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Entrevistas

“El teatro se convirtió en la mejor ventana del mundo, para crear, comprender, transformar los aspectos más difíciles”

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Por Andrea Viveca Sanz (@andreaviveca) /
Edición: Walter Omar Buffarini //

Hay un regreso, una vuelta hacia atrás, pasos en el mundo de la infancia. Memorias, adentro y afuera, conectadas por una palabra insonora, encuentran el lenguaje más allá del lenguaje. Y una ventana que se abre, como si nunca hubiera estado cerrada: los ojos escuchan el sonido de las manos.

Decile que soy francesa es una obra que habla del mundo de los sordos, de aquello que los ojos son capaces de escuchar, de otros lenguajes como vías de comunicación con el mundo de afuera.

Escrita y actuada por Gabriela Bianco y codirigida por Daniel Cinelli, la obra cuenta una historia de vida surgida de las vivencias de la actriz.

En diálogo con ContArte Cultura, la autora cuenta la experiencia de narrar y actuar su propia vida.

—Comencemos esta charla poniendo la mirada en las “ventanas de nuestros cuerpos”: los órganos de los sentidos. Por distintos motivos puede ocurrir que una de esas ventanas se encuentre cerrada. Y si esto sucediera, seguramente se interrumpiría una de las vías de comunicación con el mundo de afuera. Pero el cuerpo siempre encuentra nuevas maneras de percibir ese afuera, otros lenguajes para comunicarse. A modo de presentación y a partir de tus propias vivencias, ¿cómo se logra atravesar las “ventanas cerradas”?

—En verdad no hubo ventanas cerradas para mí. Probablemente esas ventanas del oír que mis padres no abrieron nunca se transformaron en doble mundo para mí, porque en casa los ventanales estaban en los ojos: oír por todos y ver para hablar y crear imágenes a partir del movimiento. Me gusta trabajar con el concepto de ideograma físico cuando pienso en la poética de la lengua de señas, esa lengua herencia que ha nutrido mi vida y mi trabajo en la escena.

—Justamente a partir de esas experiencias, de lo que viviste, fuiste haciendo distintos recorridos con el lenguaje, ¿de qué manera surge tu vínculo con el teatro?

—Ya a los 16 años me acerqué a un taller que había en el Centro Cultural San Martín. Luego a otro y a otro. Creo que se trababa más bien de encontrar un canal para transformar mi propia realidad. El teatro como rito, como tiempo fuera del tiempo, un cierto espíritu religioso que me acompaña desde toda la vida me instaló ahí, para siempre. Si bien no fue lo único que hice, el teatro se convirtió en la mejor ventana del mundo, siguiendo tu metáfora, para comprender, crear, transformar los aspectos más difíciles, tanto personales como colectivos.

—¿Qué aportes de la antropología teatral te ayudan a construir las escenas de tus obras?

—La antropología teatral me ayudó a confiar en que la lengua de señas contiene potencialmente un lenguaje artístico singular, una forma no cotidiana que se acerca a la energía de la acción escénica. La aplicación de sus principios, el contacto a través de mi participación en la ISTA (Internacional School of Theatrical Antropologhy) en el año 2000 con formas de teatro codificadas tanto de Oriente como de Occidente, terminaron de dar impulso y forma a la experimentación teatral. Ya en 1999 realicé un espectáculo sobre Isadora Duncan totalmente codificado, y en un lenguaje cercano al teatro danza. 

—Hablemos de “Decile que soy francesa”, una obra que codirigís con el actor y productor Daniel Cinelli, ¿cómo y cuándo surge el germen de este proyecto?

