Música
Kiss: último acto en Argentina de la banda que nació leyenda
Por Hernani Natale (*)
Kiss, la icónica banda estadounidense de hard rock que decidió poner fin a casi 50 años de trayectoria con la gira “End of the Road World Tour”, dará su última función en nuestro país este sábado 23 de abril, a las 21, en el Campo Argentino de Polo, del barrio porteño de Palermo, y cerrará así una larga relación con los fans locales que tuvo su explosión a finales de los ’70, a partir de un sinnúmero de leyendas construidas a su alrededor que le confirió un grado de misterio y peligro en el imaginario popular.
Será la última oportunidad de ver en el país el circo más grande que dio la historia del género, con una singular banda en la que los músicos asumen alter egos de características fantásticas, explosiones, fuegos, confeti y, fundamentalmente, un poderoso, festivo y directo rock sin mayores pretensiones que divertir.
Será el punto final de una larga historia iniciada a nivel masivo en nuestro país gracias al hit de corte disco “I Was Made For Loving You” -una movida artística que a nivel global alejó al grupo de rock duro tradicional pero le permitió llegada a nuevos públicos- y a leyendas en torno al comportamiento extremo de sus integrantes, en especial, el demoníaco Gene Simmons.
Desde que asesinaban pollitos en escena a pisotones o que la larga lengua de Simmons era debido a que se había cortado el frenillo con esos fines, hasta su supuesta devoción al diablo a través de diversos rituales fueron algunos de los mitos tejidos a su alrededor y alimentados por la falta de información de la época. Incluso, se afirmaba que el nombre Kiss respondía a las siglas de Knights in Satan Service (Caballeros al servicio de satán, en castellano).
Sin embargo, todos estos rumores falsos dotaron al grupo de un nivel de peligro extremo a los ojos de los sectores conservadores, indispensable para sumar fans de estirpe rockera, a la vez que su imagen terrorífica amplificada con el estreno del bizarro filme de aventuras “Kiss contra los fantasmas” también le valió la idolatría de muchos chicos.
A tono con ese viejo y discutible adagio del mundo del espectáculo que afirma que no importa si se habla mal o bien de alguien a nivel público en la medida en que se le preste atención, Kiss jugó a la ambigüedad y, lejos de negar las imputaciones, las sumó como parte de su oferta artística.
Por supuesto que lo experimentado en nuestro país en torno a la figura de Kiss no discrepó en relación a lo sucedido en el resto del mundo y la única diferencia fue cierto retraso en el arribo de las noticias.
Es que, tal como ocurrió aquí a finales de la década, Kiss comenzó a hacerse notar en la escena neoyorquina entre 1973 y 1974 a partir de su imagen y, luego, de la espectacularidad conferida a cada show en vivo.
Nacida como una banda de estadio, el cuarteto liderado por “El Demonio” Simmons y el “Chico Estrella” Paul Stanley, que completaban “El Hombre del Espacio” Ace Frehley y “El Gato” Peter Criss, apostó a mantener el misterio en torno a los músicos que se ocultaban detrás de las máscaras y a echar mano a todo aquello que le diera un tono épico a sus presentaciones.
Obviamente, con esos elementos y un rock efectivo, dinámico, excitante, directo, el grupo fue ganando popularidad hasta alcanzar una fama de niveles galácticos tras el impacto causado por su placa en vivo “Alive”, de 1975.
Pero si las leyendas y la ambigüedad aportaron lo suyo, el grupo no se quedó quieto y motorizó una fenomenal maquinaria publicitaria plagada de merchandising que se expandió alrededor de todo el mundo.
Lo cierto es que detrás de todo ese gran espectáculo de color y de todas las historias que se puedan contar sobre la banda, hay un puñado de grandes discos, con pegadizos rocks y vigorosos riff de guitarras, y simples letras de tono sexista que hablan de un estado de fiesta permanente.
“Strutter”, “Deuce”, “God of Thunder”, “Detroit Rock City”, “Shout It Out Loud”, “Black Diamond”, “Love Gun” y, especialmente, su caballito de batalla “Rock and Roll All Nite” son algunos ejemplos de ello.
Los últimos años de la década del ’70, tras el pico de popularidad, trajeron algunos problemas para el grupo, a saber: el enojo de los fans radicalizados por haber cedido a la moda disco en el álbum “Dinasty”, de 1978, con su hit “I Was Made For Loving You”; problemas internos que derivarían en la salida de sus miembros originales Peter Criss y Ace Frehley; y algunos pasos en falso, como la intención de hacer una placa conceptual que resultó un fracaso (“Music From The Elder”, de 1981).
