Música
David Lebón brindó un emotivo show en el Gran Rex
Por Hernani Natale (*)
Con la excusa de presentar su último disco “Lebón & Co.”, en el que regrabó varias de sus clásicas composiciones junto a distintos invitados, el músico David Lebón ofreció este viernes en el porteño Teatro Gran Rex un cálido concierto, en el que repasó su extensa trayectoria y, de esa manera, brindó un velado homenaje a las legendarias bandas de las que fue parte fundamental.
En tal sentido, el artista, que fiel a su habitual estilo intercaló baladas de amor y electrizantes rocks, repasó muchas de sus más recordadas canciones de su etapa solista, como así también las que aportó a las dos de las más grandes bandas del rock argentino, Serú Girán y Pescado Rabioso, y el potente trío Polifemo, que volvió a reunirse para la ocasión.
Además de la aparición sobre el escenario de los históricos Rinaldo Rafanelli y Juan Rodríguez para volver a darle vida a ese trío, también estuvo como invitada especial la banda Eruca Sativa.
Más allá de eso, y a pesar de la gran cantidad de célebres colaboraciones del último disco, no hubo más invitados y fueron las canciones y la figura de Lebón los protagonistas centrales de la noche.
En el concierto, que se extendió por casi dos horas y media, el eximio guitarrista, sin duda uno de los más grandes que dio el rock local, estuvo acompañado por una sólida banda integrada por su legendario baterista Daniel Colombres; Dhani Ferrón, en guitarra y coros; el notable bajista Roberto Seitz; el destacado pianista Leandro Bulacio; y el eficiente Gustavo Lozano, quien aportó en guitarras y teclados, según la ocasión.
Con un sobria puesta desde el punto de vista escenográfico pero imponente en lo que a luces se refiere, el gran protagonista de la noche se movió con total naturalidad e hizo del lugar una suerte de extensión del living de su casa, a partir de sus desenfadados comentarios y sus saludos y charlas con conocidos y familiares que detectaba entre el público.
Tras un comienzo calmo, con dos canciones no tan conocidas de su repertorio como “Deja de jugar” y “Llorar de amor”, y de “Casas de araña”, de su recordado primer disco solista de 1973, Lebón se llevó la primera gran ovación de la noche con el primero de los bloques basados en Serú Girán, compuesto por “Esperando nacer”, “El mendigo en el andén” y “Frecuencia Modulada”.
Claro que no serían las únicas piezas del famoso cuarteto que integró junto a Charly García, Pedro Aznar y Oscar Moro, puesto que más tarde habría lugar para “Cuánto tiempo más llevará”, “En la vereda del sol”, “Encuentro con el diablo”, “Nos veremos otra vez”, “Parado en el medio de la vida” y “San Francisco y el lobo”; estas dos últimas en un bloque semi acústico, sin batería y con contrabajo, del que también formó parte “El tiempo es veloz”.
El célebre y homónimo primer disco solista también se hizo presente en los bises con “Copado por el diablo” y en “Dos edificios dorados”, que contó con la incendiaria intervención de Eruca Sativa.
La participación del joven trío, que se extendió con una versión de “Despiértate nena”, de Pescado Rabioso, en un curioso pero excelente cruce con “Come Together” de The Beatles, se produjo luego del mencionado set acústico, lo que provocó un notable contraste de sonoridades.
“No llores por mi reina” apenas actuó como intermedio entre el bloque con Eruca Sativa y el homenaje a Pescado Rabioso, con una versión con aires stoner de “Credulidad”, en la voz de Ferrón, y la tierna “Hola dulce viento”.
Como se mencionó al principio, la otra gran sorpresa de la noche fue la reunión de Polifemo, el potente power trío que Lebón encabezó entre su participación en Pescado Rabioso y Serú Girán.
“Sueltate Rock and Roll” y “Oye Dios qué me has dado” recordaron toda la potencia de ese grupo en vivo que nunca logró ser bien palmada en los discos.
El final, en los bises, con todo el público coreando “Seminare” resultó el mejor resumen de lo ocurrido en toda la noche: un clásico, un artista autocelebrando su brillosa trayectoria, una devoción mutua entre el público y el protagonista, y la certeza de que si hay una leyenda del rock argentino que se mantiene en su mejor forma musical y aún tiene mucho para entregar, ese alguien es, sin dudas, David Lebón.
(*) Agencia de noticias Telam
Dieciséis años después de la separación que parecía definitiva, Oasis vuelve a encontrarse en una pantalla grande. Oasis: Don’t Look Back in Anger, estrenado esta semana en cines, registra la gira Live ’25, el regreso de Liam y Noel Gallagher a los escenarios y, sobre todo, el reencuentro de dos hermanos cuya relación quedó durante años asociada a las peleas y los desencuentros.
Dirigido por Will Lovelace y Dylan Southern, con guion de Steven Knight, el documental se presentó fuera de competencia en el Festival de Venecia y combina imágenes de los conciertos, ensayos, backstage y entrevistas con los protagonistas. El registro comienza a acercarse a los Gallagher durante los preparativos del regreso y acompaña una gira que llevó a Oasis por distintos continentes ante millones de espectadores.
La película evita convertir las antiguas disputas entre los hermanos en el eje de la historia. En lugar de reconstruir minuciosamente las razones que llevaron a la ruptura de 2009, pone el foco en lo que ocurrió cuando volvieron a compartir escenario: una relación que se recompone de manera gradual y que encuentra en las canciones un terreno común.
Ese enfoque explica también el protagonismo que tienen los seguidores. El documental incorpora distintas historias para explicar qué significa Oasis para quienes crecieron con sus canciones y para quienes descubrieron la banda muchos años después. La puesta en escena busca transmitir esa experiencia colectiva con un importante despliegue de cámaras durante los conciertos.
