Cine
Los cien años de Ingmar Bergman
Hace cien años, un 14 de julio, nacía Ingmar Bergman, el célebre cineasta sueco cuya obra tenebrosa, a menudo de difícil comprensión pero muy celebrada por sus colegas, continúa fascinando y chocando a la vez.
Nacido en 1918 en Uppsala, al norte de Estocolmo, este hijo de pastor luterano dirigió cerca de sesenta filmes entre 1946 y 2003, incluyendo “Gritos y Susurros” (1972), “Secretos de un matrimonio” o “Escenas de la vida conyugal” (1974), “Sonata de otoño” (1978) o “Fanny y Alexander” (1982), su obra-testamento.
Once años después de su muerte, a los 89 años, en su casa de Fårö, una isla de piedras, pantanos y farallones del mar Báltico, donde rodó la inquietante “Persona”, sigue siendo para muchos el pintor de los tormentos, de los fantasmas, de la locura y de las andanzas conyugales. Como en un espejo, con Bergman, Eros y Tánatos siguen siendo víctimas el uno del otro.
“La parte central de nuestra educación se basaba en los principios del pecado, de la confesión, del castigo, de la redención y del perdón”, escribió en su autobiografía “Linterna mágica”.
De “Crisis” a “Saraband”, su última película, el maestro de la imagen, que adoraba a las mujeres y las filmaba de forma magistral, aborrecía la muerte y la filmaba magistralmente también, esculpió una metafísica de las tensiones humanas en la que Dios era tan poderoso como ausente, dejando solas en el mundo a las conciencias dolorosas, entre gritos y susurros.
“Ingmar echaba mano enormemente de sus propias experiencias, de su pasado . De alguna manera, se quedó en sus diez años”, explica a la AFP Anna Bergman, hijastra y encargada del vestuario del director.
Exotismo
En los años 1950 empezó a conquistar el extranjero, cuyo público sucumbió al “exotismo escandinavo” con su lengua bárbara, sus jóvenes mujeres liberadas, sus paisajes salvajes y una representación “natural” del desnudo que asombró y causó escándalo.
“A menudo se le asocia en el extranjero a sus filmes sombríos, en blanco y negro, con un ritmo lento y los primeros planos, preo eso no es más que una parte de la verdad. En Suecia, el favorito es Fanny y Alexander”, una obra de la infancia multioscarizada y que cada navidad se emite en la televisión sueca, recuerda Anna Bergman.
Pues el hombre nunca fue profeta en su tierra.
“La carrera de Bergman coincide con el desarrollo del Estado- providencia sueco. Suecia conoció un auge político, social y económico excepcional durante los años 1940, 1950 y 1960 .
Sin embargo, tenemos este director, que nos recuerda que también podemos sentir angustia, que podemos divorciarnos o tener relaciones difíciles con nuestros padres, que Dios nos falta. En aquel momento, no teníamos ganas de oír eso”, señala Jan Holmberg, director de la Fundación Bergman.
Lluvia de Oscars
En blanco y negro y en color, Ingmar Bergman alternaba las composiciones simbolistas (“El séptimo sello”) y más clásicas (“Un verano con Mónica”, “Secretos del matrimonio”, “Sonata de otoño”, “Gritos y susurros”, “Fanny y Alexander”), con experiencias inclasificables como “Persona”, considerada hoy una de las obras maestras del séptimo arte.
También firmó decenas de puestas en escena, adaptando Molière, Shakespeare, Ibsen y Strindberg. De 1963 a 1966 dirigió el Teatro Dramático Real de Estocolmo, que este año le dedica una programación excepcional.
Procedente del mundo del cine, aunó este arte con la música, de la que decía que no sabía nada, en “La flauta mágica” en 1975, la alegre ópera de Mozart, cuyo libreto y vinilo siguen presidiendo en la actualidad en la casa de Fårö, protegida por los pinos.
Considerado por Woody Allen como el “mejor director” de la historia del cine, Bergman consiguió tres Óscars al mejor filme de habla no inglesa, en 1960 por “El manantial de la doncella”, al año siguiente por “Como en un espejo” (también titulada “Detrás de un vidrio oscuro” y “A través del espejo”) y en 1983 por “Fanny y Alexander”. Cannes le homenajeó tardíamente, en 1997, al otorgarle la “Palma de las palmas”. Es el único cineasta hasta la fecha que tiene ese galardón.
También él tenía sus modelos. “Cuando el filme no es un documento, es sueño. Y por eso Tarkovski es el más grande de todos”, declaró. “Fellini, Kurosawa y Buñuel navegan en las mismas aguas que él”.
Dio sus mejores papeles a actrices como Harriett Andersson y la noruega Liv Ullman, su “Stradivarius”. Tuvo aventuras amorosas con varias de sus actrices, se casó cinco veces y tuvo nueve hijos.
(Fuente: agencias de noticias AFP y NA)
El amor que permanece
Director: Hlynur Pálmason
Elenco: Sverrir Gudnason, Ingvar Eggert Sigurdsson, Saga Garðarsdóttir, Anders Mossling, Ída Mekkín Hlynsdóttir, Katla M. Þorgeirsdóttir, Halldór Laxness Halldórsson, Kristinn Guðmundsson, Grímur Hlynsson, Þorgils Hlynsson.
