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Teatro

Federico León estrenó “Los tiempos” en el Teatro Sarmiento

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“Los tiempos”, la nueva producción escénica de Federico León, se presenta de miércoles a domingo a las 20 en el Teatro SARMIENTO, de avenida Sarmiento al 2715 de CABA.

El espectáculo, una coproducción entre el Complejo Teatral y Zelaya, reúne fragmentos de todas las obras de León, que juntos arman una nueva obra. De “Cachetazo de campo” (1997) y “Mil quinientos metros sobre el nivel de Jack” (1999) a “Las ideas” (2015) y “Yo escribo. Vos dibujás” (2019), pasando por “El adolescente” (2003), “Yo en el futuro” (2009) y “Las multitudes” (2012), el espectador asiste a una colección de fragmentos teatrales que son como ventanas a las obras, trailers del pasado en vivo.

“Una guerra de zapatos que impactan contra un casco de moto, una mesa de ping-pong que se transforma en una computadora gigante, técnicas de adoctrinamiento adolescente, prácticas de deportes inventados, pruebas físicas imposibles, una multitud bailando, una actriz que no puede parar de llorar, una cabina de silencio, la profesora de la profesora, una raqueta de tenis gigante, el sueño de la computadora, un globo gigante, una obra en la que se rompe una computadora por función, lo que no te mata se vuelve idea”, adelanta la promoción del espectáculo.

Asimismo, se desglosa sobre la obra: “¿Cómo se despliegan los temas y procedimientos de un director cuando son alineados y conjugados de maneras diferentes? Una máquina de la memoria teatral, que funciona siempre en tiempo presente. Atrae fragmentos y los mezcla, busca, enlaza, revé, repite, reedita, condensa, reversiona, crea raccontos. Es un sistema enloquecido con la capacidad de ensamblar registros diferentes, generar nuevas uniones y crear correspondencias impensadas”.

Las funciones, con una duración de 65 minutos, están previstas hasta el domingo 17 de diciembre, con entradas a $ 4.500 (miércoles $ 2.600).

Ficha técnico/artística

  • El elenco está integrado por Jimena Anganuzzi, Ignacio Rogers, Miguel Ángel Olivera, Emanuel Torres, Federico León, Gastón Frías, Daniel Cosentino, Pablo Brignoccoli, Vicente Correa, Pablo Cernadas, Sergio Faya, Leandro Orellano, Ariel Bar-On, Ariel Ragusa, Stella Maris Isoldi, Marcelo Silva, Pablo Trimarchi, Agustín Chenaut, Santiago Zarba, Rubén Galarce, Nahuel Galarce y Leonardo Vitale.
  • Actores en video: Elizabeth Bagnes, Julián Tello, Luis Ziembrowski, Maitina De Marco, Pablo Gasloli, Alejandro Ini, Bárbara Irisarri, Ana María Monti, Patricia Russo, María Laura Santos, José María Seoane, Alfredo Staffolani, Martín Tchira, Emanuel Torres, Antonella Querzoli y Gabriel Zayat.
  • Música y diseño de sonido: Diego Vainer.
  • Diseño de iluminación: Alejandro Le Roux.
  • Asistencia de iluminación: Damián Monzón.
  • Diseño de video: Matías Iaccarino.
  • Técnico de video: Daniel Tirado.
  • Asistencia de video: Lihuel Formento.
  • Vestuario: Paola Delgado.
  • Asistencia de vestuario: Bianca Pujia Levy.
  • Escenografía y objetos: Ariel Vaccaro.
  • Casting: María Laura Berch y Mariana Berch.
  • Fotografía: Ignacio Iasparra.
  • Actor en ensayos: Ariel Bar-On.
  • Asistencia general: Valentina Santelli.
  • Asistencia de dirección: Carla Grella.
  • Asistencia artística: Juan Francisco Reato.
  • Coordinación técnica: Laura Copertino.
  • Videos, cámara y fotografía: Guillermo Nieto.
  • Dirección de arte: Mariela Rípodas.
  • Edición: Andrés Pepe Estrada.
  • Post producción: Alejandro Soler.
  • Composición canción “Tal vez”: Carmen Baliero.
  • Prensa Zelaya: Marisol Cambre.
  • Producción general: Melisa Santoro.
  • Dirección: Federico León.
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Entrevistas

Cynthia Edul repasa “El punto de costura”, una obra donde lo familiar y lo laboral disparan y sostienen la historia

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Por Andrea Viveca Sanz (@andreaviveca) /
Edición: Walter Omar Buffarini //

Es un hilo más otro hilo. Y otro. Manos urdiendo la trama, el lenguaje de los dedos, un sonido que teje. 