—Hace años que le doy vuelta a la posibilidad de realizar un espectáculo inspirado en las vivencias de las y los hijos de personas sordas. Estuve un buen tiempo para concretar un primer texto. No me cerraba, un poco por descreer que pudiera ser una historia interesante para el público en general y otro poco por pudor. Trabajar elementos biográficos en un giro de ficción no es sencillo (aunque ahora se haya puesto un poco de moda todo esto de las biopic, el biodrama, el teatro documental). Quería construir una historia inspirada en experiencias personales que prescindiera de mí. Es decir, sí trabajar sobre mi propio mito para construir una ficción. La asistencia a un taller de dramaturgia ayudó mucho. Marco Antonio de la Parra, en el contexto del CELCIT, me dio confianza en que la historia y el texto valían la pena. Me dio el “toque Zen” de comprensión en el sentido profundo de esta creación. Y también supe que tenía que ponerle el cuerpo a ese personaje, así que pedí a Daniel, con quién nos conocemos hace más de 30 años, una codirección y busqué armar un grupo de trabajo que conoce bastante bien de qué va toda historia de ser CODA (por sus siglas en inglés, Child of deaf parents). Finalmente, ocurre que la historia desborda lo anecdótico para volverse una reflexión práctica sobre infancias singulares, arrojadas precozmente a la vida adulta. Todo con mucho humor y las dos lenguas que me albergan.

—Y ya instalados en el universo de esa historia, si pudieras elegir un rincón o algún objeto de la escenografía que represente el espíritu de la obra, contanos cuál sería y por qué.

Gastón Joubert creó un espacio hermoso para esta obra. Cada uno de los objetos, casi todas miniaturas, hacen parte. Pero si tuviera que elegir un rincón, sin dudas es el centro desde donde la presencia de un tocadiscos mueve el recuerdo y hace girar el tiempo de esta historia.

—Vayamos a las protagonistas: Ella niña y adulta. ¿Cómo trabajaron para lograr entrelazar esos dos personajes en los que hay una fusión de lenguajes?

—El texto está escrito en una sola voz. En el trabajo de ensayos fuimos viendo que esa voz, el lenguaje del texto, tenía dos presencias claras: la de aquella niña que transita sus vivencias sin ningún juicio de valor y la de la adulta que recuerda y se detiene en algunas circunstancias de su sentir ahora, muchos años después. Finalmente, queríamos que la obra tuviera una versión que fuera accesible también a las personas sordas, en mi “lengua herencia”, la lengua de señas, así que primero pensamos en eso, en tener el unipersonal y la versión accesible con la incorporación de Daniela Fortunato Lynch como actriz señante. Entonces, en esta nueva dramaturgia que llamo de Escena Visual Accesible, surgió una nueva puesta en escena. Nos pareció que esa era realmente la naturaleza escénica que pide este texto. Nos dimos cuenta de que esta historia en el cuerpo de dos actrices potencia la escena, crea una poética singular que contempla la accesibilidad en sí misma.

—¿Qué es lo que más te gustaría destacar del vestuario de tus protagonistas?

—El vestuario destaca la diferencia entre la adulta y la niña y a la vez sitúa a la adulta en el espacio del recuerdo; cierta atemporalidad la sitúa en el lenguaje específicamente de la ficción teatral.

—¿De qué manera colaboran la música y la iluminación en el desarrollo dramático de la historia?

—El diseño sonoro está al servicio de las distintas anécdotas. Hay una voz en off que marca cierta presencia de aspectos de “lo auditivo”, a cargo de Patricio Barton, y una canción central que compuso Ale Dolina (h). El diseño de luces, a cargo de Verónica Alcoba, viaja entre presente y pasado y sitúa cada escena en un tono emocional distinto, tanto en los momentos de mayor humor como en las instancias más dramáticas del relato.

—¿Cuándo y dónde se podrá disfrutar de “Decile que soy francesa”?

—A partir del 2 de junio, los viernes a las 20 en la sala Galpón de Area 623, de Pasco 623 de CABA.

—Para terminar, ¿podrías elegir una palabra que sintetice la emoción predominante en el escenario?

—Ternura, humor, amor…no me alcanza una sola.

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En primera persona: Nair Libonatti, escritora

La artista uruguaya habla de ella misma, de cómo llegó a la escritura y de su obra

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Sobre sí misma y su arte

Soy Nair Libonatti, mujer uruguaya de 69 años. Toda mi vida supe que podía escribir, sin embargo, al plasmar mis ideas en una hoja, el resultado no me era grato y terminaba rompiendo.

En el año 2019 una amiga me invitó a “algo” literario y fui. Resultó ser un taller y fue ahí donde comencé a escribir.