Una familia vive la separación durante un año, mostrada en momentos íntimos y sucesos extraños que revelan lazos de amor y memoria.
El gran viaje
Director: Momoko Seto
Cuatro semillas de un diente de león son las únicas supervivientes de una serie de explosiones nucleares que están destruyendo la Tierra. Lanzadas al cosmos, emprenderán una aventura inolvidable para encontrar un nuevo hogar donde puedan restablecerse como especie.
Backrooms: Everything Must Go Edition
Director: Kane Parsons
Elenco: Chiwetel Ejiofor, Renate Reinsve, Mark Duplass, Finn Bennett, Lukita Maxwell
Backrooms: Sin salida presenta su versión extendida y regresa en julio a los cines argentinos con 15 minutos de contenido inédito pensados para intensificar la experiencia y profundizar la inmersión en su perturbador universo.
Sí, cambio
Director: Juan Morgenfeld
Elenco: Tamara Leschner, María Villar, Natasha Zaiat, Inés Urdinez, Fabián Arenillas, Horacio Marassi, Gustavo Sack, Liliana Iglesia, Julián Vila Graca, Franco Campanela
Carla, una detective privada, pasa los días en su auto siguiendo a un sospechoso al que casi nunca ve. Mientras intenta avanzar con el caso, revisa sus vínculos más cercanos. La aparición inesperada de Alicia, una vecina, desarma la investigación y su vida personal.
El Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA) anunció la 41ª edición del Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, que se desarrollará del 5 al 15 de noviembre bajo la consigna “Donde el cine argentino dialoga con el mundo”, con más de 1.100 películas inscriptas y homenajes a destacadas figuras de la industria audiovisual, como la actriz Natalia Oreiro.
La convocatoria cerró con 1.127 títulos inscriptos, lo que representó un incremento del 27% respecto de la edición anterior. Además, el festival tendrá una presentación oficial abierta al público el próximo 19 de octubre en el Palacio Libertad, que culminará con un concierto gratuito del compositor Emilio Kauderer junto a la Orquesta Nacional de Música Argentina «Juan de Dios Filiberto», con un repertorio dedicado a bandas sonoras de películas dirigidas por Juan José Campanella y Adolfo Aristarain.
Como cada año, el encuentro entregará los Premios Astor Piazzolla a la Trayectoria, que en esta edición reconocerán a la actriz Natalia Oreiro, al director Alejandro Agresti y al compositor Emilio Kauderer por sus aportes al cine argentino. Oreiro será distinguida por una carrera que abarca la actuación, la música y la producción, con títulos como “Cleopatra”, “Infancia clandestina”, “Wakolda”, “Gilda, no me arrepiento de este amor” y “Hoy se arregla el mundo”.
La programación también incluirá un homenaje al realizador Héctor Babenco, al cumplirse 80 años de su nacimiento y una década de su fallecimiento. Durante el festival se proyectarán cuatro de sus películas más representativas: “Pixote”, “At Play in the Fields of the Lord”, “Corazón iluminado” y “Mi amigo hindú”, además de un panel dedicado a su legado con participación de integrantes de su familia.
Según adelantó el INCAA, la nueva edición combinará cine contemporáneo, patrimonio audiovisual, actividades especiales y la presencia de figuras destacadas del ámbito cinematográfico nacional e internacional, con el objetivo de consolidar al Festival Internacional de Cine de Mar del Plata como uno de los principales encuentros cinematográficos de la región.
El director argentino Gaby Smiths se encuentra presentando en sociedad su nueva película titulada “Jingle Hell”, una coproducción de su productora Lion Films con Vigory Pictures de Reino Unido, en lo que entiende “una apuesta fuerte, arriesgada, al ser independiente”.
“Realizar ‘Jingle Hell’ fue una oportunidad para mostrar la belleza de Argentina desde una mirada inesperada, transformando paisajes familiares en el escenario de una auténtica pesadilla. Quise sumergir al espectador en una atmósfera atemporal, donde el pasado parece seguir vivo y el horror surge de lugares que rara vez se asocian con el género”, detalló el director respecto de su nueva obra.
Asimismo, Smiths precisó: “No buscamos un terror inmediato ni un impacto constante, sino construir una sensación de incomodidad que crece de forma gradual”.
Roma, Londres y Buenos Aires fueron las ciudades elegidas como locación del film, por su estrecho vínculo con la historia del cine de terror, aunque Mechi Pérez, de rol fundamental en Lion Films participando como guionista y productora ejecutiva, dirá que sabían que el corazón de la historia debía transcurrir en un antiguo museo ferroviario: “Sus vagones, locomotoras y pasillos interminables nos permitieron construir un escenario único, donde el tiempo parece haberse detenido y el horror encuentra el lugar perfecto para manifestarse”.
Sinopsis
En una Nochebuena atípica, un misterioso matrimonio reúne a invitados internacionales en una exclusiva cena de lujo, organizada en un excéntrico museo ferroviario. Sin conexión con el mundo exterior y sometidos a estrictas reglas, pronto descubrirán que fueron convocados para algo mucho más siniestro. Cuando la celebración se transforma en una cacería mortal, sobrevivir será el único regalo que realmente importe.
(Fuente: Damián Mercado – Prensa)
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