Es una palabra encima del hilo, las voces cosidas, el acento en la aguja, un hilván que sostiene.

Es la tela y el hilo en la tela, la tijera y el silencio, texturas superpuestas, voces asomándose entre los puntos, una costura del verbo.

Es antes y después, todos los hilos y todas las palabras, la sintaxis de la trama.

“El punto de costura” es una obra que se introduce en el universo textil, una trama tejida con hilos personales que se expande más allá del escenario.

En diálogo con ContArte Cultura, Cynthia Edul, autora de los textos, directora y responsable de la lectura en la obra, tira de un hilo y de otros, indaga, cose y corta con su voz, con los sonidos que despiertan, texturas y nombres, en el punto de sus propias costuras.

—Sin dudas a lo largo de nuestras vidas existen hilos de historias que nos cosen por dentro, palabras en las telas de los cuerpos, costuras que nos definen. Para comenzar y a modo de presentación, si pudieras elegir la imagen de una “costura” que te represente, ¿cómo sería? ¿Qué hilos formarían parte de esa trama?

—Creo que la imagen textil que me representa es el Boro. En Japón es un tipo de costura como el patchwork que se hace con retazos y esas prendas se heredan de generación en generación. Cada generación sigue usando ese traje y las memorias de toda la familia se conservan en ese texto.

—Y porque hay hilos que permanecen a lo largo del tiempo, nos gustaría llegar a los orígenes, a tu propio primer punto de costura. ¿Qué vivencias personales te acercaron al mundo textil?

—En mi caso, mi familia paterna se dedicó a lo textil. Desde que llegaron de Siria se iniciaron en ese rubro, así que la tradición del trabajo familiar era ese. Y también el mandato de ese negocio pesaba mucho en mi familia. Yo me dediqué a la literatura, pero siempre estuve involucrada en el negocio familiar y en la pandemia me tuve que hacer cargo… no tuve opción. Entonces empecé a escribir sobre qué sentidos puede tener regresar a los oficios familiares, a la historia del trabajo familiar y recuperar mis experiencia con todo ese mundo.

—¿Cuáles fueron los disparadores para empezar a poner en palabras esas vivencias hasta llegar a dar vida a tu obra “El punto de costura”?

—El primer disparador, como comentaba antes, fue el regreso a los oficios familiares textiles en primera persona. A partir de ahí comencé a construir esa primera línea, que tenía que ver directamente con el motivo del regreso. Después empecé a tirar hilos que se relacionaban con la historia familiar: la historia del algodón, las historias de las hilanderas. Y a sumar otras como las historias de opresión y de resistencia a través del textil. Recuperando eso fui reencontrando las vivencias personales, a la luz de otras vivencias, históricas y sociales.

—Toda la escenografía da cuenta de ese universo donde una trama se superpone a la otra, la palabra y la imagen, el sonido y las texturas, ¿quiénes colaboraron en el proceso creativo del mundo textil sobre el escenario?

—La escenografía fue algo que fuimos construyendo con María Venancio y Nicolás Zuñiga, en un principio, y luego con Sebastián Francia. La idea era hilar texto, imagen y sonoridad, construyendo de alguna manera las mesas de costura. En una trabaja Guillermina Etkin y en otra yo, con un espacio que es la alfombra, el espacio textil tan sagrado para muchas religiones también. Y así, simplificando pero dándole sentido específico a cada función, fuimos construyendo ese espacio, que tiene en el centro al telar y la máquina de coser. Dos elementos que se vuelven centrales en el relato.

—También hay un trabajo muy interesante con la música, un paisaje sonoro que se une a la voz y al piano para crear texturas nuevas. ¿Cómo fue el trabajo con Guillermina para lograr esa fusión de sonidos que ayudan a narrar?

—Con Guillermina leíamos el texto y a partir de eso ella empezaba a componer sonoridades, canciones, tonos, que expresaran el sentido profundo que le provocaba lo que leía. Así que fuimos buscando parte por parte, investigando la sonoridad en cada momento. Además, teníamos una premisa que era usar los textiles como elementos sonoros: de ahí el telar, la máquina de coser, las telas, el costurero y la amplificación de esos sonidos que, como decía John Cage, “actúan”.