Pocos meses después llegó la pandemia, entonces, buscando recursos para mi nuevo despertar, entré en un grupo argentino de Facebook. En él compartíamos textos y comentábamos.

Un buen día me invitaron a participar en el Mundial de Escritura, al principio me parecía inalcanzable hasta que me animé y la experiencia resultó maravillosa.

Sobre su obra

He escrito algunos libros: “Historias del Caldero”, en conjunto con dos amigas, “Constelaciones”, libro que va por su segunda edición y “El Pata de Bolsa y otros relatos”. Estos dos últimos están presentes en la 49a Feria del Libro de Buenos Aires, en el stand de Uruguay.

Sobre “Constelaciones” puedo decir que es un libro fuerte, con historias bastante movilizadoras, es un intento de visibilizar algunas circunstancias.El Pata de Bolsa” es en tono más humorístico, un poco más distendido y coloquial.

Son libros de cuentos cortos, escritos individualmente y luego seleccionados para cada uno de los libros.

Su actualidad

Actualmente integro el taller “Ratones de biblioteca”, que funciona en la Casa de la Cultura de Minas, Uruguay, y algunas compañeras me acompañaron a la Feria del Libro de Buenos Aires.


Nair Libonatti junto a Andrea Viveca Sanz, de Contarte Cultura, en la 49º Feria Internacional del Libro de Buenos Aires

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Aguirre–Rodríguez: “El tango siempre estuvo como lengua principal en nosotros”

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Por Andrea Viveca Sanz (@andreaviveca) /
Edición: Walter Omar Buffarini //

Es un viaje dentro de otros, un movimiento sutil, la música desperezándose en gotas de rocío, notas evaporadas sobre las aves del campo, es el vuelo hacia el espacio urbano, un recorrido temporal. Es antes y después. Es ahora y siempre, una melodía que llega desde lejos, de otras patrias, del mismo viento que corre y desparrama en el lugar justo y en el instante oportuno.

“Del Buen Ayre”, el próximo espectáculo y disco del dúo platense AguirreRodríguez es un viaje por el tiempo y por distintos espacios, una relectura en modo actual de la música rural bonaerense.

Contarte Cultura charló con sus integrantes, Cynthia Aguirre y Alejandro Rodríguez para que nos cuenten acerca de ese caminar que la canción propone.

—Porque los espacios y las cosas que forman parte de ellos suelen hablar de quienes los habitan, nos gustaría comenzar esta charla deteniéndonos en su lugar de trabajo, en el espacio creativo de su música y en los objetos que los rodean en este momento. Si pudieran elegir un rincón o un objeto, el que mejor los represente como dúo y nos cuente algo de ustedes, ¿Cuál sería?

—El lugar, nuestra casa, y el rincón nuestra sala, en la que se va gestando todo el resultado final de lo que hacemos como músicos. Creo que estos espacios hablan de nosotros y de nuestra manera de entender la realidad y el arte.

—Y desde ese espacio viajamos en el tiempo, ¿cómo y cuándo se encuentran Cynthia Aguirre y Alejandro Rodríguez en el camino de la música para dar comienzo al dúo Aguirre–Rodríguez?

—Nos encontramos en la escuela de arte de la ciudad de Berisso, hace muchísimos años, en situación de alumna y profesor, pero rápidamente comenzamos a compartir producciones por fuera de la escuela. Con los años volvimos a encontrarnos, ya específicamente en el terreno del tango con la orquesta Los inmigrantes en el año 2005. Cuando el tiempo de la orquesta se terminó, continuamos en dúo.

—¿Cómo fueron esos comienzos?

—Fue un muy hermoso comienzo, pero rápidamente el dúo se fundió dentro de un cuarteto que con el tiempo se convirtió en sexteto de tango. Me refiero a Tangor. Con esa agrupación trabajamos durante más de 10 años. Por otro lado, Cynthia participaba como invitada permanente en el grupo La Sonora, proyecto que venía caminando desde el año 1989.  

—Como decías, con el correr de los años el tango se instaló entre ustedes, ¿qué cosas los llevaron a explorar en este género que nos representa?

