She Is”.
“The Cocoanuts”
Seis años después fueron contratados por el productor de cine Walter Wagner y con él adaptaron para la pantalla grande sus espectáculos teatrales “The Cocoanuts”, filmada en 1929 por Joseph
Santley y Robert Florey, y “Los cuatro locos”, dirigida en 1930 por Victor Heerman.
Groucho -que además era un escritor de finísima ironía y sentía una debilidad especial por las mujeres- impuso un formidable sentido de la irrisión verbal, que para el crítico uruguayo Homero Alsina Thevenet “podía introducir el caos en la ópera, en las carreras, en la historia del Oeste, en una intriga policial, con una fecundidad sólo comparable a los mejores ejemplos de la comedia muda clásica”.
“A pesar de los muchos chistes verbales de Groucho, los Marx ratificaron la noción de que la comedia cinematográfica, aún en el período sonoro, debía ser primordialmente visual, desde la vestimenta, los bigotes y las pelucas hasta la loca idea de hacer bajar de un taxi a 25 personas, sin dar explicaciones”, agregó Alsina Thevenet.
Una anécdota que los distingue ocurrió en 1936, cuando trabajaban en la Metro y subieron por azar al ascensor donde viajaba Greta Garbo: como la diva no saludaba, Groucho le levantó el sombrero, la miró de frente y le dijo: “Disculpe, la confundí con un tipo que conocí en Pittsburgh”, pero ella no contestó.
“Un día en las carreras”
Los filmes “Una noche en la Opera” (1935) y “Un día en las carreras” (1937), ambos dirigidos por Sam Wood, señalaron el comienzo de una nueva etapa y el fin del cuarteto, convertido en un trío al retirarse del grupo Zeppo.
Al terminar “The Big Store” (Charles Riesner, 1941), el grupo se separó y recién volvió a reunirse en “Una noche en Casablanca” (Archie Mayo, 1946) y “Locos de atar” (David Miller, 1949), donde una joven Marilyn Monroe tuvo uno de sus primeros papeles, pero la decadencia del trío ya era imparable.
Mucho después, en 1957, trabajarían separadamente en “La historia de la humanidad”, de Irwin Allen, pero luego sólo Groucho continuó en el cine, aunque en forma esporádica, para iniciar paralelamente una fructífera labor en radio y TV, donde trasladó su humor anárquico y surrealista al programa “You Bet Your Life”.
Al final de su carrera Groucho participó en forma solitaria en seis filmes -además coescribió el guión de otro-, entre los que se destacan “El amor vigila” (Richard Haydn, 1950), “En busca de un
hombre” (Frank Tashlin, 1957), y “Skidoo” (Otto Preminger, 1968), su última película.
(Nota de Paulo Pécora, para la agencia de noticias Telam)
Un dibujo recientemente descubierto del artista renacentista Miguel Ángel fue vendido este jueves por 27,2 millones de dólares en una subasta realizada en Estados Unidos, estableciendo un nuevo récord para cualquier obra creada por el maestro italiano.
Se trata de un pequeño boceto en sanguina —una técnica que utiliza pigmento de color rojo óxido— que representa un pie y que fue identificado como el pie derecho de la Sibila Libia, una de las figuras del extremo oriental del techo de la Capilla Sixtina.
La obra fue subastada por la casa Christie’s, con sede en Nueva York, tras una puja de 45 minutos que elevó el precio final a casi 20 veces su estimación más baja. La identidad del comprador no fue revelada.
El dibujo es uno de los casi 50 estudios preparatorios que Miguel Ángel realizó para la Capilla Sixtina, pintada entre 1508 y 1512. Según Christie’s, solo unos diez dibujos del artista permanecen hoy en manos privadas, lo que explica el alto interés que despertó la pieza.
La casa de subastas identificó el boceto como un original luego de que su anterior propietario enviara una fotografía a través del portal en línea de Christie’s para solicitar una tasación. Un experto confirmó posteriormente su vinculación directa con la Sibila Libia.
“Era una pieza excepcional con una historia maravillosa”, afirmó Andrew Fletcher, director global del Departamento de Antiguos Maestros de Christie’s, en un comunicado.__IP__
El récord anterior para una obra de Miguel Ángel correspondía a un boceto de un hombre desnudo acompañado por otras dos figuras, vendido por 24,3 millones de dólares en una subasta en París.
