Artes Plásticas
Una inédita exposición confronta las obras de Warhol y Banksy
Una exposición confronta el extraordinario mundo de Andy Warhol, el artista más fotografiado del mundo e ícono pop, frente al anónimo Banksy, quien en los últimos años transformó su arte en un evento mediático global.
Titulada Warhol Banksy, está curada por Sabina de Gregori y Giuseppe Stagnitta, y se exhibe en el centro cultural WeGil de Roma del 20 de diciembre al 6 de junio de 2025.
Así es posible ver a la sensual Kate Moss de Banksy cara a cara con la Marilyn Monroe creada por Warhol tras la muerte de la actriz en 1962. También la Reina Isabel, retratada por Warhol con la diadema real, y la versión de Banksy con apariencia de mono (Monkey Queen). También se contraponen un desfile de Mao, Lenin y Kennedy de Warhol y la Reina Victoria de Banksy.
Los dos artistas que han cambiado la forma de vivir el arte en los últimos 50 años se encuentran frente a frente en la exposición que por primera vez pone en confrontación directa sus trayectorias.
“Es la primera vez que se organiza una exposición de este tipo”, explica Stagnitta a la agencia ANSA. “Aunque en 2007 el propio Banksy creó una muestra, comisariada por él mismo, llamada Warhol vs Banksy. Desde el principio quiso comunicar algo sobre su vínculo con Warhol, pero sobre todo con Duchamp”.
Una exposición contextual
Patrocinada por la Región de Lazio, en colaboración con LazioCrea, la exposición documenta el camino innovador y revolucionario de ambos artistas, con más de 100 obras provenientes de famosas colecciones privadas de todo el mundo y de importantes galerías de arte.
“Se ha realizado un gran trabajo de investigación y autenticación porque ambos trabajan con la serigrafía”, añade Stagnitta. “Y un esfuerzo considerable: solo los muros que trajimos desde Londres pesan ocho toneladas. La exposición es contextual al modo de hacer arte hoy, que ya no es el objeto-cuadro, sino el arte que se convierte en evento. Esto es una lección del Dadaísmo, una forma de crear desconcierto y provocar al mundo. Warhol ya lo hacía en los años 80, especialmente contextualizado al consumo. Banksy lo hace hoy con citas explícitas, como la Gioconda Smile en el Louvre”.
Entre la vasta producción del artista británico, se encuentran las Soup, considerada una postproducción de una de las obras más icónicas de Warhol.
La muestra continúa con el Self Portrait sobre lienzo de 1967 de Warhol, en comparación con el muro de Banksy titulado Computer Boy, donde algunos ven al niño acurrucado como un pequeño Banksy con su identidad ya oculta.
También se exhibe el famosísimo muro Season’s Greetings, realizado en 2018 en Port Talbot, Gales, que invita a reflexionar sobre las consecuencias de la contaminación atmosférica en nuestra salud.
Entre los temas comunes de ambos artistas está también la música, con discos y carteles icónicos como la famosa banana de 1967 en la portada de The Velvet Underground & Nico de Warhol, dialogando con la obra de Banksy titulada Pulp Fiction, donde John Travolta sostiene la banana icónica de Warhol en lugar de una pistola. Además, más de 50 vinilos firmados por Warhol y CDs con carátulas creadas por Banksy.
A pesar de tantas afinidades, hay una diferencia llamativa: Warhol hizo del protagonismo su marca, mientras que Banksy ha hecho del anonimato su fortaleza.
“Es cierto -responde Stagnitta- aunque el propio Warhol era anónimo, con su peluca, su rostro casi plástico y sus gafas oscuras. Nunca respondía preguntas. Solo decía ‘sí’ o ‘no’. Era provocador, irónico. Estaba en todas partes, pero muchas veces enviaba a sus dobles a las inauguraciones. Él estaba, pero en realidad era mucho más. Por lo tanto, nunca conoceremos realmente a su persona, al igual que nunca sabremos quién es Banksy”.
(Fuente: Agencia Noticias Argentinas)
El Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba) inaugurará el próximo 16 de julio la exposición “Belkis Ayón. Mito y desobediencia”, la primera muestra dedicada en una institución argentina a la destacada artista y grabadora cubana, cuya obra revolucionó la gráfica contemporánea a través de la técnica de la colografía y una profunda exploración de la mitología afrocubana.
La exposición podrá visitarse del 17 de julio al 12 de octubre en la sala 1 del nivel -1 del museo y reunirá siete obras realizadas entre 1991 y 1998, pertenecientes a la Colección Malba-Costantini. La inauguración será el jueves 16 de julio a las 19, con un recorrido abierto al público a cargo de las curadoras María Amalia García, Alejandra Aguado y Nancy Rojas.
El recorrido propone un acercamiento a una etapa clave de la producción de Ayón (La Habana, 1967-1999), marcada por la presencia de Sikán, figura central del mito fundacional de la Sociedad Secreta Abakuá, una cofradía masculina de origen africano establecida en Cuba durante el siglo XIX.