—El tango siempre estuvo como lengua principal en nosotros. Como una especie de lengua madre. Rastrear el porqué de esto es complicado, creo que tiene que ver con nuestras historias personales y la idiosincrasia de nuestras familias de origen. Lo que es claro es que ha sido fundacional en nuestro vínculo con la música. Nuestra mirada como habitantes de este tiempo siempre nos llevó a buscar puentes entre el tango, otras músicas y otros conceptos artísticos.

—¿De qué manera llega el primer disco “Mundo Tango”, grabado en 2011?

—Ganamos un premio a la Producción Fonográfica del FNA (Fondo Nacional de las Artes) y generamos nuestro primer CD. En ese entonces, si bien el CD se llamó Mundo Tango, abarcamos otros lenguajes musicales, algunas cosas del folclore y canciones provenientes de la cantera del rock.

—Por estos días están en proceso de grabación de su segundo disco “Del Buen Ayre”, ¿qué recorridos espacio-temporales tuvieron que hacer para dar vida a los temas que forman parte de esta obra?

En Mundo Tango nos referimos a una idea acerca del tango, como un estado del ser que no solo aparece en esta región del mundo (por algo el tango impacta como impacta en todo el globo). Aquí nos referimos más a la génesis de este género y la música de la provincia de Buenos Aires. Este nuevo trabajo propone un recorrido desde la música campera de principio de siglo XX (El Gardel Gaucho, pasando por compositores icónicos de ese lenguaje como Omar Moreno Palacios) para adentrarse en el tango clásico de la época de oro y llegar hasta composiciones actuales que revitalizan el género. También este trabajo, a diferencia del otro, está estructurado por un material que fue ampliamente mostrado y fogueado. Es música que hemos tocado mucho en vivo y está planteado desde esa impronta. Los arreglos, si es que los hay, fueron construyéndose a lo largo del tiempo y de las distintas actuaciones. Los músicos invitados jugaron en ese mismo tono también. Se les envió un cifrado y una grabación como referencia, pero el armado de los distintos temas se resolvió en el estudio,  mientras Manzana Ibarrart (gran amigo y comandante del Estudio Sonosfera) montaba los mics y seteaba todo. Luego se eligieron las mejores tres tomas de cada tema. El resultado tiene un aroma a “trazos sueltos” que nos encanta en lo particular.

—Sin dudas se trata de un viaje a través de la música, ¿cuál es el aroma que elegirían para simbolizar a este álbum?

—El múltiple aroma de los viajes…si bien es un CD local en cuanto al repertorio, es bastante global en tanto a que lo que suena proviene de muchísimas fuentes y no solo de la tanguera. Lo hemos tocado tanto en tantos países diferentes, que para nosotros tendría ese olor a viaje, a aeropuerto, a trenes.

—El 3 de agosto estarán presentando este disco en La Salamanca, un reconocido espacio cultural platense, ¿qué podrán disfrutar esa noche quienes se acerquen a compartir su música?

—Haremos  algunos de los temas de nuestro espectáculo Del Buen Ayre, como antesala al espectáculo Filogenia de Victoria Moran y el Dúo Puentes Reyes.    

—Mencionás que ese día estarán acompañados por la cantante Victoria Morán, entonces la pregunta va para ella. Victoria, ¿Cómo nace “Filogenia”, ese recopilatorio de obras de música popular argentina? Contanos quiénes serán parte de ese recorrido el 3 de agosto y qué sentís al compartir noche con el Dúo Aguirre-Rodríguez.

9- Filogenia surge de la necesidad de contar nuestro ADN musical a través de las canciones que nos definen. Es una suerte de viaje musical hacia la fuente, hacia la memoria imperecedera que une un recuerdo con otro. Este espectáculo viene a despertarnos la fibra sensible con canciones que nos nombran, enlazando a Homero Manzi con Víctor Heredia, al Cuchi con Fito, a los que fuimos con los que somos. El compartir con compañeros y compañeras músicos y músicas siempre es una alegría, y en este caso será además una sorpresa para el dúo Puentes-Reyes y yo, porque jamás nos hemos cruzado en un escenario y esperamos anhelantes ese ida y vuelta mágico que siempre augura la música compartida.