Descubierto en noviembre de 2025, el dibujo se esperaba que alcanzara al menos los dos millones de dólares. Fue creado entre 1511 y 1512, y es considerado uno de los escasos estudios preparatorios sobrevivientes vinculados a la Sibila Libia. Solo otros dos bocetos relacionados con esta figura se conservan actualmente en museos de Oxford y Nueva York.
Se conoció el tráiler final de “Michael”, la ambiciosa biopic que buscará retratar la vida y la obra de uno de los artistas más influyentes de todos los tiempos.
Con una duración de poco más de dos minutos, el adelanto propone un recorrido intenso y emotivo por la historia personal y profesional del rey del pop, desde sus primeros pasos como niño prodigio hasta su consolidación como fenómeno global.
El avance presenta a Michael Jackson en distintas etapas de su vida, con actores que lo interpretan durante la infancia y la adolescencia, y con Jaafar Jackson, su sobrino e hijo de Jermaine Jackson, encarnándolo en la adultez.
Las escenas iniciales se detienen en los años formativos dentro de The Jackson 5, cuando la música era un proyecto familiar y el éxito precoz comenzaba a imponer una presión difícil de manejar.
A medida que avanza el adelanto, la narrativa se concentra en un momento bisagra de su carrera: la decisión de iniciar su camino como solista. Allí aparecen recreaciones de estudios de grabación, coreografías icónicas y conciertos multitudinarios que anticipan el surgimiento de un artista capaz de redefinir la música pop, la danza y el espectáculo a escala global.
El montaje alterna momentos de euforia con instantes de introspección, dejando entrever el peso de una fama que creció de manera vertiginosa. Lejos de limitarse al brillo del éxito, el tráiler sugiere también las tensiones internas, las exigencias del entorno y los desafíos personales que acompañaron cada etapa de su carrera.
Uno de los aspectos más destacados del adelanto es la interpretación de Jaafar Jackson, quien logra replicar con notable precisión los movimientos, posturas y la presencia escénica de su tío.
Dirigida por Antoine Fuqua y con guion de John Logan, “Michael” cuenta con la producción de Graham King, responsable de “Bohemian Rhapsody”. El elenco incluye a Colman Domingo como Joe Jackson, Nia Long como Katherine Jackson, Miles Teller como John Branca, Kat Graham como Diana Ross y Kendrick Sampson como Quincy Jones.
Con estreno previsto para el 23 de abril de 2026 en la Argentina, en salas tradicionales e IMAX, el lanzamiento del tráiler final marca el inicio de la cuenta regresiva para una de las películas más esperadas del año.
Cada vez falta menos para que Punta del Este reciba y exhiba lo mejor del panorama cinematográfico regional e internacional. Del sábado 7 al viernes 13 de febrero se realizará el 28° Festival Internacional de Cine de Punta del Este (Maldonado, Uruguay), que contará con la presencia de destacados artistas, realizadores y prensa especializada. Las exhibiciones se llevarán a cabo en la Sala Cantegril, el Teatro de Verano Margarita Xirgú y el Complejo GrupoCine de Punta del Este, con acceso libre y gratuito.
Esta nueva edición está organizada por la Intendencia de Maldonado a través del Departamento de Cultura, y nuevamente cuenta con la Dirección Artística de la Licenciada Daniela Cardarello.
Serán tres los grupos de jurados compuestos por personalidades autorizadas que evaluarán los títulos de cada categoría: Competencia Iberoamericana de Ficción, la Competencia Iberoamericana Documental y de la Asociación de Críticos de Cine del Uruguay (ACCU).
La Competencia Iberoamericana de Ficción entregará los Premios Mauricio Litman en cuatro rubros: Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actriz y Mejor Actor. A su vez, sobre la base del voto de los espectadores se establecerá el Premio del Público. Las estatuillas correspondientes fueron diseñadas por el artista plástico uruguayo Octavio Podestá. El Jurado está integrado por Marilha Naccari (Productora y Curadora del FAM, Brasil), Gisela Margarita Pérez Fonseca (Gestora Cultural, Colombia), Fernando Spiner (Realizador y guionista, Argentina), César Troncoso (Actor, Uruguay) y María Zanocchi (Productora audiovisual, Uruguay).
