Artes Plásticas
Charly García, el artista plástico, y una muestra en Costa Salguero
Muy cerca de su cumpleaños número 71, este mismo mes, el icónico músico Charly García exhibe por primera vez dibujos, pinturas y objetos intervenidos de su autoría, dentro de una muestra colectiva que exhibirá la galería Popa en la feria arteBA, una de las más destacadas de Latinoamérica, que se hará del viernes al domingo próximos junto al río, en el porteño predio de Costa Salguero.
El libro en el que Charly bocetó, discutió y garabateó la presentación de “Líneas paralelas” en el Teatro Colón junto a Renata Schussheim en 2013 -quemado en un arranque de ira, apagado en un inodoro-. Bandejas pintadas, collages, dibujos de trazo bruto sobre papel son algunas piezas que este fin de semana estarán a la venta en arteBA. No todas, “ese libro no se vende”, dijo Mecha Iñigo, la compañera de García, a los galeristas. El resto se ofertará en un rango que va de los 300 a los seis mil dólares.
En diálogo con la agencia de noticias Télam, el galerista Marcelo Bosco cuenta cómo surgió la posibilidad de mostrar la faceta plástica del músico: “En una charla que tuvimos con Jojo y Mecha empezamos a mirar sus trabajos, desde siempre tuvo una visión, él mismo hizo la tapa del disco ‘Random’ en 2017, es un tipo meticuloso con el arte y el diseño. Me contaba Mecha que en el planteo de las fechas del Colón él mismo le dibujaba a Renata como iría vestida la gente que participaría del show y cómo aparecería en el escenario. Hace una puesta en escena de sus cosas -el juego con las esvásticas a partir de ‘Say no more’, su trabajo del rojo y el negro’-, es una persona que se autoconstruye en su personaje, un artista”.
Anticipa Bosco que “toda esta suerte de derrame cerebral que Charly hace del arte sobre el papel” estará en la Feria: “Intervenciones de sus composiciones musicales, de imágenes de Helmut Newton, hojas chicas, dibujos de canciones de su nuevo disco, ‘Estrellas al caer’, un self portrait (autorretrato). Es muy divertido y descarnado, están también esos dibujos de trazo infantil y colores primarios en marcador sin pistas que remiten al arte bruto, el arte esquizofrénico que surge del inconsciente y acá se manifiesta rápidamente en el papel, en lápiz, un arte que es válido y sobre todo si viene de él”, concluye.
García es tan sólo uno de los artistas rescatados este año por Marcelo Bosco y Jo Johannes (Bosco y Jojo) en el stand C27 del sector Utopía de la feria que abrirá sus puertas en avenida Costanera Rafael Obligado 1221. Los otros son Emmanuel Alfonso, Víctor Castillo, Mariano Cinat, Félix D’Eón, A. Lopatín junto a F. Larreta, Héctor Meana y Atilio Pernisco.
Juntos reúnen 60 trabajos. “Artistas hispanoamericanos que desde hace 10 años viven en un exilio entre comillas. Partieron a Estados Unidos y hoy los estamos repatriando a través de sus obras. Súper reconocidos en ese exilio, aunque no tanto de este lado”, dice Bosco en un diálogo contrareloj, mientras espera otra entrevista y aguarda la confirmación de la llegada de unos marcos y algunas piezas rezagadas para sumar al montaje que ya están realizando en el stand de arteBA. “Gente muy famosa allá, pedazo de artistas”, resume.
Popa Galería de Arte -guiño a la histórica Fundación Proa que está prácticamente a la vuelta, frente al Riachuelo (Popa está en Lamadrid 882)- “trabaja arte contemporáneo y relacional -explica Bosco-, es decir: con la obra, entre las obras y con el espectador, y además es una galería inclusiva para el público Lgbtiq+ que gesta arte desde La Boca desde antes de que ese barrio fuera declarado distrito de las artes y desde antes de que se hiciera marketing con la cuestión de género”.
Haciendo foco en Hispanoamérica abrieron un intercambio y crearon vínculos entre la comunidad latina que reside en Los Ángeles y en Nueva York con artistas locales que dialogaran con lo zonal con diversidad de soportes, edades y “conjugación de género”, indica.