—Para terminar, ¿cuál es el próximo destino de la música que los mueve?

—Tenemos por delante algunas fechas en nuestra ciudad, como el próximo 29 de agosto, día en el que estaremos compartiendo escenario junto al cantor Carlos Cabrera en el Café Metro. Octubre nos encuentra realizando nuestra segunda gira europea, con conciertos en países como Italia, Francia, España y Portugal. A nuestro regreso estaremos presentando oficialmente nuestro álbum Del Buen Ayre, con la participación de los músicos que fueron parte de la grabación.

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Celina Cocimano y ‘El juego de las emociones de Uma’: “Un libro que pide gran compromiso de los adultos”

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Por Andrea Viveca Sanz (@andreaviveca) /
Edición: Walter Omar Buffarini //

Todo gira, se mueve en una circularidad compartida. Las emociones suben y bajan, cuelgan de nuestros cuerpos, se desprenden como hojas secas. Regresan, son brotes, transformados en otra cosa.

Celina Cocimano es terapeuta emocional y a partir de sus vivencias y de su trabajo de muchos años necesitó dejar huellas, sembrar palabras para que germinen a través de sus libros.

“El juego de las emociones de Uma”, su último libro, está dedicado a las infancias. A través del juego logra acercarse a los territorios del miedo, de la ansiedad o de la frustración para atravesarlos.

ContArte Cultura charló con ella para conocer las rutas que la llevaron a indagar en ese universo.

—Las emociones forman parte de nuestras vidas, van y vienen, se mueven y nos movemos con ellas. Por eso, para comenzar y a modo de presentación, nos gustaría que elijas al menos tres emociones que te atravesaron al momento de escribir tu último libro y que a cada una de ellas les otorgues un sabor o un aroma.

  • Frustración, sabor a cebolla
  • Ansiedad, aroma a menta
  • Alegría, aroma a vainilla

—Y ya instalados en esa imagen, vayamos a tus comienzos, ¿qué vivencias te llevaron a transitar el camino de la terapia emocional?

—La insatisfacción personal, haberme descubierto cómo estafadora de mi propia vida, creando personalidades adquiridas para moldearme al gusto de la mirada ajena, siempre con esa sed emocional de ser alguien para los demás, ser aceptada, reconocida, querida y encantar a todos. Mientras estudiaba para contadora, sentí un apagón emocional, la apatía era mi única compañera en esos tiempos, hasta que mi cuerpo también “habló” con un síntoma muy sentido. Empezaba a hacerme pis por las noches siendo ya grande, más adelante entendí que eso sucedía en cada hogar o lugar donde me sentía a gusto, de esa manera, “intentaba” aferrarme a algún territorio, sentirlo al menos, por momentos, un lugar donde era yo. Como los animales que marcan su territorio orinando sobre él. Eso era lo que faltaba para que mi vida se vistiera de insatisfacción y cambie totalmente de rumbo, mejor dicho, empiece a vivir y dejar de aparentar lo que mis vacíos necesitaban cubrir.

—Seguramente al ir recorriendo ese camino fue necesario dejar huellas y de esa manera llegaron los libros, ¿cómo vivís la experiencia de escribir para que las palabras sean instrumento de sanación?

—Mi primer libro, “Despierta”, nació como algo catártico de la etapa que comenté anteriormente. Aún no sabía qué era lo que estaba viviendo y, sinceramente, pensaba que me moría por esos tiempos, entonces empecé a escribir cómo fue ese tránsito a mí destrucción de las corazas hacia mi reconstrucción emocional. Después, al compartir mi vivencia con muchas personas, me di cuenta que varios pasamos por ciertos procesos similares, por lo que se me ocurrió darle forma de libro y agregar reflexiones y ejercicios terapéuticos y de autogestión emocional. Los otros 3 -“Diamantes”, “Rotas”, y “El juego de las emociones de Uma”-, fueron pensados basándose en las historias que atiendo y buscando dejarle una “biblioteca” de recursos emocionales a mi hija para cuando sea más grande y, a las personas, que encuentren en estos libros, escrito en palabras, el propio sentir descarnado y sin filtro de las emociones que abordo en cada uno de ellos y luego, ofrecerles dinámicas, reflexiones, ejercicios para que encuentren en ellos formas de transitar el campo emocional sin tanto dolor y con valentía.

