Música
Eruca Sativa lanzó digitalmente un EP y prepara su mediometraje
El trío rockero Eruca Sativa, que acaba de lanzar digitalmente un EP y prepara un mediometraje con escenas en vivo de sus shows en el Luna Park, se manifestó a favor de un aborto legal, seguro y gratuito, y consideró que la decisión del gobierno bonaerense de no prestarle seguridad al show de La Renga en Mar del Plata constituye “una estigmatización de su público”.
En plena celebración por sus 10 años de trayectoria, que los encuentra realizando una larga gira nacional, Eruca presenta el EP “Vivo” que incluye versiones en vivo de los temas “Japón”, “Confundiste”, Amor Ausente” (junto a Abel Pintos) y “Haku Malvin”.
Junto a la cantante y guitarrista Lula Bertoldi, la bajista Brenda Martin y el baterista Gabriel Pedernera aparecen Ignacia, Nico Alfieri de Todo Aparenta Normal, Patricia Pacheco, Luciana Segovia de Cirse, Luciano Farelli, Barbie Recanati, Julián Baglietto, Sig Ragga, Fer Martinez Mina, Larro Caballido y otros.
Además, aproximadamente en un mes se sumará al canal digital de Eruca en Vevo y Youtube un largometraje con un resumen de los últimos conciertos en el Luna Park y por algunas ciudades del interior de la Argentina.
—La Renga tuvo que cambiar el show de Mar del Plata a San Luis por problemas de seguridad, ya que el gobierno de la provincia de Buenos Aires se negó a poner a la policía a disposición. ¿Tienen alguna posición tomada respecto a cómo le puede pasar esto a una banda tan convocante como La Renga?
Gabriel Pedernera: Es triste cuando un evento así no se puede hacer por motivos ajenos a la producción del grupo. Yo no estoy muy metido en cómo es toda la situación, así que no te puedo decir con certeza. Son cosas que hablan un poco de dónde está puesto el foco, ¿por qué recibe más apoyo el fútbol que un concierto de música? No sé.
Lula Bertoldi: También me parece que pasa que no hay suficiente información. La Renga desde hace mucho tiempo se cuida muchísimo porque le han pasado cosas feas y han sabido salir adelante y mejorar la seguridad, la producción de los shows y meter más shows repartidos en el año para que no se les junte tanta gente a la vez. También debe haber un poco de miedo de los locales, que piensan que es como el Indio y va a ir un malón de gente. Esa falta también de información genera un poco de miedo. Creo que La Renga ha sabido producir muy bien sus shows y creo que hace varios años que no tienen incidentes.
G.P.: Es eso, falta de información. Esto también aplica para lo que hablamos de igualdad de género, el 8M y todo lo que está pasando, tenemos que romper con algunas tradiciones. No puede ser que se asocie a la música rock con un desastre sobrenatural, no puede ser que las personas, los dirigentes o la policía tenga miedo porque va a tocar un grupo. Tenemos que romper un poco con eso.
L.B.: Es una estigmatización del público que va a ver a La Renga o al Indio, también. Hay temas que tienen más que ver con el miedo o la falta de seguridad que con la banda o el público en sí mismo. Son muchas las aristas para analizar, es muy básico, muy rudimentario decir que el rock mata. Es muy superficial no querer informarse sobre lo que realmente pasó y estigmatizar a un artista, un género o al público. Sino siempre los rockeros vamos a ser los rotos, los quilomberos, los que rompen todo o los que son anarquistas, y no es así.
—Respecto de la despenalización del aborto, ustedes tomaron una posición muy clara en favor y lo dijeron en las redes sociales. ¿Sintieron que hubo un acoso de trolls y bots por haber tomado esa posición?