El característico perfil de Kiss se diluyó en los ’80 con el cambio de dos de sus integrantes, la decisión de mostrarse a cara lavada por primera vez y terminar así con un largo misterio como gran golpe de efecto, y el viraje hacia el glam metal de moda. Y aunque la banda salió airosa, perdió su singularidad y se entremezcló como una más en la gran oferta del género. Más allá de esto, siguieron sumando hits: “Forever”, “Lick It Up”, “Heaven´s On Fire” y “God Gave Rock and Roll To You”, entre otros.
A mediados de los `90, hubo un regreso por algunos años del cuarteto original y, con ello, del maquillaje. Ya con la nueva década y la nueva salida de Criss y Frehley, el grupo quedó conformado con su alineación actual, que incluye a los líderes Simmons y Stanley más el guitarrista Tommy Thayer y el baterista Eric Singer, y prácticamente se convirtió en un perpetuo tributo de sí misma, con shows espectaculares y rock fiestero en los que no se guarda nada.
Los fans argentinos pudieron ver por primera vez a Kiss en 1994, sin maquillaje; para luego vivir la experiencia de ver al grupo caracterizado en diversas ocasiones: en 1997 y 1999, con sus miembros originales; y en 2009 y 2015, con la formación actual.
El show en Argentina perteneciente a “End of the Road World Tour” iba a llevarse a cabo en 2020 pero debió ser suspendido por la pandemia de coronavirus. Desde entonces, Kiss repasó su historia en el documental “Kisstory” realizado por la señal A&E, a la vez que se reeditaron viejas polémicas entre Simmons y Stanley con los otros miembros originales que echaron por tierra la posibilidad de que participen de este fin de fiesta.
El concierto del sábado próximo se anuncia para las 21 y se podrá ver en directo por el canal 605 de Flow, a través de una transmisión que comenzará a las 19.30, será conducida por Clemente Cancela y Mikki Lusardi, y con Martina Soto Pose desde el campo.
Como número de apertura estará desde las 20 Arde la Sangre, el nuevo proyecto del exCarajo Marcelo “Corvata” Corvalán. La boletería del estadio estará abierta desde las 11 y las puertas se habilitarán a las 17.
(*) Agencia de noticias Telam.
Definido por el artista como su “trabajo mejor enfocado”, Diosque presenta su nuevo álbum: “La Gran Mañana”, obra que según su autor “nace de un profundo despertar personal, sensación que no experimentaba desde niño”.
El trabajo cuenta además con la participación de invitados destacados como Juliana Gattas e Isla de Caras.
”La Gran Mañana” tiene sus raíces en un significativo cambio personal en la vida de Juan Román Diosque. El artista explicó que su mejor momento del día es la mañana, una coincidencia que surgió al dejar de beber hace unos años.
El artista detalló: “Este cambio me llevó a despertar al amanecer, sintiendo una energía no conocida previamente, volviendo a reír a carcajadas y experimentando una sensación que no sentía desde mi niñez, aunque ahora con experiencia y el deseo de continuar mi camino como músico”.
Este proceso personal lo preparó para escribir un disco íntegro, y el título “La Gran Mañana” surgió como reflejo de su mañana, su soledad y su inspiración.
El álbum fue producido por Javier Belziti, Marcos Orellana y el propio Diosque. El músico también estuvo a cargo de la dirección artística. Belziti se encargó, además, de la grabación, mezcla y masterización del proyecto. Aunque todas las canciones fueron escritas por Juan Román Diosque, el álbum cuenta con una rica lista de colaboradores tanto en la composición como en la interpretación. Entre los músicos se destacan Matías Lascano en el bajo, Oliver Hipkin en la batería, Pablo Berardi en teclados y Eduardo Ferrer en voces.
“La Gran Mañana” incluye participaciones estelares, siendo Juliana Gattas invitada en el tema “Horizón” e Isla de Caras en la canción “Reconquista”.
La autoría de las canciones es mayoritariamente de Diosque, con co-autorías en varios temas como “Besar tus Ojos”, “Horizón”, “Reconquista”, “Sin Caer”, “Extracto”, “Un poco de autocrítica”, “Rumbo de las cosas” (junto a Ferrer, Belziti, Cura, Vallesi y Berardi), y “Luna para dos” (junto a Javier Maldonado).
(Fuente: SL CORPP – Prensa y Difusión Artística)
La revista Rolling Stone recopiló 25 años de éxitos que considera “clásicos” de todo el mapa musical y de todos los rincones del planeta.
La lista de las mejores canciones del siglo abarca 250 temas, pero la icónica publicación de cultura popular avisó que el número podría ampliarse.
A fin de cuentas, el siglo XXI no ha hecho más que empezar, y si algo ha demostrado es que los cambios han sido constantes. Del CD al iPod pasando por Napster y MySpace y la era brillante de Spotify.
