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Artes Plásticas

Natalia Bruno: “La herramienta digital es indispensable, pero lo analógico constituye el alma de mi trabajo”

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Por Andrea Viveca Sanz (@andreaviveca) /
Edición: Walter Omar Buffarini //

Es de noche, la oscuridad cubre las formas, todo se vuelve extraño. Justo antes de dormir, asoman las preguntas, se chocan en el aire, ruedan una sobre la otra, se ovillan en las bocas, son nudos difíciles de desatar, hilos sueltos en un pincel sin palabras.

La artista plástica Natalia Bruno desde siempre ha sentido gusto por contar historias, ya de pequeña disfrutaba ese viaje a mundos imaginarios a través de la palabra. Después, su vínculo con la fotografía la llevó al universo de las ilustraciones y fue entonces cuando comenzó a contar con imágenes.

En diálogo virtual con ContArte Cultura, la ilustradora  cuenta su recorrido en el camino del arte, y presenta “Justo antes de dormir”, el libro álbum que trabajaron junto con la escritora Laura Wittner, editado por Lecturita ediciones.

Vamos a comenzar este viaje de palabras abriendo una puerta imaginaria, como si fuera la tapa de un libro. Detrás, una gran hoja guarda nos invita a conversar. ¿Cuál es la primera imagen que perciben tus ojos? Como una forma de presentación, ¿qué nos podría contar de vos esa imagen?
—Elegí esta foto porque habla por sí sola:

Tuve la suerte de vivir una infancia llena de libros y estímulos de toda clase y la curiosidad que conservo intacta se la debo a esos primeros años. Por algún motivo que ya no busco entender, parte de mi vida adulta la dediqué a una profesión que nada tenía que ver con mi verdadera esencia. Afortunadamente esta nena de sonrisa pícara perseveró lo suficiente para ayudarme a encontrar, de unos años a esta parte, el camino de regreso a quien realmente soy.

—Y si pudieras elegir una foto de tu infancia en la que haya quedado guardado el principio de tu camino como ilustradora, ¿cómo sería ese instante fotografiado, el escenario donde se esconde el comienzo de tu gusto por el arte y la palabra?
—Esa foto podría ser la de una reunión familiar… Mi papá es fotógrafo, mi mamá es artista en la cocina, mi abuela era docente y pintaba y mi tío abuelo escribía. Desde muy chiquita tuve la influencia del arte en sus más variadas formas. Los libros de la biblioteca aguamarina del garage con los que podía pasar horas, las historias escritas con mi abuela Magdalena después de la merienda, el revelado y retoque de fotos en la mesa del comedor…Todas esas vivencias claramente fueron la semilla de lo que vino después.

—¿Qué importancia tuvo la fotografía en tu carrera como artista plástica?
—Entiendo el mundo a partir de lo visual y la fotografía fue la disciplina con la que eduqué la mirada. Aprendí a ver más allá de lo obvio para encontrar ese “algo” ahí donde la mayoría suele pasar de largo. Valoro lo que veo en términos de luz, encuadres y color; es eso lo que por lejos más me atrapa del cine por ejemplo, tanto o más que la historia en sí. En mi trabajo como ilustradora apunto a que el lector perciba la atmósfera que quise recrear a través de la luz, el juego de contrastes y el color. Y ese proceso es semejante, por no decir idéntico, a lo que muchas veces hice con una cámara.

—Contanos cuáles son los imprescindibles en tu lugar de trabajo.
—Fundamentalmente mis materiales: pinturas, pinceles, lápices, papeles… También la compu, el escáner y la música. ¡Y mis gatos! Que tienen especial debilidad por esperar a que despliegue todo sobre la mesa para subirse y caminar peligrosamente cerca de la pintura fresca. Es muy raro trabajar sin ellos merodeando.

—¿Con qué técnicas trabajás habitualmente?
—Luego de un período de enamoramiento en el que sólo ilustraba digitalmente, comencé una búsqueda que me hizo volver al primer amor: las técnicas tradicionales. En ellas encuentro el medio con el que mejor reflejo lo que quiero contar. La herramienta digital es indispensable para retocar el trabajo terminado y para incorporar detalles, pero lo analógico constituye el alma de mi trabajo. Utilizo acrílicos, gouache, lápiz color, grafito, pastel… Me gusta experimentar y disfruto enormemente el contacto con los materiales. En el proceso de búsqueda y experimentación encuentro la misma gratificación que al ver el trabajo terminado.

¿Hay materiales o colores que prefieras a la hora de crear?
—Me gustan las técnicas húmedas para trabajar la enorme parte de lo que hago. Últimamente estoy enamorada del acrílico y lo uso bastante por su ductilidad y el aporte maravilloso de texturas que brinda. Por otro lado, elijo las técnicas secas para añadir detalles. Respecto al color, y por alguna razón inexplicable, decanto siempre por las paletas desaturadas. La sobriedad que surge de mezclar colores neutros o tierras con aguamarinas, azules y coral, me resulta irresistible.

“Justo antes de dormir” es un libro álbum de Lecturita Ediciones en el que tus ilustraciones juegan con el texto de Laura Wittner. ¿Cómo viviste el proceso de construcción de esas imágenes en función del texto? ¿De qué manera trabajaron con la autora para lograr esa fusión?

Conocé más de Natalia Bruno en @bruna_ilustra

—Esa construcción fue un proceso maravilloso que necesitó tiempo y donde el trabajo en equipo fue una pieza fundamental. Como punto de partida identifiqué qué cosas no explicita el texto, por ejemplo: quiénes son los personajes o en qué escenario transcurre la historia. Luego de varias lecturas, tomé nota de toda esa información en blanco y la utilicé como insumo para las primeras ideas. Conversamos con Laura acerca de posibles personajes y finalmente quedó definido que serían una niña o niño y su mamá. A partir de ahí aproveché al máximo el tono metafórico del texto para explorar los ribetes tanto cotidianos como fantásticos que me sugerían muchas de sus palabras. Para este libro me interesaba especialmente reflejar la interpretación tantas veces mágica que los chicos pueden hacer de la realidad. Así es como fueron surgiendo las escenas del storyboard. Y con Celina -la editora de Lecturita– trabajamos intensamente sobre el ritmo de la historia, ordenando los bocetos, para llegar finalmente a ese contrapunto entre universos gráficos que acompañan al texto. Su mirada como editora fue muy valiosa y necesaria para lograr esa fusión texto/imagen. Y es ahí donde encuentro la belleza del oficio. Ilustrar como forma de resignificar y enriquecer un relato. Lograr que del diálogo entre ilustraciones y texto surja un producto nuevo para el lector, distinto al que forman ambas partes por separado.

—¿En qué proyectos estás trabajando actualmente?
—Por estos días fui convocada para ilustrar un juego didáctico, así que estoy en esa primera etapa de ideas, experimentación y bocetos. Y dedicada a continuar mi formación profesional como ilustradora y autora integral de libros infantiles.

—Para terminar, ¿qué deseo te gustaría guardar en la contraportada de nuestro libro del comienzo?
—Seguir como hasta ahora persiguiendo lo que tiempo atrás hubiera creído imposible, y poner el alma para volverlo realidad.

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Artes Plásticas

El Malba incorporó obras de Gyula Kosice, Noemí Gerstein y Alberto Greco

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El Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba) anunció la incorporación de once obras a su colección, de distintos artistas como Gyula Kosice, Noemí Gerstein, Alberto Greco, entre otros .

Gracias a la gestión del Comité de Adquisiciones del museo se sumaron Constelaciones (ca. 1972) de Gyula Kosice; Paisaje romano (1963) de Noemí Gerstein; Sin título (1961), de Alberto Greco; Puna III (1991), de Gracia Cutuli; Guri (1986), de Lotte Schulz, y Saludo al astronauta (1965), de Eduardo Ramírez Villamizar.

Mientras que por el sistema de donaciones, el Comité Artístico del museo seleccionó Trinomio (1964), de Gerstein; #1 Historia interna de S (1978), de Susana Rodríguez; dos piezas sin título de Manuel Espinosa y Gota de ámbar (2015), de Mara Facchin.

“Nos alegra contar con un grupo de donantes comprometidos con la adquisición de obras de arte latinoamericano Malba invita a los miembros del comité a que participen activamente en el proceso de adquisición de obras de arte, junto al Comité Artístico, para sumar al acervo del museo”, destacó Elena Nofal, directora de Desarrollo del museo.

“A lo largo de los años -agregó Nofal– se les han ofrecido charlas específicas que refieren a coleccionismo, conservación, restauración y guardado de obras, como también un seminario anual organizado por el Departamento de Curaduría, con el objetivo de ampliar sus conocimientos. Valoramos enormemente el rol de del comité en el fortalecimiento institucional de Malba”.

Constelaciones de Kosice es una de las piezas más significativas que se suman a la colección. Forma parte de su proyecto La Ciudad Hidroespacial, que fue presentada en una muestra en el museo y está elaborada con plexiglás, madera y elementos de collage.

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Artes Plásticas

Llega “Ilustranimada 2024”, al Club Ateneo Popular de La Plata

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“Ilustranimada”, el Festival de Libros Ilustrados Solidarios cumple 15 años y lo festeja con una nueva muestra anual en el Club Ateneo Popular de La Plata, en calle 39 nº 223 (entre 115 y 116), este domingo 1 de diciembre de 15 a 21.

En “Ilustranimada” se expone el final del proceso de trabajo de estudiantes de la cursada de Lenguaje Visual 3 de la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata (FDA-UNLP).

A partir del sistema de Aprendizaje y Servicio Solidario, cada estudiante diseña y produce un libro ilustrado, ejemplar único y artesanal, sobre textos literarios escritos por autoras y autores convocados a participar del “Proyecto Libros Solidarios Ilustrados”.

La exposición tiene un formato de festival, con distintas actividades: charlas, proyecciones, música en vivo, y entrega de los ejemplares a Instituciones sin fines de lucro, extendiendo la actividad académica a la comunidad.

Con esta nueva edición se superan los 5.500 libros artesanales entregados a más de 40 Instituciones benéficas y se amplía la biblioteca virtual anclada en el SEDICI (repositorio de obras de la UNLP).

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Artes Plásticas

El artista Yo-Yo Gonthier presenta “La nube que hablaba” en Buenos Aires

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El próximo sábado 30 de noviembre a las 17h se llevará a cabo la instalación participativa del artista nigeriano Yo-Yo Gonthier en el barrio de La Boca, ciudad de Buenos Aires, en el marco de la programación cultural propuesta por el Institut français d’Argentine – Embajada de Francia en la Argentina-.

El programa de la fecha fue desarrollado por el Institut en conjunto con la Fundación PROA y cuenta con el apoyo de Fundación Medifé, Air Liquide, el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires y el Centro de Mediación artística Australia

“La nube que hablaba”, instalación a gran escala del artista visual y fotógrafo Yo-Yo Gonthier recorrerá el barrio de La Boca acompañada por “Soy el hijo del río”, exposición que inaugurará ese mismo día en Proa21 (av. Pedro de Mendoza 2073) exhibiendo diferentes travesías de la nube del artista en distintas partes del mundo. La muestra podrá visitarse desde el 30 de noviembre, durante todo el mes de diciembre, de jueves a domingos de 12 a 19.

Performance “L’empreinte” de Yo-Yo Gonthier, Abidjan, Costa de Marfil 2015

Desde la Proa 21 partirá una nube inmensa que ha sidconfeccionada junto con los artistas locales: Javier Ferrante, Juan Carlos Urrutia, Sebastián Baez, Pedro Montes de Oca, Yhomara Muñoz y Paula La Fea. La nube realizará un recorrido por el barrio de La Boca, terminando con una navegación por el Riachuelo.

“La nube que hablaba” se convierte en un gesto poético y visual. Una instalación participativa a través de la cual Gonthier propone una reflexión sobre la relación de las sociedades contemporáneas con su propia memoria y el papel del artista en la sociedad actual, con el objetivo de dar una respuesta poética elaborada colectivamente. La obra recoge los pensamientos de los participantes en la activación y aparece como un instrumento de emancipación colectiva; una página en blanco en la que se inscriben ideas que de otro modo nunca hubieran tomado forma.

Una acción colectiva

Estas representaciones llevadas a cabo en diferentes lugares del mundo con artistas locales brindan a Yo-Yo Gonthier la oportunidad de inmortalizar la ligereza de la inmensa nube en películas atemporales filmadas en 8 mm. La performance colectiva se transforma luego en ensayos documentales, fotográficos y fílmicos realizados por el artista en colaboración con otros.

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