A partir de esa narrativa transmitida históricamente de forma oral, la artista construyó un universo visual que cuestionó el orden patriarcal de la cofradía y convirtió al grabado en una herramienta de resistencia frente a la censura, la exclusión y las tensiones sociales que atravesó Cuba durante la crisis de la década de 1990.
Su producción se distingue por el uso de la colografía, una técnica basada en matrices construidas mediante collages de materiales que le permitió desarrollar complejas superficies de impresión con una rica variedad de texturas, utilizando principalmente una paleta de negros, blancos y grises.
El interés de Ayón por la espiritualidad de origen africano surgió durante sus estudios en la Academia de San Alejandro de La Habana, impulsado por la lectura de “El monte”, de la antropóloga cubana Lidia Cabrera, una referencia fundamental para su investigación sobre las religiones afrocubanas.
Además de su producción artística, Ayón impulsó en 1996 el proyecto “La Huella Múltiple”, junto a Sandra Ramos, Abel Barroso e Ibrahim Miranda, con el objetivo de ampliar los límites del grabado incorporando nuevas técnicas, soportes y artistas.
A lo largo de su carrera obtuvo importantes reconocimientos internacionales, entre ellos los premios del Encuentro de Grabado de Casa de las Américas y de la Primera Bienal Internacional de Gráfica de Maastricht, ambos en 1993. También participó en la Bienal de Venecia y sus obras pasaron a integrar colecciones de prestigiosas instituciones como el Museum of Modern Art de Nueva York y el Museum of Contemporary Art de Los Ángeles.
Belkis Ayón falleció en 1999, a los 32 años, dejando una producción breve pero decisiva, considerada hoy una de las contribuciones más originales al arte latinoamericano contemporáneo.
El Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti inició la convocatoria para participar de la cuarta edición de “Plateada”. Del 26 de junio al 15 de julio se abre la inscripción de proyectos y galerías para participar de la Feria de Arte Contemporáneo Bonaerense que se realizará en el mes de agosto en el Centro Provincial de las Artes Teatro Argentino (Av. 51 e/ 9 y 10 – La Plata).
“Plateada” es la primera feria de arte contemporáneo bonaerense, inclusiva y descentralizada, que se realiza en La Plata, capital de la provincia de Buenos Aires. Está organizada por el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires, a través del Museo, en colaboración con diversas instituciones del arte municipales, provinciales y nacionales.
El objetivo de la “Plateada” es generar un mercado para el arte para la ciudad y en la Provincia, promoviendo los vínculos existentes, generando otros y construyendo nuevas relaciones entre la escena artística y sus principales promotores, audiencias y productores.
Esta cuarta edición se realizará el 28; 29 y 30 de agosto en el Centro Provincial de las Artes Teatro Argentino. Es un proyecto curado por Virginia Martín y Facundo Belén, artistas y gestores platenses. La participación en “Plateada”, y el ingreso a la feria, es libre y gratuita.
Las galerías y proyectos que estén interesados en formar parte de “Plateada” deben anotarse en el formulario de inscripción, donde encontrarán las bases y condiciones
Para consultas y dudas enviar un email a plateadaferia@gmail.com
(Fuente: Museo Provincial Bellas Artes E. Pettoruti)
El Museo Casa Carlos Gardel inaugurará el jueves 2 de julio a las 18, en Jean Jaurès 735, la exposición “Gardel, lo real, lo simbólico, lo imaginario”, una retrospectiva que reúne una selección de obras realizadas por el artista y maestro fileteador Jorge Muscia a lo largo de casi cuarenta años de trabajo de producción artística inspirada en la figura de Carlos Gardel.
Entre las obras que se expondrán se destacan “Pensamientos mudos”, “Yira Yira” (inspirada en el cortometraje protagonizado por Gardel y Enrique Santos Discépolo en 1930), “Oratorio Carlos Gardel”, “Tríptico argentino”, “Una selfie con Gardel”, “Tótems porteños”, “Resignificación del Obelisco” y la intervención de un smoking en homenaje a Eduardo Bergara Leumann y su emblemático programa “Botica de Tango”.
Debido a su labor artística retratando a las figuras icónicas de la música rioplatense del siglo XX, el poeta Horacio Ferrer lo bautizó como “El Fileteador del Tango” y, en su honor, compuso junto a Raúl Garello el tango “El fileteador”.
“Esta muestra recorre una selección de trabajos realizados a lo largo de casi 40 años de carrera en los que de diversas maneras he intentado representar, simbolizar, alcanzar aquello que por esencia probablemente resulte inalcanzable. Lo Imaginario: Gardel es la voz idealizada que genera identificación. Es la imagen ‘inmortal’ que el público ama y refleja. Lo simbólico: es el nombre propio que funciona como significante de la cultura, la nostalgia y la argentinidad. Lo real: su muerte trágica en Medellín no se puede simbolizar del todo, el cuerpo destruido rompe la imagen. El ‘mito de Gardel’ es el andamiaje que une estos tres registros, el tango vive, su voz perdura y la identidad popular está resguardada”, comentó Jorge Muscia sobre la exposición.
(Fuente: Ministerio de Cultura de la Ciudad Prensa)
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