“Vivimos en una época en la que tu próxima canción favorita podría provenir de cualquier lugar. Ese es el espíritu detrás de nuestra lista de las 250 mejores canciones del siglo XXI hasta la fecha”, dice la publicación.
“Algunas de estas canciones son éxitos universales, otras son clásicos de culto influyentes. Pero esta lista se propone capturar toda la gloria caótica de la música del siglo XXI, canción por canción”, añaden.
Los temas elegidos podrán gustar más o menos pero provienen de todas partes. Solo en el Top Ten, encontramos bandas de Estocolmo, de Nashville y de los bares sórdidos de punk-rock de Nueva York.
Estas canciones abarcan desde Seúl a España y San Juan, desde Las Vegas a Veracruz y Versalles, desde Nigeria a México y Colombia. Hay reguetón, K-pop, drill y crunk, country, afrobeats, emo y sierreño.
Este es el top de las canciones elegidas exclusivamente por su “brillantez musical y originalidad”, advierte la revista para alejar el debate de alguna de sus provocativas elecciones.
1. “Get Ur Freak On” de Missy Elliott
Melissa Arnette Elliott conocida como Missy Elliott, es una rapera, cantante, productora y compositora estadounidense. En 2001 lanzó lo que es para Rolling Stone la mejor canción en lo que va de siglo. Después de este tema, “nada volvió a ser igual”.
La canción incorpora elementos del bhangra, un estilo musical y de danza originario del Punjab en la India, mientras que el riff principal —una frase corta y repetitiva— es interpretado en un instrumento tradicional llamado tumbi.
“Aunque pasaron más de dos décadas desde que el tema compuesto junto a Timbaland saliera al aire, ”Get Ur Freak On” sigue sonando a futuro: todo lo vibrante, inventivo y genial del pop del siglo XXI está aquí”, mencionaron en la revista. Cabe destacar que ganó el Grammy a Mejor Interpretación de Rap Solista en 2002.
2. “Maps” de Yeah Yeah Yeahs
El trío neoyorquino de art-punk Yeah Yeah Yeahs es un referente de autenticidad en la música alternativa y la canción —de 2003— elegida por la revista, tiene una historia de amor fallido detrás.
Es una balada sobre el amor a distancia entre Karen O y Angus Andrew, líder de la banda Liars. Sin que haya sido nunca confirmado, se rumorea que el título “Maps” significa My Angus Please Stay (Mi Angus, por favor, quédate).
Karen O y Angus Andrew comenzaron su relación en el 2000 y llegaron incluso a vivir juntos entre Brooklyn y Nueva Jersey. La pareja tuvo que lidiar con la dificultad de las giras, ya que ambos eran músicos con agendas muy demandantes y pasaban mucho tiempo separados. Finalmente, terminaron el vínculo en 2003. Durante la grabación del video musical, Karen O lloró de verdad cuando Angus Andrew llegó tarde al rodaje.
3. “Crazy in Love” de Beyoncé con Jay Z
Beyoncé en un puesto alto de cualquier lista no es una sorpresa. De hecho, en esta aparece más veces: en el puesto 32 con “Formation” y el 138 con “Déjà Vu”. “Desde el momento en que esos primeros trompos abren la canción, queda claro que Crazy in Love es más que un sencillo: fue una advertencia al resto del mundo del pop de que Beyoncé, la estrella solista, había llegado oficialmente”, escribieron los críticos musicales del magazine.
Un himno alegre y pegadizo destinado a “la grandeza desde el principio” que combina géneros como R&B, pop, hip hop, soul y funk. La letra habla sobre una obsesión amorosa intensa que lleva a actuar fuera de lo normal. En su momento, ganó el Grammy a Mejor Canción R&B y Mejor Colaboración de Rap/Sung en 2004.
¿En qué puestos quedaron los artistas latinos?
11. “Safaera” de Bad Bunny, Ñengo Flow y Jowell & Randy
Un reguetón típico con el conjunto de elementos rítmicos, vocales y culturales que se esperan del estilo. La canción se describió como un “Frankenstein del perreo”: contiene más de 10 cambios de ritmo y beat, fusionando trap, reggaetón, dembow y hasta referencias a hip hop de los 90. Ñengo Flow, con su voz rasposa, cierra la canción.
Desde Rolling Stone, expresaron: “Con su tema ‘Safaera’, el músico puertorriqueño fue aún más allá, consolidándose como el máximo innovador de la música latina”, además de decir que “Bad Bunny marca el comienzo de la nueva generación musical ávida de fiesta con una hazaña artística que gira a través de décadas de referencias”.
Por su parte, Bad Bunny aparece de nuevo en esta lista en el puesto 81 con su canción “Baile Inolvidable”, que estrenó este 2025.
14. “Gasolina” de Daddy Yankee y Eddie Dee
No nos quedamos cortos al decir que “Gasolina” es un fenómeno cultural perdurable que marcó un antes y un después en la música latina. Fue escrita por Daddy Yankee y Eddie Dee, y producida por Luny Tunes. Se grabó en 2002, pero se lanzó oficialmente en 2004, como parte del álbum “Barrio Fino”.
La canción es un himno del reguetón, surgido en el underground, que ayudó a popularizar este género musical globalmente y a posicionarlo en el mainstream. Con el tiempo, logró trascender fronteras y generaciones, siendo un clásico imprescindible del género y con ella su autor.
“Gasolina” trata sobre ser joven y festejar hasta que el cuerpo se rinda. La línea vocal de Daddy era rápida y furiosa, pero también fue la producción de Luny Tunes la que hizo historia con esa línea de sintetizador en tono menor, pesada y caricaturesca, que suena como una mezcla de un Clavinet y una mbira africana.
56. “La Tortura” de Shakira con Alejandro Sanz
Hay que avanzar hasta el puesto 56 para encontrar al siguiente latino de la lista. Es nada menos que la colombiana Shakira, pero no en soledad. Comparte ranking con el español Alejandro Sanz en una canción que combina pop latino, reguetón, y música electrónica, con toques de flamenco y percusiones caribeñas.
Este tema de 2005 narra un diálogo entre una mujer que no perdona una traición y un hombre que intenta justificarla. Es una mezcla de pasión, arrepentimiento y poder emocional. La frase “No sólo de pan vive el hombre” del estribillo alude a una cita bíblica (Mateo 4:4), un detalle poco habitual en una canción pop bailable.
“La improbable pareja irradiaba una energía y química infinitas que se grabaron a fuego en “La Tortura”, un acalorado tira y afloja entre un amante harto y su ex infiel que todavía está lleno de provocación y anhelo”, dijeron en Rolling Stone.
Alcanzó el número 1 en más de 20 países, incluyendo EE.UU. (Billboard Hot Latin Songs), y fue uno de los sencillos más vendidos del año 2005. Algunos dirán que consolidó a Shakira como estrella global bilingüe.
A continuación, otros artistas latinos que dijeron presente en la lista:
- 64. Peso Pluma y Eslabón Armado – “Ella Baila Sola”
- 77. Rosalía – “Malamente (Cap.1: Augurio)”
- 81. Bad Bunny – “Baile Inolvidable”
- 109. Karol G and Nicki Minaj – “Tusa”
- 111. Calle 13 – “Querido FBI”
- 113. Natalia Lafourcade – “Hasta La Raíz”
- 130. Selena Gomez – Hands to Myself
- 134. Luis Fonsi and Daddy Yankee feat. Justin Beiber – “Despacito”
- 146. Ivy Queen – “Quiero Bailar”
- 245. Tego Calderón – “Pa’ Que Retozen”
- 234. J Balvin and Willy William – “Mi Gente”
(Fuente: BBC Mundo – Por Cristina J. Orgaz)
Luck Ra presentó oficialmente el videoclip de su más reciente sencillo, “Fingí Demencia” (Cuarteto), una colaboración que consolida la presencia del cuarteto en la escena musical argentina actual. Es que la versión cuartetera del tema une al artista cordobés con RAMKY EN LOS CONTROLES, The La Planta y La K’onga.
La canción, que el artista presentó el pasado sábado 4 de octubre por primera vez en su debut en el Estadio Vélez, ya ha generado furor.
La dupla conformada por Luck Ra y RAMKY, quienes son amigos desde la infancia, es conocida como “imbatible” al momento de crear canciones que celebran la esencia de la música popular argentina. Asimismo, La K’onga también supo colaborar previamente con ellos en otro gran éxito, “Ya no vuelvas” (versión cuarteto).
Un poco de historia
El nuevo sencillo del cordobés aborda una situación universal: el encuentro inesperado con una persona del pasado que nos recuerda que algo que se creía eterno ya ha terminado. Ante esta realización, surge una súplica descrita como “el pedido más honesto”: “Haceme un último favor: fingí que esto no pasó”. El estribillo de la canción repite esta idea hasta convertirla en un mantra, sugiriendo que, en ocasiones, simular que algo nunca sucedió es necesario para poder soltarlo.
El video musical, dirigido y producido por Nahuel Alejo Rivas, busca plasmar el ambiente perfecto para la historia. La narrativa se desarrolla tras una fiesta y utiliza un filtro azul característico del artista, que visualmente representa el “corazón roto” del protagonista, aunque el apoyo de los amigos lo sostiene.
(Fuente: cusica.com)
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