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Música

La Beriso, íntimos y efervescentes en su gira por España

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El esfuerzo trae recompensa para Rolo Sartorio, el líder de La Beriso, la banda de rock argentina de mayor crecimiento en los últimos tiempos, que se encuentra de gira por España, donde el fin de semana revivió sus comienzos “bien desde abajo”, con shows íntimos y efervescentes en la sala Moby Dick de Madrid y la emblemática Razzmatazz de Barcelona.

Los de Avellaneda viajan por tierras españolas en combi, duermen mal, pero el cansancio no es una excusa porque siguen dispuestos a arriesgar, porque creen en el proyecto que vienen construyendo desde hace casi 20 años.

“De lo que se trata es de abrir nuevas puertas, hacer lo que hicieron en otro momento otras bandas argentinas que salían afuera. Nosotros lo estamos intentando, sabiendo que es todo bien desde abajo, muy de abajo”, subrayó Sartorio en entrevista con la corresponsal de la agencia de noticias Télam, Cecilia Guardati, en Barcelona.

Rolo Sartorio, el líder de La Beriso

En Argentina se consagraron como uno de los grupos locales con mayor capacidad de convocatoria tras llenar el Estadio del Club Atlético River Plate en diciembre de 2016, en la presentación de “Pecado Capital”, el noveno álbum de su carrera y el sexto de estudio, producido por el mexicano Armando Ávila.

Emergentes del ghetto del rock barrial, La Beriso había mostrado ya su potencial con una seguidilla de shows en el Luna Park, y cerrando el 2015 en el Estadio Único de La Plata ante más de 40.000 personas y en 2016 en el mismo marco como banda soporte de The Rolling Stones.

Pero abarrotando el estadio de Núñez lograron lo que no conseguía un grupo desde 2008, de ahí que lejos de conformarse ahora también buscan seguir los pasos de artistas como Andrés Calamaro, quien supo conquistar al público español.

La comunidad expatriada siempre ha sido la gran aliada a la hora de cruzar el charco, algo que La Beriso, formada por Rolo Sartorio en voz, Pablo Ferradas y Emiliano Mansilla en guitarras, Javier Pandolfi en batería, Ezequiel Bolli en bajo, el Conde Kug en teclados y Pablo Puntoriero en saxos, hizo por segunda vez en este año, tras tocar en junio con Loquillo en Pamplona.

Además de completar aforo en la sala Moby Dick de Madrid y en el Razzmatazz de Barcelona, la fugaz e intensa gira los llevará este jueves al festival “Arenal Sound” de Castellón, con una asistencia de 60.000 personas diarias, y cerrarán en La Trinchera, en Málaga.

Sobre lo que supone esta experiencia y el desafío de buscar nuevos rumbos, de la esencia de su proyecto y de los planes de futuro, Sartorio charló en el “backstage” de la sala Razzmatazz.

¿Después de la consagración en River, cómo afrontas el hecho tener que volver a empezar en un país donde no te conocen, tocando otra vez en una sala para un centenar de personas?

“La verdad que está bueno, es como empezar de nuevo, los show son parecidos a los comienzos nuestros, cuando la gente se iba caliente, contenta, te das cuenta cuando salís que el show les gustó, y eso es lo que queremos. Estuvimos en México, Colombia, Chile, acá en junio, y es un desafío lindo.

¿Aquí el público no los conoce, salvo la comunidad argentina, te planteas algo diferente?

Uno transmite lo mismo, nosotros no somos una banda que solo habla de Argentina, de cosas que solo entienden los argentinos por la forma en que tenemos de hablar. Creemos que en países como España La Beriso puede funcionar porque las letras son conmovedoras, son reales, y ellos lo sienten, los chicos lo sienten.

El disco “Pecado Capital” está producido por Armando Ávila, ganador de múltiples Grammys, y reconocido por trabajar con David Bisbal y Alex Ubago, entre otros. ¿Es responsable de que hayan dejado el rock más visceral y ahora sean más aptos para todo público?

Creo que este es quizás el disco más rockero de todos, porque Armando Ávila se conoce como un productor pop pero también trabajó con Steven Tyler, de Aerosmith. Él quería hacer rock, y lo que hicimos es bien rockero, con mucha guitarra.

¿Pero fue un antes y un después en la relación con el público?

