Artes Plásticas
Carlos Bivachi: “Soy de tener abiertas distintas obras que dialogan entre ellas sin que nos enteremos”
Por Andrea Viveca Sanz (@andreaviveca) /
Edición: Walter Omar Buffarini //
Sucede una búsqueda. Las líneas se cruzan, se encuentran, son puntos suspendidos en el aire de una página, entrelazan aromas, se vuelven formas en movimiento, sonidos imperceptibles, historias enredadas en las palabras. ¿Quién cuenta a quién? ¿Dónde es el principio?
El arquitecto y artista plástico Carlos Bivachi acaba de publicar, junto con el escritor Sergio Coscia el objeto-libro “Algunas cuestiones”, una obra donde convergen las artes plásticas con la literatura, donde las líneas y las palabras se cruzan para contar una historia.
ContArte Cultura charló con él y se adentró en las páginas de sus creaciones para acercarnos a ese mundo convergente del arte.
—Un libro es un universo dentro de otros, un espacio a explorar con todos los sentidos. Desde ese lugar vamos a comenzar esta charla, deteniéndonos justamente en la puerta de entrada de “Algunas cuestiones”. Si pudieras elegir un color, un sabor y un aroma que se desprendan de las páginas de este libro, ¿cuáles serían y qué tienen que ver con vos y con tu arte?
—En realidad me sería difícil elegir un color que se desprenda de este libro, creo que sería una paleta variable según la mirada de cada momento y estado de ánimo. Si tuviese que elegir un sabor, seguramente sería un buen Malbec. Ahora, tu pregunta de los aromas me llevó a pensar que al deambular por este libro me gustaría que huela a jazmín.
—¿En qué momento de tu vida te descubriste artista?
—Al ser arquitecto siempre mi vida estuvo atravesada además por el arte. Quizás haberme instalado en el interior del país, en Merlo (San Luis), aportó los tiempos, los colores, los estados necesarios para poder desarrollar mi obra.
—¿Qué cosas disparan tu creatividad y ponen en movimiento una posible obra?
—Los disparadores de las obras pueden ser formales, sociales, cromáticos, tecnológicos. En realidad pueden ser cada uno de ellos o todos a la vez. Soy de tener abiertas distintas obras que dialogan entre ellas sin que nos enteremos, como sucede en este libro.
—¿Cuáles son los materiales y soportes con los que trabajás habitualmente?
—He trabajado con diversos soportes como maderas, vidrios, hierros, cartones, impresión 3D (un mundo inimaginable). Y en los últimos tiempos, además, incorporé la fotografía y la edición digital.
—¿Cómo y cuándo percibiste el germen del libro que acaban de publicar con Sergio Coscia?
—En realidad me pasó que la pandemia generó otras instancias de pensamientos, de no poder mostrar mi obra en forma física, por lo tanto surgió la idea de hacer un objeto-libro que llevara mi arte a cada biblioteca de las casas.
—Contanos acerca del proceso de selección de las distintas obras que forman parte de las páginas de “Algunas cuestiones”.
—Soy una mezcla de anarco-cartesiano, por lo tanto me llevó primero a elegir 74 fotos entre cientos. ¿Porqué 74? No lo sé aun por suerte. Luego esas 74 imágenes adquirieron un orden irrenunciable.
—Tus obras se ensamblan y completan con las palabras de Sergio, ¿de qué manera trabajaron para lograr esa fusión de los textos con las imágenes?
—Con Sergio nos unen pasiones, miradas, tristezas, músicas, risas, silencios. Establecimos una manera de trabajo que fue la siguiente: libertad absoluta de articular sus letras con mis imágenes.
—¿Qué fue lo más gratificante en la construcción de esta obra donde convergen las artes plásticas con el arte de la palabra?
—Como lo marco en el prólogo del libro, sentí que la obra debía cerrarla con palabras y no dudé un instante que debería ser Sergio Coscia mi amigo para tal tarea. Y el porqué de esto se complementa con la respuesta anterior.