L.B.: Lo que pasa es que uno sabe lo que está exponiendo. Es muy personal, nadie va a forzar a nadie a publicar algo porque es muy personal el tema o la postura sobre la legalización del aborto. Y yo creo que no hay grises y menos para una mujer, o se está a favor o se está en contra. Una vez que uno se empieza a interiorizar en el caso sobre la legalización del aborto, que es un tema de salud pública, para una mujer no hay grises. Me parecería hipócrita si alguien lo planteara.
Brenda Martin: En realidad cuando uno manifiesta una opinión de ese tipo, que tiene mucho peso desde el punto de vista que lo quieras ver, yo no espero defenderme. Nunca vamos a pensar todos igual, lo importante es que si hay una urgencia de salud pública tengo ganas de colaborar con que se apruebe determinada ley. Va a haber un montón de gente que no te sigue más o te elimina, pero por suerte políticamente no nos pasó nada, no nos cerraron ninguna puerta ni nos bajaron de un festival. Cuando eso empiece a pasar, será el momento de salir a hablar más. No tenemos que perder esa libertad de expresarnos.
L.B.: No sé cómo definir a un troll o un bot, pero siempre hay gente que se va a manifestar en contra y a favor y está perfecto, porque para eso son las redes sociales. Está bueno ver qué piensa la gente sobre lo que uno piensa y debatir. Me parece lo más sano debatir sin agredir, sin llegar al punto de agredir por lo que yo pienso o la postura que adopto. No sé si decirte que son bots o trolls, creo que son personas que están en contra y quieren expresarse, y me parece perfecto. Lo que no banco es la agresión. Somos personas muy proactivas y pacifistas, siempre en nuestras canciones promovemos ese mensaje de crear, de no destruir, de ser proactivos e ir para adelante con buenas intenciones. Es obvio que la postura individual que cada uno adopte tiene esa vía.
(Entrevista realizada por la agencia de noticias Telam)
Nito Mestre y Joaco Burgos son los protagonistas de la nueva edición de “Portal Sessions”. La leyenda del rock argentino, miembro fundador de Sui Generis junto a Charly García, y la joven promesa del género, pasaron tres días en un estudio rodeado de árboles y naturaleza en Portal Bosque, Punta del Este, para grabar la “Portal Session #08” en vivo con la producción musical de Ale Kurz, co creador de las sesiones.
Los artistas grabaron una nueva versión de “No te enamores nunca de aquel marinero bengalí”, clásico de Los Abuelos de la Nada, que cobra una nueva vida, con más groove y funk, y un flamante arreglo de vientos. Además, hicieron “Amor de guitarra”, del primer disco de Burgos (en donde se menciona a Serú Girán, otro guiño al rock argentino), “Botas locas” de Sui Géneris y “La hija del fletero”, en la primera vez que Mestre hace su propia interpretación de Los Redondos, con Burgos y la participación especial de Ale Kurz en guitarra, productor musical de la Session, que siempre logra aportar nuevos matices, incluso a las reversiones de los clásicos más escuchados.
Además, otro detalle que hace la diferencia en este nuevo encuentro musical es la batería de Fernando Samalea -ex baterista de Charly, Cerati, Calamaro-, encargado de ponerle ritmo a los cuatro tracks. Un encuentro intergeneracional que busca hacer un puente entre la historia y el presente de nuestro rock.
(Fuente: Portal Sessions)))
Tras el éxito de su álbum debut “YASS”, el cantante y productor argentino Marki regresa con una propuesta vanguardista y nostálgica que expande las fronteras de la escena urbana actual. El artista lanza oficialmente su esperado segundo álbum de estudio, “Karaoke Club”.
Este nuevo material discográfico llega tras la gran repercusión de su primer disco con el que demostró su libertad total para transitar entre el trap, R&B, soul y gospel. Fiel a su naturaleza experimental, “Karaoke Club” promete sumergir a los oyentes en una experiencia fresca y colectiva, construida desde una impronta muy personal del artista.
“Karaoke Club” representa un paso firme y evolutivo en la carrera de Marki, consolidando una profunda búsqueda artística dentro del indie pop argentino. Dejando atrás las fronteras más rígidas de sus primeros trabajos, este segundo álbum de estudio se edifica como una obra versátil que entrelaza con naturalidad texturas de lo-fi, rap, R&B y pop alternativo.
