Música
“Almendra”: cincuenta años de un álbum que modeló al rock argentino
A distancia del dejo empalagoso que domina a ciertos homenajes que empantanan la agenda porteña, el reconocimiento a los 50 años al álbum “Almendra”, disco inaugural del aquel grupo liderado por Luis Alberto Spinetta, se concretó en el Auditorio Nacional del Centro Cultural Kirchner con un concepto acotado, definido, que aseguró el clima de reposo imprescindible para hacer posible el hecho musical.
La figura de Spinetta es que acaso, especialmente en este tiempo, el centro de festejos nostalgiosos, corales, pletóricos de cariño pero no siempre consustanciados con la estructura y la dinámica de un concierto, sea del estilo que fuere. En ese punto, la apuesta organizada con la Orquesta Nacional de Música Argentina Juan de Dios Filiberto y los arreglos de Juan “Pollo” Raffo alcanzó, por lo menos, el mérito de alejarse del modelo más corrompido en materia de homenajes.
Luego, claro, sobrevienen las cuestiones de gusto y he allí la dificultad de traducir a un lenguaje sinfónico aquello que fue imaginado para un esquema bien diferente, aunque, en ese desafío, la lírica y el paisajismo de Almendra se acomodan mejor a ese salto que otras formaciones del tiempo primario del rock argentino como Los Gatos o Manal, por citar sólo a sus contemporáneos.
“Fue –y descubro nada- una formación seminal que anticipó gestos que luego sus integrantes iban a reflejar en otras experiencias de nuestra música”, reflexionó, sobre la presentación, el propio Raffo.
Aquel álbum, grabado en 1969 y lanzado en el verano del año siguiente, fue muchas veces encumbrado como “el mejor disco del rock argentino” en encuestas de consumo periodístico. Fue un manojo de nueve composiciones de Spinetta (menos “Color Humano”, de Edelmiro Molinari) que, a pesar de mostrar estrechos lazos con la tradición de la canción popular, revistió entonces un sesgo de audacia y excepción que sólo era concebible en aquel microclima del rock argentino, y que hoy indudablemente ha perdido a fuerza de acumular más puntos de encuentro que de ruptura con la historia musical que la precedió.
Bajo la dirección de Mariano Chiacchiarini, la Orquesta Juan de Dios Filiberto, más Emilio Del Guercio, Edelmiro Molinari, Rodolfo García –todos ex Almendra- y Mariana Bianchini y Rubén Goldín, ofrecieron el recorrido completo de aquel álbum, con el aporte de la Compañía Nacional de Danza Contemporánea, que representó en el escenario y en las gradas aquello que los músicos evocaban con sus instrumentos.
La obvia ausencia de la voz de Spinetta fue suplida, inteligentemente, en forma colectiva. Tras una suerte de obertura, el programa se inició con “Laura va”, con su línea reconocible de bandoneones y un arreglo sinfónico donde prevalecieron vientos y cuerdas para luego avanzar en un muestro con vaivenes.
Tras la secuencia del disco, “Tema de Pototo”, aquel simple que precedió al álbum inaugural de Almendra –composición también influyente en otros artistas del rock argentino- completó el desenlace, a sala llena, con entradas agotadas.
“Además de lo que aportó musicalmente, Almendra representa el modelo beatle: el de un grupo de amigos del barrio que se juntan y cambian la historia de la música”, sintetizó Raffo.
La respuesta del público, que acaso acompañó en términos de calendario aquella transformación musical, obligó a programar un segundo concierto, que se realizará el 6 de noviembre, otra vez en el Auditorio Nacional del CCK.
(Fuente: Agencia de noticias Telam)
Luciano Pereyra lanzó en 2025 la versión cumbia de su emblemática balada “Perdóname”. La canción, que originalmente vio la luz en 2004 y se convirtió en uno de los temas más recordados de su carrera, volvió a tomar protagonismo con un giro sonoro vibrante, sin perder la emotividad que la caracteriza. Para la ocasión, Luciano no está solo lo acompaña Ángela Leiva.
Emociones y ritmo bailable
“Perdóname (versión cumbia)” mantiene intacto el corazón de la canción: el relato de un amor que se desvanece, el dolor del desamor y el deseo de una reconciliación imposible. Sin embargo, en esta nueva entrega, la tristeza se transforma en movimiento.
