Música
Kiss: último acto en Argentina de la banda que nació leyenda
Por Hernani Natale (*)
Kiss, la icónica banda estadounidense de hard rock que decidió poner fin a casi 50 años de trayectoria con la gira “End of the Road World Tour”, dará su última función en nuestro país este sábado 23 de abril, a las 21, en el Campo Argentino de Polo, del barrio porteño de Palermo, y cerrará así una larga relación con los fans locales que tuvo su explosión a finales de los ’70, a partir de un sinnúmero de leyendas construidas a su alrededor que le confirió un grado de misterio y peligro en el imaginario popular.
Será la última oportunidad de ver en el país el circo más grande que dio la historia del género, con una singular banda en la que los músicos asumen alter egos de características fantásticas, explosiones, fuegos, confeti y, fundamentalmente, un poderoso, festivo y directo rock sin mayores pretensiones que divertir.
Será el punto final de una larga historia iniciada a nivel masivo en nuestro país gracias al hit de corte disco “I Was Made For Loving You” -una movida artística que a nivel global alejó al grupo de rock duro tradicional pero le permitió llegada a nuevos públicos- y a leyendas en torno al comportamiento extremo de sus integrantes, en especial, el demoníaco Gene Simmons.
Desde que asesinaban pollitos en escena a pisotones o que la larga lengua de Simmons era debido a que se había cortado el frenillo con esos fines, hasta su supuesta devoción al diablo a través de diversos rituales fueron algunos de los mitos tejidos a su alrededor y alimentados por la falta de información de la época. Incluso, se afirmaba que el nombre Kiss respondía a las siglas de Knights in Satan Service (Caballeros al servicio de satán, en castellano).
Sin embargo, todos estos rumores falsos dotaron al grupo de un nivel de peligro extremo a los ojos de los sectores conservadores, indispensable para sumar fans de estirpe rockera, a la vez que su imagen terrorífica amplificada con el estreno del bizarro filme de aventuras “Kiss contra los fantasmas” también le valió la idolatría de muchos chicos.
A tono con ese viejo y discutible adagio del mundo del espectáculo que afirma que no importa si se habla mal o bien de alguien a nivel público en la medida en que se le preste atención, Kiss jugó a la ambigüedad y, lejos de negar las imputaciones, las sumó como parte de su oferta artística.
Por supuesto que lo experimentado en nuestro país en torno a la figura de Kiss no discrepó en relación a lo sucedido en el resto del mundo y la única diferencia fue cierto retraso en el arribo de las noticias.
Es que, tal como ocurrió aquí a finales de la década, Kiss comenzó a hacerse notar en la escena neoyorquina entre 1973 y 1974 a partir de su imagen y, luego, de la espectacularidad conferida a cada show en vivo.
Nacida como una banda de estadio, el cuarteto liderado por “El Demonio” Simmons y el “Chico Estrella” Paul Stanley, que completaban “El Hombre del Espacio” Ace Frehley y “El Gato” Peter Criss, apostó a mantener el misterio en torno a los músicos que se ocultaban detrás de las máscaras y a echar mano a todo aquello que le diera un tono épico a sus presentaciones.
Obviamente, con esos elementos y un rock efectivo, dinámico, excitante, directo, el grupo fue ganando popularidad hasta alcanzar una fama de niveles galácticos tras el impacto causado por su placa en vivo “Alive”, de 1975.
Pero si las leyendas y la ambigüedad aportaron lo suyo, el grupo no se quedó quieto y motorizó una fenomenal maquinaria publicitaria plagada de merchandising que se expandió alrededor de todo el mundo.
Lo cierto es que detrás de todo ese gran espectáculo de color y de todas las historias que se puedan contar sobre la banda, hay un puñado de grandes discos, con pegadizos rocks y vigorosos riff de guitarras, y simples letras de tono sexista que hablan de un estado de fiesta permanente.
“Strutter”, “Deuce”, “God of Thunder”, “Detroit Rock City”, “Shout It Out Loud”, “Black Diamond”, “Love Gun” y, especialmente, su caballito de batalla “Rock and Roll All Nite” son algunos ejemplos de ello.