Para mí no, todos los discos fueron generando como un edificio, primero un piso, después el otro, y el otro. Quizás el disco bisagra fue Historias, aunque los discos anteriores hicieron mucho para que cuando llegara Historias tuviera un camino más abierto, y cuando llegó Pecado Capital tuvo definitivamente otro lugar.
Pecado Capital es el mejor disco grabado, pero Historias fue la explosión de la banda porque fue cuando empezamos a hacer estadios, y tocar en lugares grandes. Los demás discos fueron grabados con poca plata, pero tienen canciones hermosas y en vivo suenan igual que las otras.

¿Cuál es entonces la fórmula para conectar con las masas?

Las letras. Uno escribe de momentos de su vida en los que lo ha pasado mal y la gente se siente identificada. Y bueno, mientras una canción te haga pasar por varios momentos, o te deja tan sensible que a veces ves en el púbico gente que llora, y ahí creo que ya está. Estoy completamente seguro de que es eso.

¿Y componés siempre desde el mismo lugar?

Siempre compongo desde mi propio lugar, cosas que me pasan, que veo, cosas que conozco, historias de gente conocida, suelo ver muy poca TV, los diarios menos, pero en algunos noticieros ves algo que conmueve y bueno, de ahí también sale una canción.

En los últimos discos se metieron de lleno en la tradición de la canción rockera argentina ¿Se puede tener éxito en la escena rock de Argentina sin hacer reivindicación social?

Cada banda tiene su conexión de distinta manera, hay algunas que hacen rock and roll y es divertido, y tiene esa conexión con su público, tiene su propia identidad. No hay una fórmula. Pero es verdad que al público argentino le gusta la protesta, desahogarse, pero cada público es destino. No me siento incómodo cuando dicen que hacemos rock callejero, nosotros sabemos que hacemos canciones y nada más, no le damos bola a los rótulos.

¿En Argentina el rock se hace distinto?

Argentina es un país que produce muchas bandas, de rock, pop, pero no creo que sea mejor que otros, cada país tiene su estilo, y cuando van españoles a la Argentina los lugares también se llenan. Nosotros lo que hacemos es puro sentimiento, no de argentinos hacia argentinos, sino de una persona hacia otra persona. Hay canciones de cosas que pasan en Argentina, pero también en toda Latinoamérica y en todos lados.

¿Qué les decís a los que se sorprenden del éxito de La Beriso después de tantos años?

Vamos a cumplir 20 años y que nos digan que recién llegamos, que somos nuevos, me gusta, porque significa que todavía tenemos un montón de margen de público para que nos conozcan y seguir creciendo. De hecho está bueno. El éxito no nos cambia. Desde el año 2000, cada año que paso siempre fue mejor, pero sabemos que metimos mucho sacrificio, nuestra familia nos acompañó todo el tiempo. Cuando La Beriso ni existía, y teníamos que ir a tocar la playa, entonces todos estaban ahí, no fue solo un salto.

¿Cuál es la clave para seguir juntos?

Respetarnos. Obviamente hay discusiones cuando uno grita el resto se calla, todos se pueden enojar, el resto tratamos de escucharlos. Somos amigos, muy amigos, nos divertimos, en la gira lo pasamos bien, si hay uno de mal humor, el resto lo tiene que aguantar hasta que se le pase, y ahí arranca el otro, estamos acostumbrados.

El rock argentino está marcado por la tragedia -Cromañón, más recientemente el concierto del Indio Solari en Olavarría- ¿Cómo los marcó a ustedes? ¿Es difícil manejar la euforia del público?

Nosotros prestamos mucha atención al lugar donde tocamos, tratamos que la gente esté cómoda y acostumbrarlos a que si las entradas se agotan que no vengan. En cuanto a la euforia, lo venimos luchando desde hace años, que había lío y frenábamos el show, y los acomodábamos, pero luego eso desapareció, no tuvimos más problemas de ese tipo.

Estando en el extranjero todo esto es distinto, pero el público espera con ansiedad…

Cuando venís a otro país las caras de felicidad de los que estaban esperando te motivan, igual que ver gente nueva que canta tus canciones. Al que no me conoce lo miro a los ojos y le canto, trato de que entienda lo que estoy diciendo, y que le guste la canción. Es un gran desafío. Ahora tocamos en lugares que no habíamos pensado, como Razzmatazz -por aquí pasaron numerosas bandas que se consagraron-, y esperamos volver en febrero o marzo.

