Por Andrea Viveca Sanz (@andreaviveca) /
Edición: Walter Omar Buffarini /

Hay palabras como líneas, rectas en el cielo, curvas en la boca, letras como vientos y hojas como rutas. Hay colores colgados de las ramas y pájaros que marcan el tiempo, al otro lado del horizonte, que llama, se corre, se vuelve agua en los cuerpos, línea y distancia.

Hay muchas maneras de narrar. Contar una historia a través de las imágenes no es tarea sencilla, cada ilustrador necesita conectarse con el mundo de las palabras para acercarse, desmenuzar los colores escondidos, saborear lo que no se ve para hacer foco en esa distancia y llegar al centro. A la esencia oculta de cada cosa.

Ana Luisa Stok sabe de líneas y de palabras, su arte atraviesa el lenguaje y llega allí donde convergen la voz y el silencio.

En diálogo con ContArte Cultura, la ilustradora nos acerca a su espacio creativo y cuenta sus vivencias en el mundo del arte.

—Existen muchas versiones de cada uno de nosotros, nuestros fragmentos en movimiento. Estamos hechos de agua y de tiempo. Para comenzar, y a modo de presentación, si pudieras representar en pocas líneas o en una palabra dibujada la versión actual de Ana Luisa Stok, ¿qué veríamos?

—¿Mi actual versión? Yo diría que estoy más madura, no paro de crecer en profundidad. Es un momento de satisfacción con mi obra.

—Y hablando de tiempo, ¿recordás en qué momento de tu vida descubriste tu gusto por el arte de “decir ilustrando”?

—En la adolescencia fue Platero y yo mi primer motor hacia la ilustración. Mi formación viene de las escuelas de Bellas Artes donde “ilustrar” no era una palabra muy valorada. A pesar de eso siempre me atrajo develar, sondear en las líneas de los textos para descubrir otras caras no tan visibles. 

—Si pudieras pintar en cuatro palabras tu espacio creativo, ¿cuáles elegirías para definir ese rincón donde nacen y se concretan tus proyectos?

—No importa en dónde viva, mi espacio siempre es una mesa cerca de una ventana rodeada de mis elementos de trabajo. Un lugar silencioso y tranquilo.

—¿Cuáles son las técnicas y los materiales con los que te sentís más cómoda trabajando?

—Pinceles, plumas y tintas. Acuarelas y agua. Papeles diversos para pintar y dibujar, así como viejos papeles pintados por mí que rescato y recorto dándoles nueva vida.

—¿Cuándo y cómo comenzó tu camino como ilustradora editorial?

—Mi carrera de ilustradora comenzó el día que decidí hacer un giro y pasar de “lo artístico” a “lo rentado” y lo más afín para mí eran los libros dentro del campo editorial. En esa época no había formación en ilustración y en mi primera entrevista con la editorial El Quirquincho me encontré con el diseñador gráfico Oscar Díaz, quien después de ver mi carpeta supo trasmitirme cómo era el proceso de ilustrar y secuenciar las imágenes. Al poco tiempo me encargó mi primer libro: ¿Qué le dijo? y otras preguntitas, de Carlos Silveira.

—¿De qué manera lográs conectarte con los textos que vas a completar con tus ilustraciones?

—Primero leo el texto, dos o tres veces. Luego me quedo en silencio por varios días para dejar que las imágenes surjan. Y es allí donde empiezan a ser parte de mi cotidiano, las espío y me espían. Se instalan, van naciendo y tomando forma.

—Seguramente desde la imagen es posible capturar y definir la esencia de los distintos personajes, ¿cómo llevás adelante ese proceso de darles vida y movimiento a los protagonistas de cada historia?

—Este punto se me une al anterior. Solo empapándome profundamente en el texto, siendo una con cada palabra, puedo dejar nacer cada imagen, sean personajes, objetos, climas o paisajes. Es un trabajo de inmersión profunda para luego poder generar las imágenes que salen de mi interior.

—“Una versión de Dios”, el libro álbum que fusiona un texto de Liliana Bodoc con ilustraciones de tu autoría, atraviesa la temática del tiempo, ¿cómo viviste ese latido temporal en cada página dibujada? 