Los últimos años de la década del ’70, tras el pico de popularidad, trajeron algunos problemas para el grupo, a saber: el enojo de los fans radicalizados por haber cedido a la moda disco en el álbum “Dinasty”, de 1978, con su hit “I Was Made For Loving You”; problemas internos que derivarían en la salida de sus miembros originales Peter Criss y Ace Frehley; y algunos pasos en falso, como la intención de hacer una placa conceptual que resultó un fracaso (“Music From The Elder”, de 1981).
El característico perfil de Kiss se diluyó en los ’80 con el cambio de dos de sus integrantes, la decisión de mostrarse a cara lavada por primera vez y terminar así con un largo misterio como gran golpe de efecto, y el viraje hacia el glam metal de moda. Y aunque la banda salió airosa, perdió su singularidad y se entremezcló como una más en la gran oferta del género. Más allá de esto, siguieron sumando hits: “Forever”, “Lick It Up”, “Heaven´s On Fire” y “God Gave Rock and Roll To You”, entre otros.
A mediados de los `90, hubo un regreso por algunos años del cuarteto original y, con ello, del maquillaje. Ya con la nueva década y la nueva salida de Criss y Frehley, el grupo quedó conformado con su alineación actual, que incluye a los líderes Simmons y Stanley más el guitarrista Tommy Thayer y el baterista Eric Singer, y prácticamente se convirtió en un perpetuo tributo de sí misma, con shows espectaculares y rock fiestero en los que no se guarda nada.
Los fans argentinos pudieron ver por primera vez a Kiss en 1994, sin maquillaje; para luego vivir la experiencia de ver al grupo caracterizado en diversas ocasiones: en 1997 y 1999, con sus miembros originales; y en 2009 y 2015, con la formación actual.
El show en Argentina perteneciente a “End of the Road World Tour” iba a llevarse a cabo en 2020 pero debió ser suspendido por la pandemia de coronavirus. Desde entonces, Kiss repasó su historia en el documental “Kisstory” realizado por la señal A&E, a la vez que se reeditaron viejas polémicas entre Simmons y Stanley con los otros miembros originales que echaron por tierra la posibilidad de que participen de este fin de fiesta.
El concierto del sábado próximo se anuncia para las 21 y se podrá ver en directo por el canal 605 de Flow, a través de una transmisión que comenzará a las 19.30, será conducida por Clemente Cancela y Mikki Lusardi, y con Martina Soto Pose desde el campo.
Como número de apertura estará desde las 20 Arde la Sangre, el nuevo proyecto del exCarajo Marcelo “Corvata” Corvalán. La boletería del estadio estará abierta desde las 11 y las puertas se habilitarán a las 17.
(*) Agencia de noticias Telam.
El pianista argentino Horacio Lavandera regresa a Mar del Plata con un espectáculo para su público habitual pero sobre todo para los amantes del cine.
El viernes 3 de abril a las 20.30, en el Teatro Colón de Mar del Plata, el piano se convertirá en un puente entre dos mundos: el de la música clásica y el séptimo arte en “Cine al piano”, un concierto con el que el artista invita a recorrer una travesía musical que va desde la profundidad emocional y técnica de Johann Sebastian Bach hasta las épicas y evocadoras melodías de John Williams, pasando por la intensidad romántica de Frédéric Chopin y la innovación de Astor Piazzolla y Osvaldo Golijov.
Las entradas se encuentran a la venta en https://articket.com.ar/HORACIO-LAVANDERA-EN-TEATRO-COLON/ y en la boletería del teatro en Hipólito Yrigoyen 1666.
Sobre el show
La primera parte del concierto nos sumerge en el universo de Bach, cuyas obras maestras, como la “Fantasía cromática” y las “Variaciones Goldberg” (BWV 988), nos revelan la extraordinaria riqueza armónica y la brillantez estructural que caracterizan al compositor alemán. Las “Variaciones Goldberg” no solo son una de las composiciones más importantes de la música barroca, sino que también fueron popularizadas en el cine en “El paciente inglés”, donde su poderosa interpretación al piano marca momentos claves en la narrativa de la película. La música de Bach aquí nos invita a experimentar la complejidad y la belleza del Barroco, un terreno fértil para las emociones más profundas.