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“Las letras ya no importan”, el nuevo disco de Residente

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El rapero puertorriqueño Residente (René Pérez Joglar) difundió en plataformas digitales su nuevo álbum “Las letras ya no importan”, que incluye veinte canciones que ha compuesto en los últimos siete años.

El álbum está repleto de colaboraciones musicales: entre ellas, con los raperos Busta Rhymes, Big Daddy Kane y Vico C (pionero puertorriqueño del reguetón) y los cantantes Rauw Alejandro y Christian Nodal. Se sumerge en el rock, el hip-hop de la vieja escuela, el flamenco, el son cubano, la música palestina, el electro y -en tono de burla- el pop.

En la semana había lanzado el tema “313”, con la participación de la actriz española Penélope Cruz y la voz flamenca de Silvia Pérez Cruz.

El álbum también incluye una canción crítica hacia el gobierno cubano, “En talla”, registrada junto al rapero Aldo Roberto Rodríguez Baquero, más conocido como “Aldo El Aldeano“. La letra, además de los cuestionamientos políticos, reivindica la relación entre Cuba y Puerto Rico.

“Las letras ya no importan” es el segundo álbum solista de Residente, tras su disco debut en 2017. Desde entonces evolucionó desde el rap hacia los géneros globales.

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Mundo

Diez años de la muerte de Paco de Lucía: la guitarra que cambió al mundo

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Por Mariano Suárez (*)

Diez años pasaron de la muerte de Paco de Lucía: no hay disidencias -las hubo- sobre su influencia transformadora en la guitarra, el flamenco y la música toda; en cambio, no parece haber manera de establecer con más sustantivos que adjetivos el alcance de esa transformación, tal vez porque no ha terminado.

Los estudios y ensayos biográficos sobre Paco de Lucía son todavía pocos en relación con la fuerza de obra (se acaban de publicar dos libros en España, ninguno disponible en Argentina) y ha sido un hombre austero en declaraciones y apuntes de vida; por lo que, en principio, luce sencillo reducir su vida, bajo la modalidad periodística, a una secuencia de episodios más o menos representativos. Pero su música es más inasible.

“El flamenco antes de Paco era un señor gordo con sombrerito en una silla de madera y con una copa de vino”, afirma Manuel Escacena, uno de sus recientes biógrafos.

La sentencia y la imagen, tentadoras, simpáticas, son por lo menos incompletas. Cuando no falsas.

El guitarrista que murió en Playa del Carmen, México, el 25 de febrero de 2014, expandió el flamenco, lo universalizó, desarrolló una conexión con el jazz, enseñó al mundo una manera de tocar la guitarra que nadie había descripto en ningún manual, pero a la vez aprendió de la legendaria oralidad de la música flamenca, que atrapó desde niño.

Si bien en la década del ’70 y ’80 su irrupción lo ubicaba -¿acaso podía ser visto de otra manera?- como un desplazamiento de las raíces puras de esa tradición-; su guitarra fue durante un tiempo hija de esa escuela con diferentes maestros, algunos bastante evidentes (Niño Ricardo, Sabicas).

Otra narrativa errónea lo ubica como un guitarrista liberado a la improvisación que, es cierto, cuando comenzó era una extrañeza en el flamenco. Al contrario: Paco de Lucía es la expresión de la mirada cartesiana, la concepción científica de la música. La intuición la llevaba sola desde niño.

Aprendió a tocar en su casa de Algeciras, en Cádiz, gracias a su padre. La guitarra no era un entretenimiento. Su padre Antonio, también guitarrista aficionado, descubrió temprano el talento de su hijo y desde el primer día tuvo un plan para hacer él el mejor guitarrista que haya pisado la tierra. Como Leopold Mozart, con sus hijos Wolfgang y María Anna.

Paco nació el 21 de diciembre de 1947 en el popular barrio de La Fuensanta. Fue el menor de los cinco hijos de Lucía Gomes Gonçalves, “La Portuguesa“, y de Antonio Sánchez Pecino.

La universalización de su música responde a un hecho claro. El suceso de la rumba “Entre dos aguas”, incluida en el álbum “Fuente y Caudal”, su cuarto disco solista, en 1973.

Su interpretación, con un compás acentuado, era poco convencional. Es resultado de una improvisación sobre el tema “Rumba improvisada”, un tema de un disco que había publicado dos años antes. “Me siento libre con las rumbas, no tienen tradición y puedes hacer lo que quieras con ellas”, dijo.