“El día después de primavera” es el eje central y el verdadero corazón emocional de Karaoke Club. En ese sentido, el propio Marki definió el espíritu de esta canción bajo una premisa muy transparente: “cuanto más duele, mejor”.
(Fuente: Nadya Cabrera – Prensa)
Cuatro décadas después de su lanzamiento, “Oktubre” conserva un lugar privilegiado en la historia del rock argentino. Publicado en octubre de 1986, el segundo álbum de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota condensó en nueve canciones el clima de una época atravesada por las heridas de la dictadura, las tensiones políticas y las amenazas de la Guerra Fría. También marcó un punto de inflexión en la trayectoria de la banda liderada por Carlos “el Indio” Solari y Eduardo “Skay” Beilinson, que comenzaba a construir una identidad musical y estética propia.
El disco llegó dos años después de “Gulp!”, el debut discográfico del grupo platense, que todavía se movía dentro del circuito independiente y convocaba a poco más de mil personas por presentación. Su propuesta había evolucionado desde aquellos primeros espectáculos que combinaban música, teatro y los monólogos de Enrique Symns hacia un formato centrado en las canciones.
“Oktube” fue grabado en los estudios Panda, ubicados en la calle Segurola de Buenos Aires, con Osvel Costa como técnico de sonido. A la formación habitual se sumaron Héctor “Tito Fargo” D’ Aviero en segunda guitarra, Daniel Melero en teclados y Claudio Cornelio en percusión. El resultado fue un álbum de atmósfera oscura, guitarras filosas y una sonoridad cercana al postpunk, con elementos del rock clásico y una marcada impronta experimental.
El repertorio incluyó composiciones que se convertirían en clásicos de la banda, como “Preso en mi ciudad”, “Música para pastillas”, “Motor Psico”, “Semen-Up”, “Divina TV Führer” y “Jijiji”, esta última destinada a convertirse en uno de los grandes himnos del rock nacional y protagonista del célebre pogo multitudinario de sus recitales.
Las letras de Solari construyeron un universo de imágenes inquietantes, referencias políticas, paranoia y personajes marginales. La amenaza nuclear, la manipulación de los medios de comunicación, el consumo de drogas y el desencanto social atravesaron un disco que capturó algunas de las principales preocupaciones de mediados de los años ochenta.
La identidad visual también resultó decisiva. Ricardo Cohen, conocido como Rocambole, diseñó una portada dominada por una multitud de figuras con banderas, bajo una estética inspirada en la iconografía revolucionaria soviética. El rojo, el negro y el gris definieron una imagen que terminaría reproducida en miles de remeras y banderas. En la contratapa, la Catedral de La Plata en llamas completó una propuesta gráfica cargada de simbolismo.
El propio Rocambole explicó años después que las ideas surgieron de conversaciones con el Indio, quien imaginaba multitudes y banderas. La referencia a la Revolución Rusa de octubre de 1917 convivía con resonancias de la historia política argentina.
La grabación también dejó algunas controversias internas. El saxofonista Willy Crook cuestionó posteriormente el uso excesivo de reverberación, una característica que contribuyó a definir el sonido distante y opresivo del álbum.
Con el paso del tiempo, “Oktubre” se consolidó como una de las obras fundamentales de la música argentina. La revista Rolling Stone lo ubicó en el cuarto puesto de su selección de los 100 mejores discos del rock nacional, detrás de “Artaud”, de Pescado Rabioso; “Clics modernos”, de Charly García; y el álbum debut de Manal.
A 40 años de su aparición, aquellas nueve canciones mantienen su potencia y permiten reconstruir el momento en que Los Redondos comenzaron a forjar una de las mitologías más perdurables de la cultura popular argentina.
(Fuente: Agencia Noticias Argentinas)
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