En la segunda parte, el piano se convierte en un vehículo de expresión más contemporánea. Frédéric Chopin, con sus “Balada No. 1 en sol menor, Op. 23”, y el “Andante spianato y gran polonesa op. 22”, nos lleva por un recorrido emocional lleno de contrastes, desde la intensidad y la melancolía hasta la lírica y el virtuosismo más arrollador. La “Balada No. 1” de Chopin fue utilizada en la famosa película “El Pianista” de Roman Polanski, donde su intensidad y profundidad emocional acompañan la lucha del protagonista, convirtiéndose en una de las piezas más representativas del cine contemporáneo.
El programa culmina con un homenaje a la música de cine, con una adaptación para piano de la emblemática “Suite de Star Wars” de John Williams, un viaje musical a una galaxia muy, muy lejana. La energía y la grandiosidad de las composiciones cinematográficas se funden con la magia de la interpretación pianística, abriendo paso a la contemporaneidad de Osvaldo Golijov, quien trabajó en “Youth without Youth” en colaboración con el legendario director Francis Ford Coppola. La música de Golijov, con su fuerza emocional y su textura contemporánea, se presenta con dos piezas poderosas: “Youth without Youth” y “Levante”, sumergiéndonos en paisajes sonoros llenos de emoción y modernidad.
Piazzolla completa el programa con dos piezas utilizadas en el cine: “Oblivion” y “Suite Punta del Este”, esta última popularizada en la película “12 monos” protagonizada por Bruce Willis y Brad Pitt.
Esta velada es una celebración del poder de la música para contar historias, transformar emociones y trascender fronteras, llevando a la audiencia en un recorrido único a través de los estilos y las épocas que han marcado la evolución de la música para piano.
(Fuente: Majo Garufi – Prensa)
En una nueva edición de “Portal Sessions”, El Kuelgue y Litto Nebbia se juntaron por primera vez, creando un cruce histórico e intergeneracional.
Durante la sesión, interpretaron nuevas versiones de temas icónicos: “Peluquita” y “Diganselo” de El Kuelgue, así como “Deja que conozca el mundo de hoy” y “Solo se trata de vivir” de Nebbia. Además, el repertorio se completó con una interpretación de “Mapa Tesoro”.
Las cinco canciones fueron grabadas en medio del anfiteatro El Pez de Portal Bosque, un espacio cultural ubicado en la Barra, Punta del Este.
Tras tres días de ensayos en el estudio El Cofre, los artistas grabaron la “Portal Session #07” en vivo, bajo la producción musical de Ale Kurz, co-creador de las sesiones.
(Fuente: cmtv.com.ar)
El Guitarrazo presenta su cuarto álbum “Nuestra canción”, celebrando la obra de Eduardo Falú, en el centenario de su nacimiento
La Orquesta Escuela de Guitarras llevará este trabajo en vivo al escenario del Teatro Empire, el 9 de mayo a las 20.30, con entradas a la venta a través de Alternativa Teatral.
Para esta obra, los músicos invitados que participaron arreglando y grabando son: Juan Falú, Cecilia Pahl, Milagros Caliva, Coqui Ortiz y la Orquesta Argentina de Charangos.
“Nuestra canción” reivindica la rica y extensa obra del guitarrista y compositor Eduardo Falú, gran referente de la música de raíz folklórica y creador de clásicos del cancionero popular argentino como “Las Golondrinas” o “Tonada del viejo amor” muchas veces en colaboración con Jaime Dávalos o Manuel J. Castilla.
Sobre la agrupación
El Guitarrazo es una orquesta escuela de guitarras. Fue fundada en 2002 por Roberto Calvo y Juan Falú y actualmente es coordinada por Ignacio Eguía y Daniel Schneck.
