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Artes Plásticas

Inauguran mural participativo por los cien años del Museo “Emilio Pettoruti”

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El Museo Provincial de Bellas Artes “Emilio Pettoruti” de la ciudad de La Plata inaugurará el próximo sábado, en el marco de los festejos por su centenario, un mural colaborativo en su fachada en el que participaron trabajadores de la institución y visitantes, informaron voceros del museo.

El objetivo del mural fue plasmar el trayecto que posee el museo, enfocando en el trabajo y el esfuerzo de las muchas voluntades que supieron mantener en pie la institución; además del desafío permanente que significa renovar su vínculo con la comunidad. Diversidad, memoria, inclusión, trabajo colectivo y democratización del arte, fueron los pilares a reflejar en el proceso de construcción del mural.

El mural colaborativo de la fachada de la institución comenzó a realizarse a instancias del Instituto Cultural bonaerense el 29 de abril último, durante el acto en celebración de sus 100 años, cuando las y los trabajadores del Museo dieron inicio a la obra, que en mayo y junio continuaron elaborando las y los visitantes del museo.

El equipo de muralistas estuvo compuesto por Victoria Gorgojo, Alejandro Villella, Carolina Cadelli, Daniela Anzoategui y Verónica Galli, con la organización de Angie Rodríguez, coordinadora de la dirección del Museo.

El Pettorutti fue fundado el 29 de abril de 1922 a partir de la colección de Benito Sosa, con 48 óleos y telas, 47 de ellas de artistas europeos y una obra de Prilidiano Pueyrredón, que este coleccionista donó para que fuera la base de un museo público de arte.

(Fuente: Museo Provincial Bellas Artes E. Pettoruti)

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Artes Plásticas

El Museo Emilio Pettoruti recibe la primavera con muestras, poesía y música

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Con la llegada de la primavera, el Museo Provincial de Bellas Artes “Emilio Pettoruti” llevá adelante esta semana una serie de actividades en el marco de los cien años de la institución y de la muestra “Sudoestada”.

El miércoles 21 a partir de las 18 se festejará el día de la primavera en la vereda del museo, con la presentación de bandas musicales y una feria gastronómica organizada en conjunto con el Baxar Mercado.

El viernes 23 a las 19 será el turno de otra sesión de poesía con “Pizarnik, una mirada desde la alcantarilla”. Todas estas actividades forman parte de la agenda del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires.

Día de la Primavera en el Museo

El miércoles, en el marco de las celebraciones primaverales, “Sudoestada” estará abierta durante todo el día y toda la noche. La muestra celebra la diversidad de quienes habitan la provincia y está compuesta por obras de artistas de Azul, Benito Juárez, Junín, La Plata, Lanús, Merlo, Moreno, Munro, Olavarría, Olivos, Pehuajó, Tandil y Tigre, más artistas invitados de CABA, Bariloche (Rio Negro) y Resistencia (Chaco).

Durante la jornada se podrá disfrutar de propuestas gastronómicas en la rambla y en el Baxar Mercado y a partir de las 20.30 comenzará la música en vivo con Antonella Restucci, Ginebra y Morito y Panas.

Antonella Restucci y Ginebra son artistas de “Código Provincia”, un catálogo de la cultura musical bonaerense. Una plataforma de difusión, circulación, formación y fomento de artistas de la provincia de Buenos Aires.

Restucci es una cantante y compositora quilmeña y la esencia de su proyecto es difundir canciones basadas en la libertad y el conocimiento interno. Compartió escenario con artistas como Nito Mestre, Daniela Herrero y Julio Lacarra.

Por su parte, Ginebra es una cantante y compositora argentina. Su debut, “No quería irme”, encuentra una clara convivencia del R&B, Pop, Soul y el Funk.

Cerrarán la jornada Morito y Panas, con su música de cumbia y reggaeton para cantar y bailar.

Ciclo de poesía

“Pizarnik, una mirada desde la alcantarilla”, tendrá lugar el viernes 23 a las 19. Es una celebración de la obra y la vida de Alejandra Pizarnik, una de las mejores poetisas argentinas.