La participación de Ángela Leiva, con su voz potente y su estilo inconfundible, suma un matiz femenino y dramático que enriquece la propuesta. La combinación vocal con Pereyra genera una química única que potencia la carga emocional del tema.
“Pegasus I” es el nuevo disco de Pablo Silva Andaite, músico, intérprete y productor uruguayo. El multifacético artista oriental grabó junto a su trío, cuatro temas propios y ocho versiones de grandes clásicos del rock con un sonido totalmente innovador.
El power trío llamado Polyphonica está formado por Pablo Silva en voz, bajo y piano, Pablo Ferrando en guitarra y Rafael Del Campo en batería.
“Pegasus I” está compuesto por los siguientes temas:
- “Estallando desde el océano” de Sumo
- “Tubular Bells” de Mike Oldfield
- “Happily Dance” de Pablo Silva Andaite
- “Brown Sugar” de los Rolling Stones
- “Secrets” de Van Halen
- “Ice Cream Man” de John Brim
- “Deep Blue” de Pablo Silva Andaite y Popo Romano
- “En el país de los sueños” de Polyphonica
- “My Sharona” de The Knack
- “Blindness” de Pablo Silva Andaite y Popo Romano
- “The Great Gig In The Sky” de Pink Floyd
- “Home Sweet Home” de Mötley Crue.
El álbum fue grabado entre noviembre de 2022 y abril de 2026 en El Ombú Records, Ion Estudios, Estudios Tripleeme, Popo Romano Home Studio y Ernesto Ferraro Home Studio.
Contó con varios músicos en calidad de invitados, entre los que se estuvieron Pablo Ferrando, Rafael Del Campo, Ernesto Ferraro, Popo Romano, Andres Arnicho, Santiago Wainstein, Celia Eymann, Jetsy Pierre, Yanina Love y Bettina Resk.
La discografía de Pablo Silva está compuesta por cuatro álbumes: “Sayago”, “Mala Reputación”, “My Soul’s Art” y “Pegasus I”. Entre todas las producciones, Silva lanzó unos 20 videoclips filmados en Uruguay, Argentina y Estados Unidos.
(Fuente: Diego Perri – Prensa)
Después de cuatro años sin lanzar un álbum de estudio, Los Pérez García regresaron con “Ikigai”. Este lanzamiento marcó un punto de inflexión en la historia de la banda. Desde su último disco editado en mayo de 2022, el grupo atravesó un período de crecimiento, búsqueda y consolidación artística que hoy se traduce en un material profundo, diverso y con una identidad sonora más definida que nunca.
Ahora la banda anuncia su regreso al Teatro Ópera La Plata el sábado 8 de agosto a las 20, con entradas a la venta por sistema Livepass.
Como primeros adelantos, Los Pérez García presentaron “Un Minuto” y “Tren de Oriente”, dos canciones que funcionan como puertas de entrada a este nuevo universo musical, dejando entrever la amplitud estética del disco.
“Ikigai” es un recorrido emocional y sonoro que atraviesa distintos climas: desde el rock canción más íntimo y reflexivo, pasando por momentos de rock enérgico y directo, hasta canciones mid tempo y pasajes con influencias de rumba.
La producción del álbum fue trabajada en detalle junto a Juan Bruno y Pepe Cespedes, logrando un equilibrio entre frescura y madurez, y potenciando la esencia de la banda sin perder espontaneidad. El nuevo single del disco es “Seguirán”, una canción que cuenta con la participación especial de Manuel Moretti. Su presencia suma una carga emotiva particular y dialoga de manera natural con la identidad del grupo, dando como resultado uno de los puntos más altos del álbum.
El concepto de “Ikigai” —término japonés que puede traducirse como “la razón de ser” o “la razón para levantarse por la mañana”— atraviesa todo el disco. Representa un propósito de vida que surge de la intersección entre lo que uno ama, aquello en lo que es bueno, lo que el mundo necesita y aquello por lo que puede ser valorado. Desde lo lírico y lo musical, el álbum invita a conectar con esa búsqueda personal, poniendo en primer plano los vínculos, el paso del tiempo, los recuerdos y el sentido de lo que hacemos.
(Fuente: Nadya Cabrera – Prensa)
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El músico uruguayo Pablo Silva Andaite lanza “Pegasus I”
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