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“Born in the USA”, el disco con el que Bruce Springsteen conquistó el mundo
Por Martín Sassone (*)
El 4 de junio de 1984, hace 40 años, el rock tuvo uno de esos momentos que con el tiempo se vuelven históricos. Bruce Springsteen, que llevaba poco más de una década de arduo trabajo en el mundo de la música, lanzó un disco que definiría no solo un antes y un después en su carrera, sino también una época. “Born in the USA” fue su apoteosis, el álbum con el que se consolidó como una auténtica estrella del rock & roll.
Para llegar a ese momento, corrió mucha agua bajo el puente. El hijo preferido de Nueva Jersey había lanzado cuatro excelentes discos en la década del setenta siendo “Born to Run” (1975) su mayor éxito. El Jefe comenzó los ochenta con el álbum doble “The River”, que no hizo otra cosa más que consolidarlo en el mainstream del rock, y “Nebraska”, un disco minimalista y melancólicamente bello, un verdadero desafío tanto para el artista como para la industria discográfica, que vio la luz en 1982 y tiene el mismo origen que su sucesor.
La historia de “Born in the USA” se remonta al otoño boreal de 1981, cuando Springsteen empezó a escribir una canción llamada “Vietnam”, inspirada en “Born on the Fourth of July”, las memorias de Ron Kovic, (que más tarde Oliver Stone convertiría en una película protagonizada por Tom Cruise), y, en paralelo, conoció a varios veteranos de guerra.
Esa canción se transformó con el tiempo en “Born in the USA”, que lleva el nombre de una película de Paul Schrader para la que se le pidió a Springsteen que escribiera la música.
El proceso creativo posterior derivó en una avalancha de canciones. Entre el 17 de diciembre de 1981 y el 3 de enero de 1982, grabó varios demos con la intención de registrarlas luego con la E Street Band. La belleza cruda de algunos de esos demos se transformó en el álbum Nebraska.
Entre enero de 1982 y marzo de 1984, Bruce y la banda grabaron entre 70 y 90 canciones. “En ese momento, ya había grabado mucha música”, escribió en su autobiografía “Born to Run” de 2016. “Pero al final, volví a mis grupos de canciones originales. Allí encontré un naturalismo y una vitalidad que no se podía discutir. No eran exactamente lo que había estado buscando, pero era lo que tenía”.
“Born in the USA” es la gran obra de Bruce Springsteen, y lo es por tres motivos: su capacidad compositiva, su carisma como artista y la fuerza arrolladora de The E Street Band, que por entonces estaba conformada por Roy Bittan en piano y sintetizador, Clarence Clemons en saxofón y percusión, Danny Federici en órgano Hammond, glockenspiel y piano, Garry Tallent en bajo, Steven Van Zandt en guitarra acústica y mandolina y Max Weinberg en batería.
A pesar de su ágil coherencia, el álbum tiene cuatro productores listados: el propio Springsteen, su manager y productor Jon Landau, Chuck Plotkin y Steven Van Zandt. De hecho, Van Zandt dejó la E Street Band después del primer lote de grabaciones y fue reemplazado por Nils Lofgren desde 1984 hasta la ruptura de la banda E Street en 1989. Regresó para la breve reunión del grupo en 1995 y luego nuevamente para su reunión en 1999, con Nils también conservando su lugar en la alineación.
Un álbum conformado por canciones memorables
Volviendo al álbum, más de la mitad de las canciones se lanzaron como sencillo. Increíblemente, los siete singles estuvieron entre los diez primeros del Billboard Hot 100. El primero en salir fue “Dancing in the Dark”, lanzado antes del álbum. Luego vinieron “Cover Me” y “Born in the USA” antes de que terminara 1983. El año siguiente vio el lanzamiento de “I’m on Fire”, “Glory Days”, “I’m Goin’ Down” y finalmente “My Hometown”.