—Después de leer y releer pasé un período bastante largo donde fui investigando distintas técnicas y diferentes caminos expresivos. Por más que tengo larga experiencia de ilustrar textos alternativos y abstractos, me costó encontrar el camino, sentía mucha responsabilidad frente a tremendo texto.

—Y viajando hacia atrás, al momento de tu contacto inicial con ese universo de Bodoc ¿recordás cuál fue la imagen o las imágenes que se te representaron al leer el texto por primera vez?

—La primera vez que leí el texto me quedé sin aliento. Era tan poderoso, tan divino, que me asusté mucho. Cuando pude ver en mí alguna imagen, aparecieron brujas, madonas y cristos, aunque ninguna de esas imágenes sobrevivieron. Pasó tiempo hasta que un día pude hacer una síntesis y volcar sin respirar las imágenes de todo el libro, casi como lo vemos hoy publicado.

“Sin duda en Una versión de Dios hubo un encuentro con Liliana Bodoc de otra dimensión.

A Galileo, su hijo, le gusta decir, como en el prólogo, que este libro tiene dos madres, y realmente así lo siento.”

—¿En qué proyectos estás trabajando actualmente?

—Actualmente estoy comenzando a trabajar un texto inédito de María Teresa Andruetto.

—Para terminar, si pudieras elegir una imagen que represente un deseo para los próximos meses, ¿Cuál sería?

—Sería un árbol de grueso tronco y gran follaje. Me veo trabajando, comprometida con un texto que me represente, que me conmueva y que me interpele.

Ana Luisa Stok

Es profesora Nacional de Dibujo y Pintura, egresada de la Escuela Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, Argentina.
Ha participado con ilustraciones en diarios y revistas de circulación nacional como: Diario La Nación, Diario La Prensa, Revista Sur, Enoikos, Uno Mismo, Mutantia, Filofalsía, Contratapa, Club de Pensamiento, Todo Riesgo, Discursos Apasionados, Plena, Casi Ángeles y Argentina en la Danza.
Ilustró libros infantiles y juveniles en Argentina para: Editorial Sudamericana, SM, Quirquincho, Alfaguara, Estrada, Abran Cancha, De la Flor, Troquel, El Ateneo, Darim Publishing Korea, Goodmother Publishing House Korea, Del Naranjo y Guadal Argentina.
Libros para adultos en: Papeles de Coghlan, Arauco (USA), Sudamericana, Paidós, Espacio de Arte Amia y Grijalbo y Editorial Comunicarte.
Libros educativos en: Coquena, El Ateneo y Troquel.
Participó en muestras colectivas e individuales en Argentina, Estados Unidos, India, Colombia, Yugoslavia, República Eslovaca, Brasil, Berlín y Frankfurt.
Integra el Comité organizador de ADA (Asociación de Dibujantes Argentinos) que organiza muestras y jornadas en la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires. Integra el Comité de profesionales de la Fundación el Libro.

Distinciones

• 1972 Seleccionada para el Primer Salón Municipal del Tapiz – Museo “Eduardo Sívori” BuenosAires.
• 1986 Semifinalista del Concurso Coca-Cola en las Artes y la Ciencias de Buenos Aires.
• 1992 Ganadora del Concurso para Tapas de Ilustraciones de la Editorial Imaginarte de Buenos Aires.
• 1999 Seleccionada para exponer en la XVII Internacional Bienal of Illustration, Bratislava, República Eslovaca.
• 2000 Trabajo seleccionado para la exposición del IBBY Internacional, Cartagena de Indias, Colombia.
• 2001 Seleccionada para exponer en la XVIII Internacional Bienal of Illustration, Bratislava, República Eslovaca.
• 2002 Seleccionada para exponer en el X Salón Internacional de Dibujo para la Prensa Porto Alegre, Brasil.
• 2005 Becada por la Fundación Sankriti Kendra, para el desarrollo de un proyecto artístico en Nueva Delhi, India.
• En 2008 es seleccionada por la Embajada de India para exponer y es galardonada por su participación.
• 2012 Fue convocada para participar del primer diccionario de ilustración de Latinoamérica. Publicado por SM-Méjico.
• 2012 Fue invitada por la Geneseo State University of New York, USA a dar una charla sobre su obra.
• 2015 Invitada a dar una charla “Maridaje de texto e imagen”, para ilustradores en el marco de la FIL de Guadalajara, Méjico.
• 2015 Recibe, por sus ilustraciones, una mención especial de la Fundación del Libro de Buenos Aires.
• 2016 Expone en Berlín y Frankfurt, dentro del proyecto “Ojalá”.
• 2022 Recibe el premio de “Los destacados de Alija 2020-21” para el libro “Una versión de Dios” libro-álbum juvenil, de Liliana Bodoc y Ana Luisa Stok.

El Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York anunció el lanzamiento de un set de Lego inspirado en una de las obras más emblemáticas de su colección: “La noche estrellada” de Vincent van Gogh, que saldrá a la venta el próximo 1 de junio.

Pensado para mayores de 18 años, este juego de construcción que reimagina una de las más famosas obras de Van Gogh, incluye 2316 piezas y una mini figura -con su pincel, paleta y caballete- que representa al autor de la obra postimpresionista, reconocido por sus expresivas pinceladas.

Este nuevo set de la famosa empresa danesa de juguetes rinde homenaje a la icónica pintura “Starry Night” de 1889, que ha estado en la colección del MoMA desde 1935.

Los bloques de construcción enfatizan las llamativas pinceladas y opciones de color del artista que realizó esta obra inspirado en la vista que tenía desde su ventana en el asilo del Monasterio de Saint-Paul de Mausole en Saint-Rémy, Francia, donde pasó 12 meses.

“Al crear esta imagen del cielo nocturno, Van Gogh anunció la adopción por parte de la pintura moderna de estados de ánimo, expresiones, símbolos y sentimientos”, detalló el Museo de Arte Moderno en un comunicado.

El set que una vez terminado de construir, mide 28 centímetros de alto por 38 de ancho está inspirado en un diseño de un aficionado a Lego oriundo de Hong Kong, Truman Cheng. Esto inspiró a los diseñadores Legoa plasmar en el set una técnica de construcción en 3D única. La plataforma Lego Ideas ofrece a los aficionados la oportunidad de presentar sus propias creaciones de ladrillos con la posibilidad de que su concepto cobre vida con la ayuda de los diseñadores de la empresa (ideas.lego.com).

“En el MoMA, celebramos la oportunidad de conectar el arte con el público, y estamos encantados de formar parte de una nueva forma de experimentar a Van Gogh, de ser parte de una nueva forma de experimentar la obra de Van Gogh, y de inspirar el impulso creativo en personas de todas las edades”, dijo a la prensa Sarah Suzuki, directora asociada del Museo de Arte Moderno (MoMA) de la ciudad de Nueva York.

El producto, que tiene un valor de 169,99 dólares, sale a la venta el 1 de junio para el público en general en las tiendas del MoMA Design de Nueva York, Japón y Hong Kong, y en los sitios web store.moma.org y Lego.com.

Este viernes 29 de abril el Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti, dependiente del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires, celebra los 100 años de su fundación y lo hace con diferentes actividades a lo largo de toda la semana, con la renovación de las exposiciones de sus salas y una nueva identidad visual, muestras temáticas, música y otras intervenciones artísticas.

En ese marco, el viernes 6 de mayo se realizará el acto central en el museo ubicado en calle 5 n°525 de la ciudad de La Plata. Ese día las autoridades descubrirán una placa conmemorativa por los 100 años y presentarán el nuevo logo e identidad de la institución. Luego, la Escribanía General de Gobierno hará entrega de la copia oficial del Acta de Donación de la Colección Fundacional del Museo. Finalmente, a las 18, comenzarán las actividades en el punto didáctico y una serie de propuestas al aire libre con shows de música y danza en vivo, además de la intervención de la fachada por un grupo de muralistas.

Con estas actividades el Museo Emilio Petorutti comienza a transitar el año de su centenario que vendrá acompañado con otras muestras, conversatorios, performances, talleres y muchas otras propuestas.