Por su parte los largometrajes en Competencia Iberoamericana Documental pugnarán por el Premio Lobo Marino, una talla en madera realizada por el artista local Milton Sosa. El Jurado está constituido por Zeca Brito (Realizador y Curador, Brasil), David Duponchel (Director y Gestor cultural, Francia/Perú) y Edward Venero (Diseñador, docente y Director del Festival de Lima, Perú).
Finalmente, el Jurado de la ACCU (Asociación de Críticos de Cine del Uruguay) está conformado por Diego Faraone, Sergio Moreira y Fernando Palumbo.
Films de apertura y clausura
La película española “Los domingos” -en coproducción con Francia- abrirá esta edición en la noche del sábado 7 en la Sala Cantegril. Este intenso y emotivo drama familiar es el tercer largometraje de la realizadora vasca Alauda Ruiz de Azúa, de quien su opera prima “Cinco lobitos” se exhibió en el panorama Internacional en el 25° FICPunta en 2023. Esta película arrasó con cinco premios en el último Festival de Cine de San Sebastián, alzándose con el máximo galardón donostiarra, la Concha de Oro.
Además “Los domingos” es la película con mayor cantidad de nominaciones para la próxima entrega de Premios Goya 2026. De un total de 13 incluye Mejor película, dirección, guion original, actor protagonista para Miguel Garcés, actriz protagonista para Patricia López Arnaiz, actriz revelación para Blanca Soroa, actor de reparto para Juan Minujín y actriz de reparto para Nagore Aranburu.
Para la noche de Clausura, el jueves 12 también en la Sala Cantegril, luego del anuncio de los films ganadores del Festival, se exhibirá una comedia dramática con enfrentamientos entre generaciones de Macedonia del Norte, “DJ Ahmet”, la ópera prima de Georgi M. Unkovski. Rodada en las localidades de Kodzhalija, Aki Koxch y Skopie, zona rural yuruk (de origen turco), donde nace un amor juvenil entre ovejas y música tecno dance. Fue premiada en varios festivales como Sundance, Sevilla, Sarajevo y San Pablo.
Panorama internacional
En el Panorama Internacional habrá una larga lista de películas notables, especiales, muy premiadas y de exhibición exclusiva en el Uruguay. Films de España como “Calle Málaga” de Maryam Touzani con actuación de Carmen Maura, premiada en festivales; “La cena” de Manuel Gómez Pereira (España-Francia) que cuenta con 8 nominaciones a los próximos Premios Goya 2026 y “Maspalomas” de los vascos Aitor Arregi y Jose Mari Goenaga que ha ganado la Concha de Plata a la mejor interpretación para José Ramón Soroiz y el Premio Sebastiane en el último Festival de Cine de San Sebastián y contabiliza además 9 nominaciones a los Goya.
De Italia llegan “Las catadoras” de Silvio Soldini, acerca de las mujeres alemanas utilizadas como conejillos de Indias a probar las comidas para Adolfo Hitler; y “Hagas lo que hagas, está mal” de Gianni Di Gregorio, él mismo un septuagenario que convivirá con sus nietos.
Por su parte, Francia estará presente con la comedia dramática “Los músicos” de Grégory Magne (recomendada para melómanos) y el inquietante “Dossier 137” de Dominik Moll. Y las denuncias de “Dos fiscales” de Sergey Loznitsa, sobre los acusados y encarcelados durante el período estalinista.
También de Europa llegan dos films muy halagados: “Orphan” de László Nemes (Hungría) y “El amor permanece” de Hlynur Pálmason (Islandia-Dinamarca-Suecia-Francia). Y anunciando obras producidas o coproducidas con los Estados Unidos como “Father, mother, sister, brother” de Jim Jarmusch (Ganadora del León de Oro en el Festival de Venecia); “Blue Moon” de Richard Linklater (Acerca de la relación del letrista Lorenz Hart con el compositor Richard Rodgers) y “Muerte en invierno” de Brian Kirk, coproducción con Alemania y Canadá, rodada en Finlandia y con la británica Emma Thompson.
(Fuente: Festival Internacional de Cine de Punta del Este)
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