La portada de “Born in the USA” es una de las más icónicas (y controvertidas) de toda la historia del rock. La fotografía fue tomada por Annie Leibovitz y muestra a Springsteen de espaldas, vestido con sus jeans azules y una camiseta blanca, con una gorra de béisbol roja metida en el bolsillo trasero. Como si los colores azul, blanco, rojo no fueran suficientes, Bruce está parado frente a las franjas rojas y blancas de la bandera de Estados Unidos.
La presencia de la bandera y el nombre “Born in the USA” unido a lo edificante que suena la canción principal llevó a aquellos que nunca se molestaron en leer la letra y que no sabían mucho sobre Bruce Springsteen, a pensar que se trataba de una especie de pieza patriótica/nacionalista.
De hecho, cuando el disco estaba en lo más alto de los charts, Ronald Reagan, candidato a la reelección contra el demócrata Walter Mondale, dijo durante un acto de campaña en Nueva Jersey que él y el cantautor compartían el mismo sueño americano. Tres días después, en un show en Pittsburgh, Springsteen habló sobre su versión de ese sueño. “Al principio, la idea era que todos viviéramos aquí un poco como una familia donde los fuertes pueden ayudar a los débiles y los ricos pueden ayudar a los pobres. Ya sabes, el sueño americano. No creo que todo el mundo fuera a ganar mil millones de dólares, sino que todo el mundo iba a tener la oportunidad de vivir una vida con cierta decencia y dignidad”.
De todas maneras, la posición de Springsteen estaba bastante clara en la letra de la canción (“Me enviaron a una tierra extranjera / Para ir a matar al hombre amarillo”) así como también en sus discos anteriores: sus sentimientos hacia la política estadounidense eran muy críticos.
“Born in the USA” se convirtió en el álbum más vendido de Bruce Sprinsgteen. En Reino Unido obtuvo triple platino, con ventas de más de 1.120.000. En los EEUU logró 17 discos de platino, acumulando ventas de más de 17 millones de copias. Las ventas mundiales se estiman en más de 30 millones. Desde entonces, el Jefe siguió edificando su carrera con profundas canciones, decena de discos y shows maratónicos alrededor del mundo.
(*) Agencia Noticias Argentinas
El fotógrafo y artista estadounidense Spencer Tunick volvió a convertir el cuerpo humano en materia prima de una intervención artística multitudinaria al reunir a cerca de 500 personas desnudas para crear “Gran Spectrum”, una instalación concebida como una escultura humana dedicada a la diversidad y la inclusión de la comunidad LGTBIQ+.
La acción se desarrolló en la plaza de Santa Ana, en el casco histórico de Las Palmas de Gran Canaria, donde los participantes, pintados con once colores diferentes, fueron ubicados por el artista hasta conformar una composición inspirada en la bandera arcoíris. La obra formó parte de la programación del festival Culture & Business Pride 2026.
Desde las primeras horas de la mañana, los voluntarios recibieron pintura corporal y siguieron las indicaciones de Tunick, quien dirigió la intervención mediante un megáfono desde un edificio cercano. Una vez completada la formación inicial, el fotógrafo realizó distintas tomas y modificó la disposición de los cuerpos para obtener nuevas composiciones que integrarán la obra definitiva.
El artista explicó que “Gran Spectrum” busca representar “el gran espectro de la identidad LGTBIQ+” y rendir homenaje a una comunidad que, según sostuvo, “necesita todo el apoyo en el futuro”. También destacó que la aceptación del cuerpo desnudo como expresión colectiva constituye “un paso adelante hacia el futuro” y celebró el entusiasmo de los participantes durante la jornada.
La intervención transcurrió en un clima festivo y sin incidentes, aunque coincidió con la celebración religiosa dominical en la catedral de Santa Ana, lo que obligó a coordinar el acceso de los fieles al templo mientras se desarrollaba la producción artística. Tras finalizar las fotografías en la plaza principal, Tunick continuó la sesión en otros sectores del barrio histórico de Vegueta.
Varios de los voluntarios señalaron que participaron para respaldar un mensaje de igualdad, inclusión y libertad a través del arte. Algunos destacaron la posibilidad de compartir la experiencia con personas de diferentes procedencias y consideraron que la propuesta permitió visibilizar la diversidad desde una perspectiva colectiva.