Esta agrupación es un espacio abierto donde se nuclean guitarristas de todos los niveles y procedencias socioculturales y/o económicas.
El Guitarrazo se propone contribuir a la difusión y transmisión de la música popular argentina a través de este instrumento que ha trascendido continentes con una fuerte raigambre en todo Latinoamérica y en nuestro país.
Han versionado piezas de autores emblemáticos como Ástor Piazzolla, Osvaldo Pugliese, Isaco Abitbol, Ramón Ayala o Atahualpa Yupanqui y también de contemporáneos como Carlos “Negro” Aguirre, Teresa Parodi o Román Giudice.
Tiene cuatro discos editados: “El Guitarrazo: Orquesta Escuela de Guitarras” (2007), “De cayos y alegrías” (2012), “A granel” (2016) y el más reciente “Nuestra canción” (2026).
Acerca de “Nuestra canción”
Lista de temas
- 1 La nostalgiosa (Eduardo Falú/Jaime Dávalos. Arreglo: Ignacio Romero)
- 2 Río de tigres (Eduardo Falú/Jaime Dávalos. Arreglo: Lucas Bragán)
- 3 Zamba de la candelaria (Eduardo Falú/Jaime Dávalos. Arreglo: Nacho Eguía)
- 4 Oro verde (Eduardo Falú/Jaime Dávalos. Arreglo: Daniel Schneck)
- 5 Cueca del arenal (Eduardo Falú/Jaime Dávalos. Arreglo: Ignacio Romero)
- 6 La atardecida (Eduardo Falú/Manuel J. Castilla. Arreglo: Milagros Cáliva)
- 7 Las Golondrinas (Eduardo Falú/Jaime Dávalos. Arreglo: Nacho Eguía)
- 8 La angaquera (Eduardo Falú/Jaime Dávalos. Arreglo: Juan Falú)
- 9 La huarmillita (Eduardo Falú/Jaime Dávalos. Arreglo: Daniel Schneck)
Músicos invitados
- Juan Falú en 2 y 8
- Cecilia Pahl en 4
- Milagros Cáliva en 6
- Coqui Ortiz en 7
- Orquesta Argentina de Charangos en 9
Ficha Técnica
- Grabado el 20, 21 y 22 de septiembre de 2025 en Estudios ION.
- Grabación: Osvaldo y Pablo Acedo
- Mezcla: Hernán Schnaider
- Master: Francisco Baeza
- Integrantes de El Guitarrazo – Orquesta Escuela de Guitarras
- Dirección: Nacho Eguía, Daniel Schneck
Guitarras Primeras
Lucas Bragán, Guillermo Hara, Guillermo Saroka, Carlos Cárdenas, Francisco Lerche, Uziel Tersigni, Aarón Carbone, Valeria Rodriguez, Laura Hermida, Matías Álvarez, Tatiana Gonzales, Cecilia Guevara.
Guitarras Segundas
Emanuel Ortiz, Marcos Rossi, Gabriela Favazza, Mauro Elencwajg, Juanma López Cano, Agustín Manchado Bruno.
Guitarras Bases
Ignacio Romero, Muriel Diaz Fidalgo, Lena López, Julieta Filipini, Javier Rodriguez, Constanza D’Elio, Facundo Cabral, Inti Sucunza Pietkiewicz, Coco Martin, Nora Quiroz, Juan Pablo Paz.
Guitarras Bajos
Nacho Eguía, Daniel Schneck, Lucas Ángel, Antonieta Escudero Alata, Florencia Cagnone, Hernan López, Francis Rosemberg, Marina Di Primo, Ana Ricci.
Fotos: Alejandra Zapata, Celina Hara, Hernan López.
Video: Celina Hara, Macarena de la Panal.
(Fuente: Florencia Meluso – Enlazadora de Mundos)
“Primer Premio Witcomb a las Artes Visuales” en la CNB
Feria de artistas y diseñadores en la muestra PUEBLA del Museo Pettoruti
Una decena de novedades en la renovación de la cartelera cinematográfica
 Edición Nº |
Debes iniciar sesión para publicar un comentario. Acceso