—¿Qué te gustaría que suceda cuando “Algunas cuestiones” esté en manos de los lectores?
—Provocar un encuentro con el arte, con las palabras, la reflexión, la risa, el asombro. Que se convierta en un objeto que pueda observarse, escribirse, dibujarse, algo que sea un objeto vivible.
—Para terminar, si dentro de sus páginas sonara una canción que represente la esencia de este libro de arte, ¿cuál sería y por qué?
—No me es una respuesta sencilla, pero creo que elegiría “Islands” de King Crimson. El porqué, quizás te lo responda en algún próximo libro.
El Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti convoca a los artistas de la provincia de Buenos Aires a participar de la Edición 2026 del “Salón Provincial Florencio Molina Campos”, que año a año reconoce la labor artística bonaerense. La inscripción de los interesados en esta abierta hasta el 7 de agosto inclusive.
El “Salón Provincial de Artes Visuales Florencio Molina Campos” cuenta con representación territorial y paridad de género desde 2020 tanto en la designación de jurados como en la selección de participantes, ganadoras y ganadores. Con una amplia trayectoria y aumento de participación durante los últimos años, el salón es el máximo reconocimiento al arte y a sus artistas que otorga la provincia de Buenos Aires.
Podrán participar artistas mayores de 18 años de edad, residentes de la provincia de Buenos Aires a la fecha de cierre de la inscripción. Las obras ganadoras pasarán a formar parte del patrimonio del Museo Pettoruti.
Se otorgarán tres premios adquisición que serán otorgados por el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires, la Honorable Cámara de Senadores de la Provincia de Buenos Aires, y la Honorable Cámara de Diputados de la Provincia de Buenos Aires.
Además, habrá tres menciones de honor, a cargo del Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti, la Subsecretaría de Políticas Culturales de la Provincia de Buenos Aires y la Dirección Provincial de Artes.
Las personas interesadas en participar podrán encontrar el Reglamento y el formulario de inscripción en las redes del Museo Pettoruti.
(Fuente: Museo Provincial Bellas Artes E. Pettoruti)
La exposición “Viva Frida”, considerada una de las más importantes dedicadas a la vida y la obra de Frida Kahlo, se presentará por primera vez en Sudamérica en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba), donde podrá visitarse del 19 de septiembre de 2026 al 15 de marzo de 2027.
La muestra, organizada por la Semana de la Alta Costura Argentina (SAC) y el Museo Frida Kahlo de México, cuenta con la dirección del proyecto de Elina Costantini, la curaduría de Circe Henestrosa y la colaboración de Gannit Ankori. La inauguración será el 17 de septiembre a las 19.
La propuesta reúne una selección de objetos personales de la artista mexicana junto con pinturas, fotografías, cartas y documentos que permiten recorrer su trayectoria artística y comprender el modo en que construyó su identidad pública a través de la indumentaria, el autorretrato y la representación de su propia experiencia.
El recorrido incluye prendas tradicionales tehuanas, joyas, corsés ortopédicos, cosméticos y otros objetos que permanecieron resguardados durante décadas en la Casa Azul de Ciudad de México y fueron redescubiertos en 2004. A estas piezas se sumarán obras de la colección Malba–Costantini, entre ellas el “Autorretrato con chango y loro” (1942), “Diego y yo” (1949), el último autorretrato de Kahlo antes de su muerte, y la litografía “Sin título (El aborto)” (1932).
La exposición incorpora además un conjunto documental perteneciente a la crítica de arte Raquel Tibol, integrado por fotografías, correspondencia y otros materiales vinculados con la artista.
Según sus organizadores, “Viva Frida” propone una mirada que sitúa la vestimenta y la autorrepresentación como elementos centrales de la producción artística de Kahlo. La muestra analiza cómo la pintora utilizó la indumentaria como una afirmación de identidad, una expresión política y un recurso para afrontar las secuelas físicas derivadas del accidente que sufrió en 1925.