El resultado apuesta abiertamente por la emoción y la nostalgia. Para algunos críticos, ese tono puede resultar excesivamente sentimental y por momentos demasiado complaciente con la idea de una reconciliación casi perfecta. Pero esa misma elección le permite al filme capturar algo que excede a los Gallagher: la capacidad de una canción para recuperar una época, reunir a desconocidos y convertir un concierto en una experiencia compartida.
Entre las canciones que aparecen durante el recorrido están varios de los clásicos que construyeron la identidad de Oasis, como Live Forever, Supersonic, Slide Away, Wonderwall, Champagne Supernova y Don’t Look Back in Anger. La película también recupera la importancia de Paul “Bonehead” Arthurs, guitarrista fundamental de la primera etapa del grupo.
Oasis, San Lorenzo y una versión de Wonderwall
En Argentina, el documental tiene además una particularidad que conecta al britpop con una tradición mucho más local: las imágenes de la hinchada de San Lorenzo.
Aunque Oasis ofreció dos conciertos en el estadio Monumental durante su regreso, la película eligió mostrar otra expresión de su vínculo con la Argentina. En una escena filmada en el Nuevo Gasómetro aparecen hinchas de San Lorenzo con bombos y banderas interpretando una adaptación de Wonderwall, uno de los grandes clásicos de la banda.
La producción registró especialmente esa versión durante una convocatoria realizada en el estadio Pedro Bidegain, en la previa de un partido ante Sarmiento. La melodía de la canción de 1995 fue transformada por los hinchas en un canto dedicado al club, una apropiación que despertó el interés del equipo del documental.
La escena funciona así como una pequeña síntesis del fenómeno que intenta retratar Don’t Look Back in Anger: canciones nacidas en Manchester que, tres décadas después, pueden reaparecer en una tribuna de Buenos Aires con otra letra, otro significado y la misma capacidad para hacer cantar a miles de personas.
(Fuente: Agencia Noticias Argentinas)
El músico Gustavo Nasuti presenta “El ocaso de las hojas”, su nuevo álbum en formato cuarteto de guitarras. El estreno oficial será el sábado 3 de octubre a las 21 en el Centro Cultural Cuerda Mecánica, de calle Juramento 4686, en el barrio porteño de Villa Urquiza.
Sobre la obra
En una nueva entrega de Nasuti, esta vez a través del sello Shagrada Medra, el artista ofrece nueve músicas, de las cuales siete son composiciones propias. A esto se le suman dos versiones: “El amor es un camino que de repente aparece” de Víctor Jara y “New old age” del pianista y compositor inglés John Taylor.
Formado junto a Gonzalo Lázaro, Matías Peralta y Germán Kwater, el cuarteto incursiona en la milonga, el huaino, el vals y el amplio género canción. En este disco las guitarras están tratadas no a la manera de los cuartetos tradicionales del tango y del folklore argentino, sino más bien con un tratamiento “poético” de la guitarra, conservando algunos rasgos de aquella tradición guitarrística pero incursionando más en la generación de estados sonoros meditativos, propios de la música de Nasuti.
“El ocaso de las hojas” es una evocación a la belleza oculta tras la aparente desazón que generan los finales de las cosas, trayendo la posibilidad de un nuevo amanecer.
“El movimiento se presenta tenue, casi deja impresos sus símbolos en el viento de marzo. En la fragilidad del mantillo de otoño, descansa el universo de los reverdeceres, entibiando comienzos en la propia luz del ocaso”, declara su colega Daniel Pregal.
Ficha técnica
- Grabado, mezclado y masterizado: Ariel Gato en estudio Puntoar, entre mayo de 2025 y junio de 2026.
- Sello: Shagrada Medra
- Edición: Waldemar Garin y Gustavo Nasuti.
- Arte de portada y diseño gráfico: Stella Maris Santiago
- Fotos: Facundo Jalil
Gustavo Nasuti Cuarteto
- Matias Peralta guitarra 7 cuerdas, voz
- Gonzalo Lázaro guitarra, voz
- Germán Kwater guitarra, voz
- Gustavo Nasuti guitarra 7 cuerdas, acordeón, voz.
(Fuente: Florencia Meluso – Prensa)
Babasónicos presenta “Miau”, nuevo corte de difusión de “Cuerpos Vol. 1”, su última producción discográfica. Con este tema, la banda vuelve a poner el foco en algunos de los rasgos de la vida contemporánea y propone una mirada crítica sobre la manera en que las personas se relacionan en tiempos marcados por la hiperconectividad.
La canción se suma al universo conceptual de “Cuerpos Vol. 1”, un trabajo con el que la banda continúa explorando diferentes dimensiones de la experiencia humana a través de su particular identidad sonora y lírica.
El lanzamiento llegó acompañado por una frase que resume parte del espíritu de la nueva canción: “Quizás, en poco tiempo, seamos los últimos seres con la contraseña del habla”. La reflexión pone en primer plano el lugar de la comunicación y plantea un interrogante sobre el futuro de los vínculos humanos frente al avance de la tecnología.
Presentaciones
Babasónicos se presentará el 16 y 17 de octubre en el Movistar Arena de Buenos Aires, con la primera fecha ya agotada. Luego continuará su recorrido por diferentes ciudades de Argentina y México.
Entre las próximas fechas aparecen:
Córdoba el 23 de octubre
Tandil el 30 de otubre
Mar del Plata el 31 de octubre
Tucumán el 6 de noviembre
La Plata el 14 de noviebre
Ciudad de México el 25 de noviembre
(Fuente: lacoope)
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