Reconocido por sus instalaciones de desnudos masivos en ciudades de todo el mundo, Tunick incorporó por primera vez una paleta de once colores inspirada en las banderas de la diversidad sexual para construir una obra que combina fotografía, escultura y performance en el espacio público.
El reconocido saxofonista estadounidense Plas Johnson, quien saltó a la fama por interpretar el solo de saxo de “La Pantera Rosa”, murió a los 94 años en Los Ángeles. La noticia fue confirmada por la emisora radial KKJZ y el diario Donaldsonville Chief, de su ciudad natal en Luisiana.
Según publicó la agencia Noticias Argentinas, Johnson murió el 15 de julio en el barrio de Granada Hills, Los Ángeles, cuando faltaban tan solo seis días para cumplir 95 años. Aún no se dieron a conocer las causas de su fallecimiento.
Oriundo de Donaldsonville, Luisiana, el músico debutó en la industria discográfica junto a su hermano Ray en la década de los 50 y rápidamente se consolidó como uno de los músicos de sesión más prestigiosos de Estados Unidos.
En 1963 alcanzó el reconocimiento mundial con su interpretación de “The Pink Panther Theme”, la composición de Henry Mancini creada para la película “La Pantera Rosa”. Aquel solo de saxo terminó convirtiéndose en una de las melodías más reconocibles de la historia.
Si bien el artista no tiene premios en su nombre, el soundtrack de “La Pantera Rosa” ganó tres premios Grammy, fue nominado al Oscar a la mejor banda sonora original y es parte de las partituras cinematográficas más importantes de la historia, de acuerdo con el Instituto Americano del Cine.
En una larga trayectoria musical de más de siete décadas, Johnson colaboró con grandes figuras del jazz, como Frank Sinatra, B.B. King, Johnny Otis, Barbra Streisand, Marvin Gaye y Nat King Cole, entre muchos otros.
La Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco) informó que el 76% de los bienes culturales de la Franja de Gaza resultó dañado como consecuencia de los ataques israelíes, con pérdidas estimadas en más de 183 millones de dólares, y reclamó el respaldo de la comunidad internacional para proteger y recuperar ese patrimonio.
El balance fue presentado por el subdirector de Cultura de la Unesco, Nayef Al-Fayez, durante la apertura de la primera Conferencia Ministerial por la Cultura de Palestina, celebrada en Madrid y organizada por los ministerios de Cultura de España y Palestina.
Según explicó el funcionario, la organización verificó daños en 164 sitios culturales mediante el análisis de imágenes satelitales y una evaluación realizada sobre el terreno durante el alto el fuego de octubre de 2025, cuando las condiciones de seguridad permitieron el acceso. Entre los bienes afectados figuran edificios históricos, monumentos, museos, sitios arqueológicos, inmuebles religiosos y depósitos de bienes culturales.
Al-Fayez señaló que la Unesco trabaja junto al Ministerio de Cultura palestino para afrontar el impacto inmediato del conflicto sobre el sector cultural y sostuvo que el desafío ahora es coordinar una respuesta internacional que permita preservar la identidad cultural palestina y apoyar la futura reconstrucción.
Durante la conferencia también intervino el cineasta palestino Basel Adra, ganador del Óscar al mejor documental por “No Other Land” (2024), quien afirmó que el cine y el activismo son herramientas para mostrar al mundo la realidad que vive la población palestina y advirtió sobre los riesgos que enfrentan quienes documentan el conflicto.
Por su parte, el ministro de Cultura de Palestina, Emad Hamdan, aseguró que la destrucción alcanza tanto a la población como al patrimonio histórico y cultural, mientras que su homólogo español, Ernest Urtasun, sostuvo que la reunión busca articular una respuesta internacional “coordinada y eficaz” frente a una emergencia cultural y humanitaria.
La conferencia reúne a representantes de una treintena de delegaciones internacionales para debatir sobre la evaluación de los daños, la protección del patrimonio, el papel de las artes y la literatura, el cine palestino, la transformación digital y las estrategias para la reconstrucción del sector cultural.
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