Música
A cien años del nacimiento de Violeta Parra
Este miércoles se cumplen cien años del nacimiento de Violeta Parra. La madre de Gracias a la vida es la folklorista más importante de Chile y su figura y sus canciones trascendieron el ámbito nacional para iluminar toda la música escrita y cantada en español.
Hija de un profesor de música, creció en un ambiente rural y muy pronto sintió inclinación hacia la canción, aunque también fue pintora, bordadora, escultora y ceramista. Comenzó a tocar la guitarra a los nueve años y a componer a los 12.
En 1932, se trasladó a vivir a Santiago, invitada por su hermano Nicanor (futuro poeta) un año después de la muerte de su padre. Abandonó los estudios y formó junto a su hermana Hilda Las Hermanas Parra para ofrecer conciertos en bares y quintas de recreo.
A los 20 años, Parra comenzó su carrera profesional interpretando boleros, corridos, cuecas, rancheras y tonadas. Se casó y tuvo dos hijos (Ángel e Isabel) que se dedicaron a la música. Violeta se separó en 1948, cuando su vida ya estaba unida a un grupo teatral y empezaba a multiplicar sus apariciones públicas. Además, para entonces ya se implicaba políticamente, lo cual resultaba decisivo para la proyección de su música que, a partir de ese momento, se convirtió en un instrumento “para transformar la sociedad”.
“Yo no canto para que quede bonito”, decía y, convertida en militante de la canción, aparecía arropada por los poetas, primero por su hermano Nicanor, y luego por Pablo Neruda y otros.
En los años 50 llegaron las grabaciones, los premios y su primera gira por Europa, grabando varios álbumes en París. En 1957 regresó a Chile y fundó el Museo Nacional de arte folklórico.
En 1964 expuso una serie de sus arpilleras, óleos y esculturas en el Museo de Artes Decorativas del Palacio del Louvre. Para entonces vivía en Ginebra con el amor de su vida, el musicólogo suizo Gilbert Favre, al que dedicó composiciones de amor y desamor: Corazón maldito o Qué he sacado con quererte.
Su influencia llega a nuestros días, en los que Violeta Parra sigue siendo musa e inspiradora de estrellas de la canción chilena como Manuel García o del sector indie como Camila Moreno; y se extiende a prácticamente todos los cantautores de Latinoamérica y España. Hasta Joaquín Sabina le robó unos versos para hacerla suya en Violeta para violetas (2009):
Lo dijo Violeta Parra, hermana de Nicanor,
por suerte tengo guitarra y sin presumir de voz
si me invitan a una farra. Cuenten con mi corazón
En 1965 Parra regresó a Chile, instaló una carpa con la idea de que se convierta en un gran centro de folklore vivo en el que participaron sus hijos Ángel e Isabel Parra, además de Rolando Alarcón, Víctor Jara y Patricio Manns, entre otros. Pero la idea no tuvo una gran acogida entre el público. Favre, su amor, viajó hacia Bolivia y Violeta escribió Run run se fue pal norte.
Grabó su mejor disco al final, un conjunto de Las últimas composiciones que apareció en diciembre de 1966.
Violeta Parra escribió cientos de canciones pero nadie ha sido capaz de olvidar “Gracias a la vida” que compuso pocos meses antes de suicidarse. La paradoja es que su testamento es su canción más optimista:
“Gracias a la vida que me ha dado tanto
Me dio dos luceros que cuando los abro
Perfecto distingo lo negro del blanco
Y en el alto cielo su fondo estrellado
Y en las multitudes el hombre que yo amo”
Violeta Parra se quitó la vida en febrero de 1967.
(Fuente: diario El Mundo)
El cantante de Lanús Bruno Urbani haré el vernes 2 de octubre, a las 21 en Cultural Thames (Thames 1426, Palermo, CABA) la presentación oficial de “Bitgácora de viaje”, su primer álbum. Las entradas para el evento se encuentran a la venta a través de www.culturalthames.com.ar.
“Bitácora de viaje”, que será lanzado completo el 21 de agosto, representa una travesía musical y personal de Urbani a través de diversos géneros. Esta producción de 10 tracks combina el pop, el folklore y el candombe, plasmando las vivencias del autor.
Diagnosticado con TDAH (trastorno por déficit de atención e hiperactividad) a los 7 años, no es casual que el tiempo de preparación de este trabajo haya sido extenso. La propuesta posee un fuerte lazo con la literatura y la espiritualidad. El yoga, Borges, James Joyce, The Beatles, Drexler se entrelazan como influencias principales.
La práctica de satyananda yoga lo acercó a la música indostánica y es por ello que en “Guardo” incorpora sonoridades de la India. En cambio en “Quédate” incluye alusiones a Jorge Luis Borges. El tema incorpora fragmentos del poema “Para una versión del I King” en su videoclip, mientras que la estética de la portada rinde homenaje a la edición inicial del “Ulysses” de James Joyce.