Esto se verá en la obra expuesta en arteBa. Por un lado, las piezas de Alfonso, Castillo, Cinat, D’Eón, Lopatín–Larreta, Meana y Pernisco, en una mesa y protegidas por un vidrio las de Charly: “Objetos intervenidos, algunos cuadritos enmarcados también, el libro que Mecha no deja vender -señala Bosco-, quemado y pegado con collages, poesías de Lautréamont, escritos de infancia, proverbios, dibujos que le sirvieron de base para ver cómo plantaba lo del Colón con Renata“.
Quienes quieran visitar arteBA pueden comprar entradas en https://www.arteba.org/entradas. La feria estará abierta el viernes, sábado y domingo próximos de 12 a 20.
La galería Buenos Aires Sur, ubicada en la calle Bolívar al 1268 de CABA, ha curado y seleccionado el proyecto del artista Carlos Bivachi, para realizar una muestra retrospectiva de su obra.
La exposición, que inaugura el 12 de diciembre a las 18, representa una oportunidad para reflexionar sobre su trayectoria artística y compartir con el público una selección representativa de sus obras.
La muestra incluirá obras físicas cuidadosamente seleccionadas, destacadas por su importancia en la evolución como hacedor de objetos de Bivachi, junto con una significativa faceta digital, en esta oportunidad impresiones 3d que ponen de manifiesto el interés del artista por la innovación y los nuevos medios.
Esa combinación busca ofrecer una experiencia inmersiva que invite a los espectadores a explorar las conexiones entre las distintas etapas del trabajo y las ideas que han dado forma a la búsqueda creativa.
Reflexiones del artista
Esta muestra trasciende los conceptos simples; es un ensamblaje meticulosamente concebido que evoca un universo propio, donde los elementos interactúan en armonía y buscan la luz. El hilo conductor del trabajo es desplegar valores y concepciones a través de los objetos,
desarrollando una estrategia constructiva única.
Cada obra es una ventana a una visión del mundo, capturando la esencia de lo tangible e intangible con una fusión de creatividad y técnica. Me entrego al encantamiento del juego creativo, sin interés por comprender o entender más allá. Invito al espectador a explorar un mundo de sensaciones y significados, donde la interacción entre elementos crea una experiencia estética y reflexiva.
Es mi interés despertar curiosidad y abrir nuevas perspectivas, mostrando cómo la combinación de materiales como los cartones, la impresión 3d, algunas maderas y técnicas desafía los límites de lo tradicional y académico.
En la totalidad de la obra, la realidad se conjuga y transita, impregnada de sentimientos que evocan dolor, mediocridad, distancias, verdades, incertidumbres y certezas. Todo ello convive con ustedes, conmigo y en la obra misma.
El British Museum de Londres presenta una muestra dedicada a una faceta menos conocida del célebre artista español Pablo Picasso, la de grabador.
Durante su carrera, Picasso realizó unos 2.400 grabados, una especie de diario personal, de los cuales un centenar de ellos serán exhibidos en la “Picasso: printmaker”, desde este jueves hasta el 30 de marzo de 2025.
“La gente está más familiarizada con sus pinturas, por lo que realmente queríamos mostrar que el grabado es un área creativa realmente importante de su trabajo y que logró grandes cosas en este campo”, explica a AFP la curadora de la exposición, Catherine Daunt.
La exposición, que reúne obras realizadas desde 1904, tras la llegada de Picasso a París, hasta 1971, es la más extensa dedicada hasta el momento en el museo al artista, con 97 grabados de los 553 del genio andaluz que posee la galería de arte.
“El grabado es un área de su trabajo de Picasso que mucha gente no habrá visto con tanto detalle antes”, afirma Daunt. Sin experiencia ni preparación, Picasso hizo su primer grabado, El zurdo, en 1899, con 17 años, donde muestra a un picador. En 1904 realizó el aguafuerte La comida frugal, que abre la exposición del British Museum, gran obra maestra de su primera etapa.
Diferentes variantes
La exposición sigue la evolución de Picasso a lo largo de su carrera, profundizando en casi todas las variantes del grabado, como aguafuerte, punta seca, litografía, linóleo y aguatinta, como ejemplo de su continuo proceso de cambio artístico.
“Analizamos toda su carrera y diferentes períodos de su grabado. Comenzamos mirando sus primeros trabajos en París, cuando se interesaba por la gente que lo rodeaba, representando escenas de pobreza, acróbatas, artistas callejeros. Luego se interesó por el arte clásico, como en la ‘Suite Vollard’, una serie de 100 grabados que realizó entre 1930 y 1937″, explica Daunt.
En esa “Suite Vollard”, hecha para el marchante de arte Ambroise Vollard, hay referencias a la guerra civil española, como el aguafuerte “El sueño y mentira de Franco”, presente en la muestra.
“Más adelante vemos su interés por la litografía y el grabado en linóleo, y finalmente los grabados que hizo cuando estaba al final de su vida, cuando reflexionaba sobre su vida y pensaba en su legado. Así que vemos muchos elementos diferentes de Picasso en esta exposición”, señala Daunt.
“Un diario personal”
También incorpora de manera recurrente el tema del pintor y la modelo o el mito de Minotauro.
“Sus grabados son como un diario personal, ya que siempre incluyó elementos de su propia vida. Aprendemos mucho sobre su vida con ellos. Vemos a las personas que significaron mucho para él, a sus esposas y a amantes. Vemos un reflejo de sus emociones, sus vivencias, los artistas que lo inspiraron. Fue un grabador muy inventivo y creativo”, explica Daunt.
La muestra incluye 28 grabados de la serie 347 Suite, que Picasso realizó entre el 16 de marzo y el 8 de octubre de 1968, siendo una de las series más importantes del artista en esta faceta.
Esos 347 grabados, donados en su totalidad en 2014 al British Museum por Hamish Parker, los hizo en 1968, con 86 años. En esa “Suite 347” incluye referencias al escritor francés Honoré de Balzac, a los pintores Rembrandt y El Greco, así como a su propia familia, como padres, cónyuges o amantes.
En la serie se refleja la vasta inspiración de Picasso, desde esos grandes maestros hasta el universo taurino y flamenco, pasando por la mitología grecorromana y el paisaje mediterráneo. También hay referencias a la vida diaria o personajes históricos, como el presidente francés Charles De Gaulle, en un grabado relativo a las revueltas de mayo del 68.
“En el grabado, Picasso pudo contar historias y explorar realmente un tema. A menudo hacía impresiones en series. Y eso le permitía explorar profundamente una idea, algo que no podía hacer necesariamente tan rápido en la pintura”, resume Daunt.
Un grupo de artistas argentinas y alemanas se unen en un concepto y dos muestras: “Mixxturar” y “Juntas”, un diálogo entre los colectivos feministas Nosotras Proponemos y Fair Share! for Women Artists Berlín.
Dos exhibiciones, curadas por Julie August, que ponen de manifiesto que las temáticas sobre diversidad y género, se hermanan en el mundo del arte para crear una demanda potente y colectiva: un reparto más justo tanto de las condiciones de visibilidad como de las económicas.
Con el apoyo de la Embajada alemana en Argentina, llegan especialmente al país Ines Doleschal, Rachel Kohn y Verena Kyselka. Ellas expondrán en “Mixxturar” sus obras junto a sus pares argentinas María Causa, Marina De Caro y Alicia Esquivel, desde el 21 de noviembre, en Casa Bolívar, un espacio ubicado en San Telmo dedicado a albergar proyectos que toman la propia casa como protagonista de la exposición, desafiando el concepto del cubo blanco en el arte.
En ese marco, se mostrarán obras de arte, objetos y documentaciones del activismo de cada una de las seis artistas generando una conversación en cada rincón.
Las artistas convocadas, de destacada trayectoria y reconocimiento, dedican parte de su tiempo y de su trabajo a mejorar las condiciones de visibilidad de colegas artistas, de todas las épocas, y por otra parte se abocan a tareas de cuidado.
La “mixxtura” de estas facetas en lo cotidiano se hace evidente en la muestra y se transmite también a través de un formato inspirado por la casa que cuenta con una bella cocina. Así, una noche por semana, las propias artistas invitan a compartir una comida junto al intercambio de ideas y de experiencias.
En el Museo de la Mujer
En tanto, desde el 12 de noviembre, la exhibición “Juntas” se podrá visitar en el Museo de la Mujer, con el enfoque puesto en la creatividad del activismo que nace de agrupaciones de artistas.
Documentaciones de performances y acciones en el espacio público se complementan con artefactos del activismo, como máscaras, carteles, stickers y material impreso de los colectivos Nosotras Proponemos y Fair Share! for Women Artists.
Además, durante la muestra, se realizará una performance participativa y una charla con la investigadora y curadora Andrea Giunta.
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