Nacida en 1907, Frida Kahlo desarrolló una de las obras más influyentes del arte del siglo XX. Su producción, marcada por el autorretrato y la exploración de la identidad, alcanzó proyección internacional tras sus exposiciones en Nueva York y París a fines de la década de 1930 y hoy ocupa un lugar central en la historia del arte moderno.
La llegada de “Viva Frida” coincide con el 25° aniversario del Malba y constituye la primera presentación de esta exposición en Sudamérica, con el objetivo de ofrecer una nueva aproximación a la figura de Kahlo a partir del vínculo entre arte, patrimonio, identidad y cultura material.
Artes Plásticas
El chileno Mauricio Guajardo ganó la Bienal Internacional de Escultura del Chaco 2026
El escultor chileno Mauricio Guajardo se consagró ganador del Certamen Internacional de la Bienal Internacional de Escultura del Chaco 2026 con su obra “Cubo etéreo”, al cabo de una edición que reunió durante diez días a artistas de distintos países y que volvió a convertir a Resistencia en un gran taller de creación a cielo abierto.
La ceremonia de premiación, realizada en el escenario central del Parque 2 de Febrero, marcó el cierre de una Bienal que, según los organizadores, superó en convocatoria de público a la edición anterior y reunió, además del tradicional concurso internacional, congresos, seminarios, encuentros de escultores, actividades culturales, espectáculos musicales, propuestas gastronómicas y ferias de artesanos y emprendedores.
Guajardo obtuvo el Primer Premio NBCH con una obra que fue elegida por el jurado entre las diez esculturas finalistas realizadas durante el certamen. El artista chileno había accedido a la competencia tras un proceso de selección que reunió 439 postulaciones provenientes de distintos países.
El segundo premio, otorgado por el Poder Legislativo de la Provincia del Chaco, fue para el búlgaro Georgi Minchev por “Fragmento de algo más grande”, mientras que el tercer premio OSDE quedó en manos de la ucraniana Lyudmyla Mysko por “Metaestructura”.
Durante el acto también se entregaron las distinciones especiales. El Premio de los Niños Reinaldo O. Martínez fue para el uzbeko Ulash Urakov por su obra “Poesía”, elegida por el jurado infantil. El Premio del Público Juan Alberto García distinguió al bielorruso Alex Sorokin por “Movimiento cuántico II”, la pieza más votada por los visitantes de la Bienal.
En tanto, el Premio de los Escultores Efraín Boglietti, definido por los propios participantes del certamen, fue compartido entre la polaca Anna Rasinska por “Fiat lux (Hágase la luz)” y la ucraniana Lyudmyla Mysko por “Metaestructura”.
Las diez esculturas creadas durante esta edición pasarán a integrar el patrimonio artístico de Resistencia, considerada la Capital Nacional de las Esculturas, que suma así 731 obras emplazadas en calles, plazas y espacios públicos. La ciudad mantiene desde hace casi cuatro décadas un perfil único como museo a cielo abierto, iniciado con el primer concurso realizado en 1988.
La Bienal 2026 también incluyó el Congreso Internacional de Artes, el Encuentro de Escultores Invitados, el Concurso de Escultura para Estudiantes de Artes, el III Seminario de Arte, Derecho, Patrimonio y Urbanismo, el II Congreso Internacional de Derecho del Arte, el Simposio y Reunión Anual de ICLAFI-ICOMOS —realizado por primera vez en un país sudamericano—, además del Festival Filarmónico, Madre Canción, Agitá la Bienal y los encuentros de Maestros Artesanos Argentinos y de Arte Indígena y Artesanía de Pueblos Originarios.
Al finalizar la ceremonia, la Fundación Urunday confirmó el inicio del camino hacia la edición de 2028, cuando la Bienal Internacional de Escultura celebrará sus 40 años de historia.
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