A 50 años de su muerte, Pizarnik sigue viva en sus textos y es estudiada y leída por personas de todo el mundo.

Además de su prolífica y extraordinaria obra, la autora nacida en Avellaneda se destacó por su feminismo, por defender los derechos de las mujeres que hoy cobran una relevancia definitiva.

Para pensarla, redescubrirla y entenderla, acompañarán la lectura las actrices Lucía Adúriz y Andrea Vázquez, quienes pondrán voz con su arte a los textos de esta destacada poeta.

Coordinarán y realizarán comentarios Marina Cavalletti, quien ideó y co-coordinó Proyecto Pizarnik y Proyecto Eva, y María del Pilar Perciavalle, directora y desarrolladora de la marca literaria Tempus Litterarium.

(Fuente: Museo Provincial Bellas Artes E. Pettoruti)

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Artes Plásticas

Entregan los Konex a los 100 artistas visuales sobresalientes de la última década

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Tras dar a conocer la lista del centenar de figuras de las artes visuales más destacadas de la última década según el jurado de los Premios Konex, que presidió el artista Luis Felipe “Yuyo” Noé, este martes a las 19 se realizará la ceremonia de entrega de Diplomas al Mérito de la edición 43° de estos reconocimientos, con cita en Ciudad Cultural Konex, donde se reconocerá a los creadores seleccionados en las 21 disciplinas del período que va de 2012 a 2021.

La ceremonia reunirá a artistas, dibujantes, escritores, diseñadores, fotógrafos e ilustradores que fueron reconocidos entre las 100 personalidades más destacadas de la última década de las Artes Visuales Argentinas, a partir de una selección de quintetos por cada disciplina. El evento de este martes en el Konex significará la 43 edición de entrega de Diplomas al Mérito y la quinta ocasión en la que se reconoce al campo de las artes visuales en la historia de los premios desde 1980.

En esta edición, el Gran Jurado decidió homenajear a figuras de las Artes Visuales fallecidas durante la década que fueron galardonadas con el Premio Konex en ediciones anteriores, a los que llaman los “inolvidables” y ahí entran: Norberto Gómez, Jorge Gumier Maier, María Juana Heras Velasco, Gyula Kosice, Margarita Paksa, Alejandro Puente, Juan Carlos Romero, Guillermo Roux, Graciela Sacco y Clorindo Testa. Además, se reconoció con el Konex de Honor a Joaquín Salvador Lavado “Quino”, fallecido en 2020.

Las 21 disciplinas de Artes Visuales consideradas para los últimos diez años fueron: Pintura, Escultura, Objeto, Artes del Fuego, Dibujo, Grabado, Arte Textil, Instalación, Performance, Colectivos Artísticos, Arte en el Espacio Público, Diseño del Espacio Público, Arquitectura, Diseño Gráfico, Diseño Industrial, Diseño de Indumentaria, Humor e Historieta, Ilustración, Fotografía, Arte y Tecnología y Entidades de Artes Visuales.

Luego del reconocimiento a las cien figuras elegidas en esta instancia, el Gran Jurado deberá elegir en cada uno de los 21 quintetos premiados a una persona, que será quien finalmente reciba el Konex Brillante.

Asimismo, entre ellas se seleccionará a la figura de la década, quien obtendrá el Konex de Platino. Como culminación de este proceso, el 8 de noviembre habrá otro acto donde se otorgarán los 21 Konex de Platino, las Menciones Especiales, los Konex Mercosur, el Konex de Honor y el Konex de Brillante.

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Artes Plásticas

Leo Bolzicco, la ilustración y los avances tecnológicos: “Si tengo ganas de dibujar por placer, agarro lápiz y papel”

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Por Walter Omar Buffarini /

Leo Bolzicco es ilustrador, comenzó su carrera hace más de treinta años y en ese largo camino debió aggiornarse a la par de los cambios que fueron modificando sus hábitos de trabajo y sus formas de hacer arte.

