Teatro
El grupo de artistas Los impescables y un mensaje que no se hace esperar: “No Mires Que Es Peor”
Por Andrea Viveca Sanz (@andreaviveca) /
Edición: Walter Omar Buffarini //
Hay cosas que se escapan de las manos, giran en el aire, se esfuman delante de la vista, inalcanzables. Imposibles de pescar.
El grupo de artistas Los impescables recorre a través del humor distintas escenas de la vida cotidiana. Algo se corre, se mueve al ritmo de la música y de las palabras. Con una gran escenografía y varios intérpretes en escena, los cuentos y relatos se despliegan sobre el escenario y atraviesan el espacio íntimo de cada uno de los espectadores como si las miradas a uno y otro lado lograran fundirse.
—Comencemos esta charla deteniéndonos en el nombre que pone en movimiento a este grupo de artistas. Si pudieran elegir un “objeto impescable” que los ayude a presentarse, ¿cuál sería y por qué?
—Partiría de una botella de vino tinto. El vino tiene esa magia que dispara poesía, evoca la gracia de los que ya han bebido de más, tiene el recuerdo de tiempos pasados, la desinhibición del alcohol, la alquimia de transformar una fruta en elixir y el arte de hacer que un montón de polvo, por la acción del fuego, se convierta en un bello contenedor. Esto no es soplar y hacer botellas (risas).
—Rastreando en los orígenes, en las calles que los vieron nacer como equipo y como proyecto, ¿recuerdan dónde y de qué manera surgieron “Los impescables”?
—El grupo se origina hace algo más de 10 años. En un encuentro artístico en el interior de la provincia de Buenos Aires. En aquel momento eran solo 4 integrantes, a los cuales se fueron sumando más compañeros, completando la escena y la formación musical.
—¿Quiénes forman parte del equipo y cuáles son los roles que desempeñan?
—En el equipo somos 11 y se desempeñan roles actorales, musicales y algunos combinan sus funciones.
—El humor atraviesa cada una de las piezas de sus espectáculos, ¿cómo llevan adelante el proceso de dar forma a cada uno de los cuentos o relatos que además se completan con música y actuación?
—En una primera instancia, este proceso surge de ver, escuchar y recolectar, ya sea del entorno o de la memoria, gestos, historias, personajes. Primero las compartimos entre nosotros para reírnos y encontrar en esa simpleza la forma de convertirla en parte de la obra.
—Por estos días están presentando “No Mires Que Es Peor”. ¿Cuáles son los elementos destacados de la escenografía y el vestuario de esta obra?
—La escenografía se destaca por un telón prácticamente acromático que nos introduce en el mundo de un bar y la atemporalidad. Un pez que flota riéndose de que jamás será pescado. Nuestro vestuario va cambiando en algunos casos para cerrar la imagen de algún texto o personaje, pero en general son trajes que nos llevan al arrabal. Y… algo más, pero es sorpresa.
—¿Qué instrumentos musicales forman parte del espectáculo y qué géneros marcan el ritmo de las palabras y los cuerpos?
—Los instrumentos son batería, trombón, trompeta, acordeón, dos guitarras, bajo, armónica, percusión y si te descuidás ponemos un arpa (risas). El ritmo es eclecticismo festivo, tanto en la escena como en la música.
—¿Hay algún nuevo proyecto en camino?
—Proyectos, siempre. Los proyectos y los cuentos son infinitos. Aún estamos dando forma a lo que viene. Pero para los que quieren familiarizarse con nuestro trabajo, tenemos un hermoso disco. Y pueden ver cosas nuestras en las redes. Nos encuentran como @los_impescables.
—¿Dónde y cuándo se podrá ver “No Mires Que Es Peor”?
—No Mires Que Es Peor se presenta este sábado 16 de julio en el teatro Ópera de La Plata, de calle 58 entre 10 y 11, a las 20.
—Para terminar, y a manera de cierre de esta nota, les proponemos que elijan una palabra que resuma el espíritu del espectáculo.
—Con una palabra es muy difícil. Pero diría “divergico”. Te mezclo divertido y mágico, te hago trampa y con todo eso tenés un panorama de nuestro espíritu.
Silvia Kutika, Fabio Aste, Mirta Wons y un gran elenco vuelven en su segunda temporada al teatro “El Tinglado” (Mario Bravo 948, CABA) con la obra “Al fin y al cabo, es mi vida”, que ha conmovido al mundo entero. Desde el jueves 5 de marzo a las 20.30 se presenta esta poderosa pieza escrita por Brian Clark. Nominada a dos premios ACE (Mejor obra y Mejor Actriz) y galardonada con el prestigioso Premio Laurence Olivier a la Mejor Obra.
Argumento
Clara, una escultora, después de un accidente, se enfrenta a un conflicto profundo: el deseo de decidir sobre su propio destino frente a quienes intentan elegir por ella. Entre emociones intensas y momentos de humor negro, la historia invita a reflexionar sobre la vida, la libertad y la dignidad.
Traducida a más de 50 idiomas, la versión femenina, reescrita para Kim Cattrall, la estrella de “Sex and the City”, fue un rotundo éxito de taquilla en Londres.
“Al fin y al cabo, es mi vida” propone una profunda reflexión sobre uno de los dilemas médicos, éticos y humanos más complejos de nuestro tiempo: el derecho a decidir sobre la propia vida.