Su éxito como guitarrista alteró la forma de interacción en el cante flamenco: los “inmovilistas” consideraban al instrumentista un mero acompañante del cantaor (la expresión usual para acotar su función era la de “banderillero”. No aparecían en los créditos y muchas veces tampoco cobraban. Aquello cambió para siempre.

Si el flamenco es el canto a la desesperación, al desconsuelo al dolor irredento, nadie lo expresó como José Monge Cruz, conocido como “Camarón“.

Grabaron juntos nueve discos entre 1967 y 1977 (antes cantaba en sus discos el hermano de Paco, Ramón de Algeciras) y tres más en los que también se incorporó el guitarrista Tomatito. Hubo una discusión sobre una disputa de derechos de autor, pero que no alcanzó a alterar aquella hermandad.

En 1975, Paco actuó en el Teatro Real de Madrid e inició una tanda de conciertos junto a Carlos Santana y a Al Di Meola, en 1977. En 1980 participó también en los conciertos ofrecidos por John McLaughlin y Chick Corea. La riqueza del flamenco era un manantial para aquellos que exploraban sobre las raíces negras de la música estadounidense.

“Siroco” (1987) fue, tal vez su último hito. El aquel tiempo coleccionaba elogios indiscriminados: fue considerado un álbum perfecto.

Tuvo un matrimonio de 20 años con Casilda Varela. En México, su refugio en el mundo de los últimos años, y conoció a Gabriela Canseco, una restauradora mexicana, con quien se casó. Con Casilda tuvo tres hijos y con Gabriela dos.

Paco falleció de un infarto de miocardio en Playa de Carmen. Se público un disco póstumo, “Canción andaluza”.

Una vez el poeta Félix Grande dijo que de la música de Paco de Lucía que tenía una soledad tumultuosa, una bravura radical, una impetuosa pena y una serenidad dramática.

Siguen faltando sustantivos. Cambió al mundo, pero todavía no sabemos contarlo bien.

(*) Agencia de noticias Telam.

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Música

“El momento es ahora”, el nuevo EP de Sonido Primario

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“El momento es ahora” es el nuevo material discográfico de la banda porteña Sonido Primario, enmarcado en un doble lanzamiento que incluye este primer EP aparecido el 16 de febrero pasado y un segundo EP llamado “Lados B” que estará disponible próximamente.

“El momento es ahora” incluye cuatro tracks que abordan principalmente el rock como lo concibe Sonido Primario: “Una conjunción de melodías, de canciones que se pegan al oído junto con el poder del rock and roll. Guitarras al frente, estribillos pegadizos, armonías vocales, distorsión y pasión, todo esto siempre al servicio de la canción”.

Ficha técnica

  • Producido por Andrés Muras.
  • Ingeniero de sonido mezcla y master: Facundo Campi.
  • “El momento es ahora” estuvo grabado, mezclado y masterizado entre abril y mayo de 2022 en estudios Kimono.
  • Canciones: 1)  Creer – 2) Nadie te va a esperar – 3) Bienvenidos a Buenos Aires – 4) Superstar.

La banda

  • Jorge Repp (voz).
  • Andrés Muras (guitarra y voz).
  • Mauro Elías (bajo).
  • Wilfredo Suárez (batería).

Sonido Primario es una banda de rock proveniente de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Formada en 2020, sus integrantes han pasado por diversas bandas en el pasado, confluyendo todos sus caminos en esta agrupación que engloba pasión por la música y amistad.

Preocupados en encontrar un sonido pulcro, preciso, pero sin dejar de lado las raíces rockeras de todos sus integrantes, la búsqueda de la melodía, la armonía, conjuntamente con lograr plasmar la pasión y la energía del rock más primario, son el objetivo del grupo.

El estilo de la banda está influenciado por las melodías del brit rock y la fuerza y vigor del hard rock. Entre las influencias más fuertes de Sonido Primario están el brit rock de Oasis, y reminiscencias de hard rock al estilo Foo Fighters, todo esto junto con coletazos del punk de Arctic Monkeys.

Escuchá “El momento es ahora”:

(Fuente: Lucas Seoane – Prensa)

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Propietaria/Directora: Andrea Viveca Sanz
Domicilio Legal: 135 nº 1472 Dto 2, La Plata, Provincia de Buenos Aires
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