Hoy no sólo se desempeña en el área editorial, también lo hace en publicidad e incursiona en el ámbito de la animación en sus distintas etapas de producción y realización.

En diálogo con ContArte Cultura, el artista platense contó cómo fue ese transitar al ritmo de los avances tecnológicos, sus logros profesionales y los sueños por concretar.

—¿Contanos cómo fue tu evolución desde el lápiz y el papel a la ilustración digital y las computadoras?

—No sé si existe una lógica de cómo se dio. En el papel empecé como casi todos los chicos, dibujando, jugando, y a diferencia de la gran mayoría, los que hoy nos dedicamos a esto seguimos dibujando. El común de la gente decidió algún día no dibujar más y nosotros lo seguimos haciendo. Por eso, el vínculo con el papel es de toda la vida. Después, nos alcanzó la tecnología.

-¿Y cómo fue ese paso?

—Ya me encontraba trabajando en el Diario Hoy de La Plata, disfrutando mucho de una realidad que siempre había soñado que es esto de trabajar en editorial, y un día cayó la novedad: “A partir de mañana los dibujos empiezan a salir en forma digital”. Como dije, yo estaba en pleno disfrute de lo que era esta historia del dibujo, y me enojé un poco con la noticia. A partir del día siguiente tenía que pintar en máquina, y cuando vos pintás en máquina te impersonalizás. Los primeros tiempos fueron difíciles, hasta que entendí cómo funciona. En un principio los dibujos quedaban bastante planos y poco agradables y me sentía un operario de Photoshop más que un ilustrador. Después, con el tiempo, eso fue cambiando. La tecnología básicamente te va llevando y comenzás a encontrarle sus ventajas, como la posibilidad de “undo” o el “Ctrol-Z”, ese golazo que es el poder volver para atrás. Hoy ya se puede recrear en forma digital de alguna manera lo que se hace con pinceles, en forma mucho más rápido, y te pagan lo mismo que cuando era con lápiz, pinceles y papel (risas).

—Seguramente esos cambios no fueron tan rápidos ni tan fáciles…

—Aparecieron primero las “tabletitas”, como las Wacom, lo que nos obligó a hacer un trabajo extra para acomodar el ojo a la mano. Antes tu ojo miraba cómo la mano dibujaba y ahora era mirar la pantalla mientras la mano dibujaba en otro sector. Luego aparecieron las tabletas más grandes, con otro tipo de atajos, y finalmente la Cintiq que amplía las posibilidades y en donde se dibuja directamente sobre la pantalla. Hoy dibujo con un lápiz digital, pero no en una tableta que me obliga a mirar la pantalla, sino sobre esa pantalla como si fuera un papel. Mi próxima meta es encontrar la posibilidad de agregarle algún tipo del film que simule la rugosidad del papel.

—¿Sentís que los resultados de tu trabajo son los mismos que lograbas antes?

—Anteriormente, cuando tenía que hacer posturas distintas de algún personaje, el lápiz le daba unas gracias al dibujo que yo no lograba con la tableta. Con el correr del tiempo y el ejercicio que da tener que entregar determinada cantidad de episodios, fui alcanzando un resultado similar a lo que se lograba antes, pero lo que sin dudas no se iguala es el disfrute. Dibujar en papel no tuvo nunca hasta ahora un paralelo tecnológico que lo pueda igualar. Y eso tiene que ver con las texturas, con los materiales que se tienen en la mano. Hoy, una misma punta es el pincel, el lápiz, el crayón… No tenés fibras, no tenés témperas, eso ya no existe. Y si bien los resultados pueden ser similares, son distintos desde el proceso. Los avances siempre son bienvenidos para lo que es trabajo, si tengo ganas de dibujar por placer, agarro lápiz y papel.

“Pasar del lápiz de madera al lápiz digital fue para los dibujantes algo muy importante. Muy marcado. Con el mouse no se podía y no se puede dibujar. Las tabletas vinieron a solucionar un poco eso.”

—En ese camino de crecimiento profesional llegaste a la animación. ¿Cómo transitás esta etapa y que senderos te llevaron a lo que hoy hacés?

—Yo no soy estrictamente animador. Si bien he hecho cosas de animación, lo mío está más en el proceso creativo. Soy quien inventa personajes, el que le da las herramientas, la estética, en ese proceso anterior al animador. Y en ese camino tuve la posibilidad de realizar efectos especiales y personajes para distintas campañas. Últimamente, con un grupo de trabajo, participamos en la publicidad de Topline con la creación de personajes para animación 2D. También trabajé para Levité en la creación de personajes y la animación, en una publicidad de Mc’Donald, que tenía de particular que no había animación en mí tarea, sino que yo hacía planos o dibujos fijos para agregar a una animación, y también para Banco Nación cuando empezaron a promocionar el uso de la aplicación BNA+. Y el camino también me llevó a trabajar mucho para México, en publicidades que incluían efectos especiales y la creación de algunos personajes.

—Contás mucho sobre la creación de personajes, ¿cómo es que nacen para vos en estos casos?

—Para todos los casos, no sólo para las publicidades, cuando creás un personaje lo primero que tenés que saber es la psicología que va a tener, quién será. Esto es fundamental para saber qué es lo que tenés que representar, y después, lógicamente, saber a quién se va a dirigir. Así, si sé lo que quiero decir y a quién se lo voy a decir, voy a saber el cómo lo voy a decir. Eso es vital.

¿Y cuando debés dibujar un personaje que ya existe en un texto previo?

—En esos casos, más allá de que el personaje ya haya sido creado en un texto, yo puedo tener una visión distinta del mismo. El lenguaje escrito es muy distinto al visual. Yo puedo potenciar al personaje o darle una visión diferente.

—Por lo que contabas, hoy estás trabajando solo, por fuera de cualquier estudio.

—Mayormente sí. Ya tuve estudios, ya fui parte de otros estudios, pero ya no volverá a pasar. Hoy trabajo solo y formo equipos o me sumo a equipos si determinado trabajo lo requiere, como sucedió con Pakapaka.

—¿En qué consistió esa experiencia?

—Se trató de un concurso que se arma por fuera de Pakapaka y para el cual me convocaron para hacer las expresiones extremas dentro de Storyboard (que después se convirtió en Animatic), de los personajes principales y de los secundarios más importantes. Después, viendo el proceso en el que participaban muchos chicos nuevos e inexpertos, me pusieron como asesor de imagen de lo que sería la creación de los personajes. Para validarlos, darles consejos, para orientarlos sobre como formar el personaje y que pueda actuar.

—Y en este caso, ¿cuál es el secreto de un personaje para animación?

—Lo que tiene la animación del personaje es que no solamente tiene que demostrar su psicología, sino que también hay que tener en cuenta su volumen para convivir con otro personaje, lo que hace que cuando los ves de lejos sabés quién es quién, y fundamentalmente que sea “animable”, que se pueda hacer. Para esto hay que saber, entre otras cosas, con qué costos va a contar la animación. Si es con un equipo para Disney no vas a tener problemas, porque contarás con el mejor software y un montón de equipos disponibles, pero si te encontrás sólo con una persona que va a animar, con un software limitado o con una decisión de estética limitada que hace que la animación sea más barata, tenés que pensar en algo que sea realizable con esas limitaciones.

—¿Si hoy pudieras elegir, volvés al dibujo en papel?

—No dejaría nada de lo que hago, pero si puedo haría lo que todavía nunca hice, que es publicar un libro de humor. Me quedé con la idea de ese libro de cuarentena cuando publicaba en Instagram las experiencias de la gente. Tendría ganas de hacer eso, humor, me gusta hacer humor como me gustaba mucho hacer las tiras en el diario.

—Después de más de treinta años, ¿estás en el lugar que soñaste estar cuando iniciaste tu carrera?

—Lo que más me gusta en mi vida es dibujar, y por suerte me levanto todos los días a dibujar. Sin dudas estoy en el lugar que quiero.

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Propietaria/Directora: Andrea Viveca Sanz
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