—Para concluir, detengámonos entonces en esos sonidos. Si pudieras elegir el que represente el espíritu de la obra, ¿cuál sería y por qué?

—Difícil pregunta, pero si tengo que elegir uno: la máquina de coser. Ese sonido mecánico y al mismo tiempo familiar, ese objeto con el que trabajaron nuestras abuelas, nuestras madres, nuestras tías. Hay está el espíritu de las mujeres costureras. Creo que ese representa muy bien el espíritu de la obra.

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Teatro

“Vincent, el loco rojo”, vuelve al Teatro El Grito de CABA

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“Vincent, el loco rojo”, obra que cerró una temporada de verano magnifica en Mar Del Plata, siendo ganadora a la Mención Especial “José María Vilches”, ganadora a Mejor Producción en los “Estrella de Mar” y nominada en los mismos premios a Mejor Unipersonal, regresa a Buenos Aires desde el sábado 9 de marzo a las 20.30, en el Teatro El Grito (Costa Rica 5459, Palermo) y entradas a la venta a través de Alternativa Teatral o en la boletaría de la sala.

La puesta es un unipersonal con dramaturgia y dirección de Flor Berthold con el protagónico estelar de Joaquín Berthold, quien realiza la interpretación de uno de los artistas más importantes de la historia: Vincent Van Gogh.

“Esta pieza teatral es muy importante para la familia Berthold, debido a la admiración por el pintor que tiene su madre, lo que agrega un componente emocional único a la producción”, detalla el comunicado promocional.

Sinopsis

“Vincent, el loco rojo”, plantea un Van Gogh que irrumpe en la escena teatral moderna. Aparece para sumar a su extensa y reconocida obra, al hombre que fue Vincent, descarnado, frágil, sensible, violento y lleno de ilusiónes, para contar sus desamores, su pasión por la pintura, sus traumas de infancia y la frustración por no haber podido vender en vida, viendo que hoy es uno de los artistas más reconocidos de la historia.

Ficha técnica/artística

  • Van Gogh: Joaquín Berthold
  • Luces y video: Guillermo Berthold
  • Sonido: Fran Brunetta
  • Fotografía y diseño: Queli Berthold
  • Asistente técnica: Paloma Posse
  • Producción: Luciana Cruz Font
  • Prensa: Kevin Melgar (0KM Prensa)
  • Dramaturgia y dirección: Flor Berthold

(Fuente: 0KM Prensa)

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Teatro

La obra “Vedar” llega al Itaca Complejo Teatral

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La obra “Verdar”, luego de realizar funciones agotadas en Uruguay, este sábado 2 de marzo a las 20.30 estrena en Itaca Complejo Teatral, de calle Humahuaca 4027, para realizar tres únicas funciones.

La puesta es una creación de Nicolás Lange, con dirección de Dalia Elnecavé (directora de “Las cosas maravillosas”, “Mirarnos asi hasta morirnos”, entre otras.) y el rol protagónico del actor uruguayo Damián Lomba.

Las entradas se pueden conseguir a través la plataforma Alternativa Teatral o en la boletería del teatro.

Sinopsis

¿En qué nos convertimos después de la muerte de nuestra madre? ¿Cómo se orquesta y enumera el dolor extremo?
Un niño presencia el suicidio de su madre y trasciende a la crueldad refugiándose en la música. Un lago, un teatro y una pieza orquestada en 39 partes, como las suyas rotas.

Ficha técnica

  • Dramaturgia: Nicolás Lange
  • Dirección: Dalia Elnecavé
  • Elenco: Damián Lomba
  • Asistencia de dirección: Pablo Cusenza
  • Prensa: Kevin Melgar (0KM Prensa)
  • Iluminación: Inés Iglesias
  • Música: Camilo Mangoni Villella
  • Arte de gráfica: Flor Acera
  • Producción ejecutiva: Gabriela Larrañaga
  • Duración: 50 minutos

(Fuente: 0KM Prensa)

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Propietaria/Directora: Andrea Viveca Sanz
Domicilio Legal: 135 nº 1472 Dto 2, La Plata, Provincia de Buenos Aires
Registro DNDA Nº 2022-106152549
Edición Nº