Otra muestra del impacto de la literatura en la música de Bruno Urbani es el poema de Borges “On his blindness”, el cual musicalizó transformándolo en canción. Plasmando su impronta cálida y dulce, el cantautor hizo de este poema una canción breve, con una melodía que acompasa el sentir íntimo de los versos de Borges.
Para la canción que le da nombre al disco, Urbani decidió apostar por un arreglo a capella. Para esto convocó a Emilio Cervini, su profesor de armonía. Juntos eligen una estética coral, que recuerda a “Because” de Los Beatles (junto a Radiohead, las dos bandas “definitivas” para él).
El resultado es un disco variopinto desde la sonoridad y destacado en cuanto a su lírica. Sus letras reflejan con sensibilidad temas como el amor, el desamor, el miedo, la esperanza y los enigmas cotidianos.
(Fuente: Florencia Meluso – Enlazadora de Mundos)
La H No Murió comenzó el 2026 con dos shows sold out en el Teatro Flores en el marco de la celebración de los 35 años de su disco “Ácido Argentino”, dando el puntapié inicial a la extensa gira que los está llevando a recorrer Latinoamérica, Centroamérica y Europa. Además, serán opening de Iron Maiden en el Estadio de Huracán en el mes de octubre.
Ahora, la banda se presenta en el Microestadio Malvinas Argentinas el sábado 22 de agosto (entradas a la venta por sistema Livepass) y dejará plasmado este presente en la grabación de un disco en vivo junto a todas las generaciones que los han acompañado a lo largo de tantos años.
El espíritu y la música de Hermética, una de las bandas del metal más importantes salidas de Argentina, vuelve a estar presente en los escenarios con este homenaje a su disco “Ácido Argentino”.
Se trata del segundo álbum de estudio de la banda, el cual fue editado en 1991 y certificado de platino, además de ser el primer disco de la banda con ventas masivas que al día de hoy siguen así en forma sostenida.
(Fuente: Nadya Cabrera – Prensa)
El músico, compositor y productor argentino Gustavo Santaolalla se presentará el próximo sábado 12 de septiembre en el Teatro Argentino de La Plata con su “Ronroco Tour”, en un concierto que propone un recorrido íntimo y profundamente emocional por una de las obras más significativas de su carrera.
Las entradas para la presentación se encuentran a la venta por sistema Livepass, accediendo a hacerlo en 4 cuotas sin interés comprando con tarjetas de Banco Provincia.
Figura central de la música contemporánea, Santaolalla es uno de los artistas latinoamericanos más influyentes a nivel global. Su trayectoria abarca más de cinco décadas y ha sido distinguida con algunos de los máximos reconocimientos de la industria: dos premios Oscar a la Mejor Banda Sonora Original por Brokeback Mountain y Babel, múltiples premios Grammy y Latin Grammy, y una extensa lista de galardones que consolidan su lugar como referente indiscutido de la música internacional.
“A 25 años de su creación, Ronroco regresa no como una pieza del pasado, sino como una obra viva. Un territorio sonoro que sigue resonando, abriendo preguntas, invitando a escuchar de otro modo. Una oportunidad excepcional para volver a ese origen y descubrir, una vez más, todo lo que aún tiene para decir”, sostiene el comunicado promocional del Tour.
Santaolalla es, desde hace décadas, una figura clave para comprender la proyección internacional de la música latinoamericana. Su recorrido —que atraviesa el rock, la producción artística, la composición para cine y la experimentación sonora— ha sido reconocido con dos premios Oscar a la Mejor Banda Sonora Original por Brokeback Mountain y Babel, además de múltiples premios Grammy y Latin Grammy. Sin embargo, más allá de los galardones, su singularidad reside en la construcción de un lenguaje propio, donde lo ancestral y lo contemporáneo conviven sin jerarquías.
En ese camino, Ronroco ocupa un lugar central. El álbum —nombrado a partir del instrumento andino que Santaolalla adopta como eje expresivo— despliega una estética despojada, íntima y profundamente evocadora. Lejos de los grandes arreglos, cada pieza parece respirar en un tiempo propio, suspendido, donde el silencio adquiere un rol tan protagónico como el sonido. Esa búsqueda, que en su momento resultó disruptiva, terminó por delinear una identidad sonora inconfundible.
Durante el 2024 y 2025 Santaolalla presentó su “Ronroco Tour” por Europa y Asia, y en este 2026 llega a una gira por Latinoamérica haciendo una parada en la Argentina.
(Fuente: Nadya Cabrera – Prensa)
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Debutó “Yo, Narciso” y alcanzó el segundo puesto de la taquilla
Bruno Urbani presenta “Bitácora de viaje”, su primer álbum
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