“Es un honor estar presentes en los 100 años de esta institución tan prestigiosa como el Museo Pettoruti, no sólo por tratarse de una fecha simbólica, sino porque tenemos la convicción de mantener su legado, con esta idea de un museo abierto para el pueblo”, señaló la presidenta del Instituto Cultural Florencia Saintout, y agregó: “Pensamos en que cada vez más bonaerenses puedan acceder y disfrutar del arte del Pettoruti y de cada propuesta que impulsamos desde el Instituto Cultural, ese es nuestro propósito, una cultura para todos los y las bonaerenses, con una función social, de acercar la cultura al pueblo”.

En este sentido, la subsecretaria de Políticas Culturales, Victoria Onetto expresó: “Estamos viviendo los 100 años de la creación del Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti, una institución que alberga el patrimonio artístico más importante de la Provincia con una colección de más de 4.000 obras. Es realmente un orgullo para todos los y las bonaerenses tener acceso a un museo compuesto por un interesantísimo acervo integrado por pinturas, instalaciones, grabados y esculturas del arte argentino y latinoamericano de los siglos XIX, XX y XXI”. Y continuó: “Hoy, viviendo el centenario, continuaremos trabajando para profundizar la democratización al acceso de los bienes y servicios culturales y seguir orientándonos hacia un modelo de museo dinámico, plural y abierto”.

A su vez, el director del Museo, Federico Ruvituso destacó: “Celebramos el centenario reescribiendo su historia y reimaginando el porvenir. Recuperar la Colección Fundacional, la primera de orden público del país y profundizar en el perfil de su primera directora es una de las tareas centrales que nos propusimos, pero no la única” y agregó que “más allá de conmemorar una efeméride histórica, el Museo empieza a atravesar un renacimiento en sus políticas culturales a través de las cuales pretende volver a ubicarse en el centro cultural de la ciudad y como ente dinamizador del arte en el territorio bonaerense”.

La Colección del Museo Provincial de Bellas Artes es una de las más importantes del país, orgullo de todas y todos los bonaerenses. Creado a partir de la colección pública argentina más antigua , donada en 1877 por Juan Benito Sosa, posee obras de arte argentino y latinoamericano del siglo XIX y XX, piezas fundamentales de Eduardo Sivori, Emilio Pettoruti, Raquel Forner, Antonio Berni, Lineo Spilimbergo, entre otras. Asimismo, a partir de la creación de los salones provinciales el museo conserva, expone y resignifica la historia del arte bonaerense a partir de las obras de artistas de toda la provincia que desde hace cien años viene reuniendo, tanto esculturas, pinturas, grabados y dibujos, cómo instalaciones, video-Arte y performance, entre otras.

El Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti fue inaugurado el 29 de abril de 1922, cuando artistas y aficionados a las artes plásticas del Círculo de Bellas Artes -presidido en ese entonces por Ernesto Rivarola– promovieron el armado de una institución destinada a mostrar obras de coleccionistas bonaerenses. En esa etapa fundacional fue dirigido por Ernestina Rivademar, pintora y realizadora cinematográfica que gestionó las donaciones y adquisiciones para hacer visible las producciones e intervenciones de las artistas femeninas en las exposiciones del Museo.

En 1930 Emilio Pettoruti fue designado director y se encargó de ofrecer una idea diferente a la que se venían llevando en los museos de la época, sobre todo en Europa. Emuló una visión dinámica y brindó una movilidad sumamente interesante perdurando en las gestiones posteriores. Pettoruti fue el director que más tiempo estuvo en su cargo, 17 años.

Luego de la dirección de Pettoruti, las gestiones que lo sucedieron se encargaron de preservar la integridad física de las obras, efectuando su traslado desde la estancia Pereyra Iraola hasta el Pasaje Dardo Rocha en el año 1955. El 29 de abril de 1959, con la sanción de la Ley Provincial Nº 6.141, el ex Cine Güemes fue declarado de utilidad pública y sujeto de expropiación para ser destinado al funcionamiento del Museo Provincial de Bellas Artes, donde continúa hasta la actualidad.

(Fuente: Prensa Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti)