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Música

La Beriso, íntimos y efervescentes en su gira por España

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El esfuerzo trae recompensa para Rolo Sartorio, el líder de La Beriso, la banda de rock argentina de mayor crecimiento en los últimos tiempos, que se encuentra de gira por España, donde el fin de semana revivió sus comienzos “bien desde abajo”, con shows íntimos y efervescentes en la sala Moby Dick de Madrid y la emblemática Razzmatazz de Barcelona.

Los de Avellaneda viajan por tierras españolas en combi, duermen mal, pero el cansancio no es una excusa porque siguen dispuestos a arriesgar, porque creen en el proyecto que vienen construyendo desde hace casi 20 años.

“De lo que se trata es de abrir nuevas puertas, hacer lo que hicieron en otro momento otras bandas argentinas que salían afuera. Nosotros lo estamos intentando, sabiendo que es todo bien desde abajo, muy de abajo”, subrayó Sartorio en entrevista con la corresponsal de la agencia de noticias Télam, Cecilia Guardati, en Barcelona.

Rolo Sartorio, el líder de La Beriso

En Argentina se consagraron como uno de los grupos locales con mayor capacidad de convocatoria tras llenar el Estadio del Club Atlético River Plate en diciembre de 2016, en la presentación de “Pecado Capital”, el noveno álbum de su carrera y el sexto de estudio, producido por el mexicano Armando Ávila.

Emergentes del ghetto del rock barrial, La Beriso había mostrado ya su potencial con una seguidilla de shows en el Luna Park, y cerrando el 2015 en el Estadio Único de La Plata ante más de 40.000 personas y en 2016 en el mismo marco como banda soporte de The Rolling Stones.

Pero abarrotando el estadio de Núñez lograron lo que no conseguía un grupo desde 2008, de ahí que lejos de conformarse ahora también buscan seguir los pasos de artistas como Andrés Calamaro, quien supo conquistar al público español.

La comunidad expatriada siempre ha sido la gran aliada a la hora de cruzar el charco, algo que La Beriso, formada por Rolo Sartorio en voz, Pablo Ferradas y Emiliano Mansilla en guitarras, Javier Pandolfi en batería, Ezequiel Bolli en bajo, el Conde Kug en teclados y Pablo Puntoriero en saxos, hizo por segunda vez en este año, tras tocar en junio con Loquillo en Pamplona.

Además de completar aforo en la sala Moby Dick de Madrid y en el Razzmatazz de Barcelona, la fugaz e intensa gira los llevará este jueves al festival “Arenal Sound” de Castellón, con una asistencia de 60.000 personas diarias, y cerrarán en La Trinchera, en Málaga.

Sobre lo que supone esta experiencia y el desafío de buscar nuevos rumbos, de la esencia de su proyecto y de los planes de futuro, Sartorio charló en el “backstage” de la sala Razzmatazz.

¿Después de la consagración en River, cómo afrontas el hecho tener que volver a empezar en un país donde no te conocen, tocando otra vez en una sala para un centenar de personas?

“La verdad que está bueno, es como empezar de nuevo, los show son parecidos a los comienzos nuestros, cuando la gente se iba caliente, contenta, te das cuenta cuando salís que el show les gustó, y eso es lo que queremos. Estuvimos en México, Colombia, Chile, acá en junio, y es un desafío lindo.

¿Aquí el público no los conoce, salvo la comunidad argentina, te planteas algo diferente?

Uno transmite lo mismo, nosotros no somos una banda que solo habla de Argentina, de cosas que solo entienden los argentinos por la forma en que tenemos de hablar. Creemos que en países como España La Beriso puede funcionar porque las letras son conmovedoras, son reales, y ellos lo sienten, los chicos lo sienten.

El disco “Pecado Capital” está producido por Armando Ávila, ganador de múltiples Grammys, y reconocido por trabajar con David Bisbal y Alex Ubago, entre otros. ¿Es responsable de que hayan dejado el rock más visceral y ahora sean más aptos para todo público?

Creo que este es quizás el disco más rockero de todos, porque Armando Ávila se conoce como un productor pop pero también trabajó con Steven Tyler, de Aerosmith. Él quería hacer rock, y lo que hicimos es bien rockero, con mucha guitarra.

¿Pero fue un antes y un después en la relación con el público?

Para mí no, todos los discos fueron generando como un edificio, primero un piso, después el otro, y el otro. Quizás el disco bisagra fue Historias, aunque los discos anteriores hicieron mucho para que cuando llegara Historias tuviera un camino más abierto, y cuando llegó Pecado Capital tuvo definitivamente otro lugar.
Pecado Capital es el mejor disco grabado, pero Historias fue la explosión de la banda porque fue cuando empezamos a hacer estadios, y tocar en lugares grandes. Los demás discos fueron grabados con poca plata, pero tienen canciones hermosas y en vivo suenan igual que las otras.

¿Cuál es entonces la fórmula para conectar con las masas?

Las letras. Uno escribe de momentos de su vida en los que lo ha pasado mal y la gente se siente identificada. Y bueno, mientras una canción te haga pasar por varios momentos, o te deja tan sensible que a veces ves en el púbico gente que llora, y ahí creo que ya está. Estoy completamente seguro de que es eso.

¿Y componés siempre desde el mismo lugar?

Siempre compongo desde mi propio lugar, cosas que me pasan, que veo, cosas que conozco, historias de gente conocida, suelo ver muy poca TV, los diarios menos, pero en algunos noticieros ves algo que conmueve y bueno, de ahí también sale una canción.

En los últimos discos se metieron de lleno en la tradición de la canción rockera argentina ¿Se puede tener éxito en la escena rock de Argentina sin hacer reivindicación social?

Cada banda tiene su conexión de distinta manera, hay algunas que hacen rock and roll y es divertido, y tiene esa conexión con su público, tiene su propia identidad. No hay una fórmula. Pero es verdad que al público argentino le gusta la protesta, desahogarse, pero cada público es destino. No me siento incómodo cuando dicen que hacemos rock callejero, nosotros sabemos que hacemos canciones y nada más, no le damos bola a los rótulos.

¿En Argentina el rock se hace distinto?

Argentina es un país que produce muchas bandas, de rock, pop, pero no creo que sea mejor que otros, cada país tiene su estilo, y cuando van españoles a la Argentina los lugares también se llenan. Nosotros lo que hacemos es puro sentimiento, no de argentinos hacia argentinos, sino de una persona hacia otra persona. Hay canciones de cosas que pasan en Argentina, pero también en toda Latinoamérica y en todos lados.

¿Qué les decís a los que se sorprenden del éxito de La Beriso después de tantos años?

Vamos a cumplir 20 años y que nos digan que recién llegamos, que somos nuevos, me gusta, porque significa que todavía tenemos un montón de margen de público para que nos conozcan y seguir creciendo. De hecho está bueno. El éxito no nos cambia. Desde el año 2000, cada año que paso siempre fue mejor, pero sabemos que metimos mucho sacrificio, nuestra familia nos acompañó todo el tiempo. Cuando La Beriso ni existía, y teníamos que ir a tocar la playa, entonces todos estaban ahí, no fue solo un salto.

¿Cuál es la clave para seguir juntos?

Respetarnos. Obviamente hay discusiones cuando uno grita el resto se calla, todos se pueden enojar, el resto tratamos de escucharlos. Somos amigos, muy amigos, nos divertimos, en la gira lo pasamos bien, si hay uno de mal humor, el resto lo tiene que aguantar hasta que se le pase, y ahí arranca el otro, estamos acostumbrados.

El rock argentino está marcado por la tragedia -Cromañón, más recientemente el concierto del Indio Solari en Olavarría- ¿Cómo los marcó a ustedes? ¿Es difícil manejar la euforia del público?

Nosotros prestamos mucha atención al lugar donde tocamos, tratamos que la gente esté cómoda y acostumbrarlos a que si las entradas se agotan que no vengan. En cuanto a la euforia, lo venimos luchando desde hace años, que había lío y frenábamos el show, y los acomodábamos, pero luego eso desapareció, no tuvimos más problemas de ese tipo.

Estando en el extranjero todo esto es distinto, pero el público espera con ansiedad…

Cuando venís a otro país las caras de felicidad de los que estaban esperando te motivan, igual que ver gente nueva que canta tus canciones. Al que no me conoce lo miro a los ojos y le canto, trato de que entienda lo que estoy diciendo, y que le guste la canción. Es un gran desafío. Ahora tocamos en lugares que no habíamos pensado, como Razzmatazz -por aquí pasaron numerosas bandas que se consagraron-, y esperamos volver en febrero o marzo.

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Música

La agrupación Izcunigo presenta su álbum “Delta”

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Izcunigo, la agrupación/dúo conformada por Leonardo Marconi e Ignacio Oroná, presenta su disco “Delta”. Se trata de la primera obra discográfica de este grupo que se presenta en formato trío con diferentes músicos invitados en cada ocasión.

La presentación oficial del álbum será en vivo el sábado 11 de junio a las 21 en Bargoglio, sala de calle Bacacay 2414 de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires (reservas al 11 5057-5547, entradas en http://www.bargoglio.com.ar).

En la ocasión, Marconi y Oroná estarán acompañados por el contrabajista Hernán Maiza y el cantante invitado Enzo Pinto.

Ignacio Oroná y Leonardo Marconi (PH: Pablo Zotalis)

Sobre Izcunigo

Izcunigo fue creado por Leonardo Marconi e Ignacio Oroná en el año 2020 (en pleno contexto de pandemia). La formación se creó con la intención de “aportar una mirada original y propia sobre la música del tango”.

Ambos artistas convergieron en este proyecto después de una larga trayectoria propia que los llevó por diferentes agrupaciones, aportando cada uno su bagaje personal y musical al encuentro.

El nombre Izcunigo fue inventado por los artistas y lleva en su raíz una leyenda urbana: “El Izcunigo es un pájaro que habita el estuario interior del Delta fluvial del Río de la Plata. En su transcurrir forma y convive con grandes comunidades de su misma especie en donde todo el clan se va turnando para vigilar atentamente su hábitat ante posibles amenazas. Es un ave muy veloz que se alimenta, sin morir, de animales venenosos como el escorpión, las víboras y todos los seres temibles y estancados del inframundo que bien podría ser cualquiera de nuestros mundos”.

Acerca de “Delta”

“Delta” es la primera obra discográfica de Izcunigo. Reúne un repertorio de diez obras instrumentales. De una manera muy original y diferente a lo que suele pasar al decidir grabar un disco, en este caso, el primer paso fue concebir un formato de trío especialmente para la grabación e invitar a un músico contrabajista que se sume al dúo para ello.

Así participaron tres contrabajistas diferentes en distintas obras del repertorio. Luego de ello se escribieron los arreglos a los que cada miembro aportó su arte y así se grabó el álbum, en ciclos progresivos de a tres obras por vez hasta completar el resultado final.

La concepción musical se inspiró en la sonoridad histórica que tienen en el tango argentino las formaciones de trío.

El nombre del disco fue tomado de uno de los títulos de las obras del repertorio. Surge de una suite de tangos inédita al momento, compuesta por Oroná. Es una suerte de homenaje al Delta del Tigre, un lugar que convoca, inspira reflexiones, búsquedas, hallazgos, y en ese sentido se asemeja a la atmósfera y concepto de este nuevo disco.

(Fuente: Alicia Gubitsch – Prensa)

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Música

Hace 50 años moría Tanguito y nacía el primer gran mito del rock argentino

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Por Hernani Natale (*)

Con apenas un lustro de vida, el rock argentino ya iba a contar con un mártir que le permitiría construir su primer gran mito, cuando el 19 de mayo de 1972 un tren lo arrolló en Puente Pacífico a José Alberto Iglesias, un joven de 26 con una salud física y mental minada por las drogas y los electroshocks recibidos en el Instituto Borda, de donde se había escapado, pero que años atrás, bajo el seudónimo de Tanguito había sido parte de un grupo de artistas que dio vida al movimiento local.

La coautoría con Litto Nebbia de “La balsa”, el primer gran éxito del rock argentino; algunas leyendas forjadas a su alrededor y la escasez de registros fonográficos le confirieron a este artista el aura misteriosa necesaria que, sumado a algunos “malentendidos” que se reprodujeron y ganaron entidad gracias a un polémico filme, conformaron un relato épico que convirtió a Tanguito en un símbolo de la incomprensión y la rebeldía.

Aunque no se produjo de manera inmediata a su muerte e hizo falta un guion novelesco que lo imbuyera de sentido -en base a inexactitudes o verdades a medias-, Tanguito fue erigido como la personificación del espíritu libre, combativo, rebelde, talentoso e indoblegable que guio los inicios de la cultura rock local.

La contraposición de esta construcción con los relatos de quienes conocieron al artista expone algunas contradicciones que llenan de preguntas a quienes optaron por la literalidad de lo mítico. ¿Fue Tanguito un genio o hubiera sido incapaz de escribir una canción sin ayuda? ¿Era un rebelde o simplemente tenía conductas temerarias por el consumo de drogas? ¿Fue un perseguido? ¿Fue una víctima por no haberse doblegado ante el sistema?

“Esas preguntas son las preguntas. Yo sinceramente creo que no tienen respuesta. Lo que sí me parece, en el marco de que todo es una gran figura, que hay lugar para esta idea que yo digo que los ’60 en la Argentina se terminaron en mayo de 1972, cuando el tren lo mato a Tanguito. Esos años 60 de los colores, la minifalda, la píldora anticonceptiva y Bob Dylan terminaron ese día en la Argentina”, aventuró a la agencia de noticias Télam el periodista Víctor Pintos, autor de “Tanguito, la verdadera historia”, la más completa investigación sobre la vida del mítico artista.

A la hora de ensayar una definición sobre la real dimensión que tiene Tanguito en la historia del rock argentino, el periodista graficó: “Con ‘La balsa’ es como si le hubiera dado la pelota a Maradona el día del gol a los ingleses. No hizo el gol. El gol lo hizo Litto Nebbia, pero el que le dio la pelota fue Tanguito“.

Lo que el autor de la biografía del artista sí pudo certificar es que “Tanguito es mito porque un tren lo mató a los 26 años, sobre todo en una ciudad como Buenos Aires, que es tan propensa a comprar figuras míticas”. “Pero el rock –añadió- tiene en Tanguito a un Gardel, solo que nunca hizo películas en EEUU”.

Tango significa distintas cosas para distintas personas, típico como ocurre con cualquier héroe o figura, que la gente pone sus cosas en ellos. Entonces, para mucha gente, Tango es la verdadera alternativa, el único que no se vendió. Se explotó esa idea que no es real”, advirtió a Telam su amigo Pipo Lernoud, actor central de los inicios del rock argentino.

En tal sentido, el periodista, poeta y activista planteó algunos matices a las distintas características que conforman la leyenda de Tanguito, aunque no por ello le restó importancia al impacto de su obra en los inicios del rock argentino.

Tango es muy importante. No hay Litto sin Moris, no hay Moris sin Tango y no hay Litto sin Tango, porque los tres se influenciaron”, reveló Pipo, quien también advirtió que “hablaba poco, no leía nada, no era experto en música, así que las cosas que le gustaban las absorbía y listo”.

A la hora de hablar de sus características como músico, recordó que “no armaba los temas, tocaba todo el tiempo la guitarra e improvisaba, las canciones no empezaban ni terminaban, y le costaba mucho armar un repertorio para tocar en público”.

Protagonista de esa escena, el periodista y poeta señaló los elementos que considera que distorsionaron la historia de Tanguito, al servir de base para construir un relato en donde se lo ubica como el único de aquel movimiento que no negoció con una discográfica, fue fiel a sus principios, y eso le valió la traición de sus amigos y el escarmiento del sistema.

Allí lamentó que en una de las pocas grabaciones conocidas de Tanguito aparezca la voz de Javier Martínez recordándole que fue el autor de “La balsa”, lo que fue interpretado por muchos como un “pase de factura” a Litto Nebbia por la celebridad alcanzada a partir de esa canción. Pero fundamentalmente apuntó contra la exitosa película “Tango feroz”, de 1993, dirigida por Marcelo Piñeyro, inspirada en la vida del mítico artista.

“Ese disco hizo mucho mal porque Javier dijo eso para convencerlo que cante. Hoy confiesa que cometió el error de no haber dicho ‘junto a Litto Nebbia‘, porque por eso todo el mundo está convencido que el que compuso ‘La balsa’ fue Tanguito y Litto se la robó; cuando Litto nunca negó la coautoría de Tanguito“, recalcó.

Y continuó: “Esa es una cosa absurda que formó parte de esta construcción que hizo después la película de ‘pobre Tanguito, un tipo bueno que nadie lo quería y lo usaron’. Hicieron una distorsión como que todos los tipos que lo rodearon se convirtieron en unos comerciantes que lo traicionaron. ¿Dónde viste a Moris, a Litto o a Javier Martínez venderse? ¡Jamás! Todos han mantenido una carrera independiente y no son tipos que hayan tenido grandes éxitos comerciales”.

A pesar de todo, Pipo Lernoud se animó a arriesgar una definición sobre Tanguito y consideró que su derrotero final podría haberse evitado en un país que tuviera planes de contención en vez de castigar al adicto.

“Tenía una personalidad bastante sufrida. Había tratado todo el tiempo de vivir en Londres siendo un chico de Caseros City, como decía él. Se hacía la película que era uno de los Kinks o Donovan y entonces representa de alguna manera el tipo que vive en su propio mundo”, graficó Lernoud.

Y remató: “Estábamos en dictadura, un país muy duro que nos perseguía. El sistema destruyó a Tanguito porque el sistema es muy duro para tipos sensibles y Tanguito era un tipo muy sensible”.

(*) Agencia de noticias Telam

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Llega “Pachakuti”, nuevo disco de Manolo Salguero

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El cantante Manolo Salguero presenta “Pachakuti”, segunda obra discográfica autoral del también compositor y productor musical tucumano.

“Siento que este álbum es lo mejor que pude dar y entregar de mí hasta este momento, representa un paso más en el camino y en mi búsqueda personal de lo esencial. Todos los pasos y decisiones tomadas han hecho que me encuentre hoy aquí, en este lugar hermoso y musical que disfruto, agradezco y deseo compartir. Todo mi recorrido ineludiblemente tiene como resultado este Pachakuti”, sostiene el artista respecto de su nueva obra.

Pachakuti significa revolver el tiempo, en un doble sentido: perderse en el tiempo viejo y renovarse en el tiempo nuevo. Eso en la cosmovisión andina es como planificar y modelar, dar forma a un futuro que traerá ineludiblemente elementos recurrentes del pasado pero de una forma nueva y diferente”, sostiene el comunicado promocional del trabajo de Salguero, quien a la vez concluye: “Me parece que el disco es exactamente eso”.

La nueva propuesta del músico tucumano reúne ocho canciones, una de la autoría total de Salguero, dos en coautoría con Luciano Aragón, otra con Hernán Bolletta, dos recopilaciones inéditas de Doña Celia Segura de Andrade (coplera Amaicheña), una de Nancy Pedro y otra de Leopoldo Deza.

Asimismo, se destaca que el álbum cuenta con la producción de Javier Nadal Testa.

Sobre el disco

Desde el año 2010 Manolo Salguero se dedicó al estudio, la investigación y la participación de expresiones musicales y culturales de los pueblos auténticos con sus costumbres ancestrales y tradiciones comunitarias. Trabajó en la recopilación de audios y videos de espacios compartidos, colectivos y comunes con presencia y constancia forjando así, un estrecho lazo con diversas familias de cantoras, cantores, comuneras y comuneros en algunos territorios de Tucumán y Catamarca.

“Desde esa experiencia vivida es que comienza a gestarse en Manolo, su proceso creativo, su intención de sonar, cantar y decir y crear este álbum experimental dedicado a la música ancestral de los Valles Calchaquíes con nuevas sonoridades”, se afirma respecto del trabajo del artista.

Asimismo se sostiene que “aunque en los orígenes compositivos de Salguero habita la música de raíz folklórica, la concepción sonora de este disco no se limita en las barreras que imponen los géneros”.

El propio Salguero declaró: “Las canciones de mi autoría, si bien tratan de diferentes cosas, vienen del mismo lugar: de lo sensorial, de lo que me pasa con algunas personas, situaciones, percepciones del tiempo que vivimos. Son como una pequeña ventana hacia adentro. La composición es algo nuevo en lo que encuentro alivio. Uno saca cosas que tiene guardadas y, al cantarlas te desnudas ante los ojos de quien escucha. Es aterrador pero al mismo tiempo sanador. Las canciones elegidas están porque junto a las mías arman la urdimbre de lo que me viene atravesando y moviendo las fibras del cuerpo, el canto con caja, su historia, la vida y la música, la música y la vida como un todo en esta expresión”.

(Fuente: Alicia Gubitsch – Prensa)

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