Elenco
- Silvia Kutika
- Fabio Aste
- Mirta Wons
- Fernando Cuellar
- Luis Porzio
- Tania Marioni
- Jorge Almada
- Morena Prereyra
Dirección: Mariano Dossena
Producción general: Adrián Lázare
Ficha técnica
Asistente de dirección: Juan Manuel Vazquez
Diseño gráfico: Leandro Anriquez
Vestuario: Fernando Cuellar
Diseño de iluminación: Fernando Cuellar
Fotografía: Nacho Lunadei
Traducción: Adrian Lázare y Fernando Cuellar
Producción ejecutiva: Juan Manuel Vazquez – Fernando Cuellar
Prensa y comunicación: Max Czajkowski
Instagram: @alfinyalcaboesmivida
El 8 de febrero se estrena “Limbótica”, una creación de Verónica Marcovsky (intérprete) junto a Tamara Mesri (dirección escénica) en Espacio callejón, de calle Humahuaca al 3759 de CABA.
Con una sólida trayectoria en el flamenco, Marcovsky convocó a Mesri para potenciar una exploración multidisciplinaria. El resultado es un cruce entre la danza contemporánea, el teatro de objetos y la fotografía, apelando a los sentidos a través de una narrativa con fuerte arraigo visual.
La obra transcurre en ese limbo de la noche cuando el insomnio acecha, el sueño no llega y la vigilia es un frágil telón de fondo donde se proyecta el inconsciente.
En “Limbótica” el cuerpo de la intérprete pierde sus bordes en la oscuridad, escurriendo en un movimiento constante del que resurge en formas insólitas. Aquí, el flamenco no es la causa, sino la consecuencia: una pulsión que late desde adentro para armarse y desarmarse en la inmensidad de la noche.
“Así como en los sueños las imágenes se suceden sin una coherencia aparente, en ‘Limbótica’ cada espectador proyectará su propia interpretación consecuencia de una poderosa batería de estímulos sensoriales que se despliegan en la obra.”, declara Marcovsky.
En “Limbótica” el cuerpo pierde sus límites a la hora del insomnio y se escurre en nuevas formas, al ritmo de una multiplicidad de pulsiones que confluyen en un mismo ser.
Las funciones de la obra están previstas para los domingos 8, 15 y 22 de febrero, 20.30, con localidades disponibles en Alternativa.
Ficha técnica/artística
- Idea e interpretación: Verónica Marcovsky
- Dirección: Tamara Mesri
- Creación: M&M
- Diseño de vestuario: Si Sanchez Vestuarios
- Diseño de escenografía: Ariel Vaccaro
- Diseño sonoro: Roberta Ainstein
- Guitarra flamenca: Fernanda de Córdoba
- Mezcla: Manuel Schaller
- Asesoría y luces: Julio Panno
- Fotografía y diseño: Manuela Mendiondo
- Asistencia de producción: Lucila Jaure
- Comunicación y Prensa: Cecilia Gamboa
Paraíso Club, la innovadora comunidad de socios que financia y produce obras de teatro, danza y performance da inicio a su cartelera 2026 con la presentación de “El ángulo muerto”, la pieza de la coreógrafa y bailarina Lucía Giannoni. La obra es un híbrido entre instalación, performance y cine en tiempo real.
La obra se presenta desde el viernes 16 de enero, a las 20, en Timbre 4 (México 3554, CABA), y tendrá funciones el 16, 17, 22, 23 y 24 de enero a la misma hora con localidades a la venta en en https://paraisoclub.squarespace.com/membresias-paraiso-1.
En “El ángulo muerto” el objeto de observación es un cubo de gran escala ubicado en el centro de la sala. Una instalación cuerpo que a simple vista propone una unidad, y que será filmado por cámaras ubicadas en diferentes posiciones del espacio. Las distintas perspectivas de la lente buscarán desdoblarlo, desarmarlo, para poder reescribirlo.
“El Planeta Tierra gira a una velocidad de 1.700 kilómetros por hora sobre su eje ya 170.000 kilómetros por hora alrededor del Sol. Si no somos capaces de percibir esa velocidad ¿cómo saber en qué momento sucede nuestra propia mutación?”, declaró Giannoni.
Una experiencia inmersiva para el espectador. A diferencia de las puestas tradicionales, en “El ángulo muerto” el público tiene un rol activo. Se invita a los asistentes a circular alrededor del cubo, eligiendo su propia perspectiva y construyendo su propio relato visual.
La obra es un experimento performático sobre la intimidad y la observación, es una danza devenida en instalación y una película en vivo. Un cubo blanco es el objeto de observación. En él, se proyecta la imagen de un cuerpo íntimo y plural.
Ficha artística/técnica
- Interpretación: Lucía Giannoni
- Asistencia coreográfica: Diego Gómez
- Asistencia de dirección: Rocío Bernárdez
- Coordinación audiovisual: Lucio Saralegui
- Asistencia técnica audiovisual: Juana Sallies
- Dirección audiovisual: Gonzalo Quintana, Hernán Quintana
- Música original y diseño sonoro: Facundo Mauro, Julián Rocha aka Soft Wachin
- Diseño de escenografía: Valeria Nesis y Magdalena Picco
- Realización escenográfica: equipo del taller de escenografía del CCGSM
- Diseño y realización de vestuario: Den Gómez
- Asistencia de realización de vestuario: Luisina Evangelista
- Diseño de iluminación: Adrián Grimozzi
- Producción: Brenda Margaretic, Iñaki Bartolomeu
- Dirección General: Lucía Giannoni
- Duración: 60 minutos
(Fuente: Cecilia Gamboa – Comunicación & Prensa)
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