—Si pudieras resumir en una palabra el espíritu de cada uno de tus libros, ¿cuáles serían?

  • Despierta: Integridad
  • Diamantes: Osadía
  • Rotas: Coraje
  • El juego de las emociones de Uma: Autenticidad

—Tu último libro, “El juego de las emociones de Uma”, transita los paisajes de la infancia con todas sus gamas de colores, ¿cuál o cuáles fueron los disparadores de esta historia?

—Mi hija, a los 8 años, comenzó a transitar por un tiempo la conocida “Crisis de ansiedad y angustia”. Yo me opuse a que esté medicada siendo tan pequeña, y desde mi saber en el campo emocional de los adultos, junto a una gran observación sobre ella y sus crisis, se me ocurrió trabajar juntas para buscar soluciones a su sentir. Buscamos opciones en el juego infantil, en la creatividad, desarrollando distintos escenarios, armando una rutina de ejercicios y, sobre todo, busqué acercarla a la autogestión emocional. Así fue que se me ocurrió compartir cada ejercicio que funcionó en ella en este cuento, que no solo tiene el fin de que los niños empiecen a desarrollar desde pequeña edad sus propias respuestas emocionales ante cierta situaciones, sino que es un libro que pide gran compromiso de los adultos que acompañan al niño, y esa compañía, con el estar, el hablar su idioma, mejorar la calidad del vínculo, validar sus emociones, respetarlos y comunicarse con ellos, es lo que hace casi la mayor magia del trabajo de fortalecimiento emocional.

—Y justamente, a partir de tus propias vivencias decidiste contar desde el juego y desde las imágenes. Explicanos cómo fue el proceso de elegir esas duplas emocionales sobre las que querías hablar.

—Busqué las que a su edad son dentro de todo fáciles de interpretar, como decimos los adultos: de “etiquetar”. Son parte de las emociones primarias y la dupla fue pensada para dejarles el mensaje de que no son ni buenas ni malas, simplemente son y cada una es mensajera de un sentir, una acción a llevar a cabo y una particular respuesta emocional. También al ponerlas en duplas, cuando ellos/as sientan, por ejemplo, tristeza además de procesarla en todo su ser, sepan que pueden aprender a transportarla en alegría, ir de la ansiedad a la calma. Es decir, que conozcan cuál es la emoción que se necesita para equilibrar una con otra.

—Las semillas del libro fueron plantadas, ¿creés que tus palabras ya comenzaron a germinar y son brotes en los lectores?

—Sorprendentemente sí. Como comenté, yo me dedico a adultos no a infanto, y este libro que se publicó en abril del 2024 ya se está imprimiendo la segunda edición. Lo han comprado mucho abuelas y abuelos para compartirlo con sus nietos, en colegios para abordar ciertas emociones en el aula ya que también hay un capítulo sobre el bullying. Y muchas madres me compartieron que sus hijos o hijas mientras que se les leía el cuento ya comenzaban a incorporar los ejercicios sugeridos, o que empezaban a identificar sus propias emociones, tenían armados sectores en su cuarto como se encuentran en algunos capítulos. Incluso los que son más grandes, según cómo se sentían, buscaban en la biblioteca el libro y se encerraban en su cuarto a leer exclusivamente el capítulo que contiene la emoción que estaban sintiendo en ese día o ese tiempo. También compartió nota de Revista junto a Unicef en el día internacional contra el Bullying de 2024.

—¿En qué proyectos estás trabajando actualmente?

—Tengo dos libros más en camino, uno para adultos sobre la depresión, y otro para infanto, más expansivo aún, con un viaje al campo emocional que sea para ellos y para sus padres o tutores también, digamos que será un libro revelador en muchos aspectos.

—Para terminar, te invitamos a elegir la textura que represente a tu libro “Las emociones de Uma”.

—La textura sería cálida, pomposa, con colores desde pasteles a fuertes, con ganas de descubrirla y sentirla, y con distintos aromas que vayan cambiando según cada paso de la mano o de los pies sobre ella.

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