“La comedia es peligrosa”, obra escrita por Gonzalo Demaría, basada en una trama de Gonzalo Demaría y Ciro Zorzoli y dirigida por este último, estrena este viernes 15 de octubre a las 20, en la Sala María Guerrero del Teatro Nacional Cervantes (TNC).

La pieza fue encargada especialmente para la celebración de los 100 años del Cervantes, del que se destaca que “fue construido por una célebre actriz española, María Guerrero, y pronto se convirtió en nuestro teatro nacional”.

Asimismo, desde el TNC señalan que además de la inauguración del coliseo, “hace 238 años, en la época de los virreyes, nacía el teatro estable en Buenos Aires”, por lo que precisan que “hoy los dos eventos se mezclan en una comedia en verso que evoca las compañías de carromato, las tensiones entre hispanos y criollos y la lucha por la libertad”.

Así, “La comedia es peligrosa” rinde homenaje a “nuestra historia y a nuestros artistas. Nada de solemnidad: la obra hace más bien gala de la irreverencia propia de un escenario tan ecléctico e inclusivo que, en los locos años 20, ofreció espectáculos de revista”.

Mezcla de historia y de fantasía, la obra cuenta una trama de suspenso y vodevil que ocurre en la capital del Virreinato del Río de la Plata en 1783: “Unos cómicos de la legua pretenden construir un teatro estable y para ello deben enfrentarse al poder de los cabildantes y del obispo. El jamón del sándwich es el virrey. ¿Quién se comerá a quién?”

Ficha de la obra

Actúan: Horacio Acosta, Facundo Aquinos, Paola Barrientos, Julián Cabrera, Julián Cardozo, Roberto Castro, Gaby Ferrero, Andrés Granier, Milva Leonardi, Javier Lorenzo, Tincho Lups, Sergio Mayorquin, Mariano Mazzei, Iván Moschner, Pablo Palavecino y Julián Rodríguez Rona

Asesora artística: Victoria Beheran
Diseño de escenografía: Diego Siliano
Diseño de Iluminación: Eli Sirlin
Diseño de vestuario: Julio Suárez
Asistente vestuario: Jorge López
Coreografía y movimiento: Celia Argüello Rena
Música: Marcelo Katz
Entrenamiento voz hablada: Verónica Grande
Entrenamiento voz cantada: Ana Kantemiroff
Entrenamiento en percusión: Christian Covre

Producción ejecutiva TNC: Francisco Patelli y Nadia Crosa
Asistente de dirección TNC: Juan Francisco Doumecq
Coordinación de producción Celebración 100 años TNC: Alejandra Menalled

Dirección: Ciro Zorzoli

Por Andrea Viveca Sanz (@andreaviveca) /
Edición: Walter Omar Buffarini //

Los tiempos se superponen, una huella sobre la otra, las palabras apiladas, como flechas que marcan el destino, como líneas ramificadas en las arrugas de una piel que calla, que busca el camino, flota en la incertidumbre de una realidad provisoria, de un espejismo donde habitan los sueños, se acercan, se alejan, son pisadas en un espacio circular, cada cosa es igual a la siguiente, la debilidad es fortaleza.

“Fuerte como el vidrio frágil” es una obra de vínculos, los protagonistas forman un triángulo de deseos contrapuestos, hay principios y finales que unen los vértices de la historia, líneas que constituyen los lados de esa geometría que amenaza con romperse a cada instante.

ContArte Cultura charló con Merceditas Elordi, su directora, dramaturga y actriz, para entrar junto a ella en el mundo de esta obra.

—Vamos a comenzar esta charla con un objeto simbólico que está inmerso en el título de la obra que escribiste y dirigís: el vidrio que, a pesar de ser un material fuerte es también frágil. ¿Qué fue lo primero que despertó en vos la materialidad del vidrio para empezar a escribir esta historia?

—¡Qué buena pregunta! El origen está en una bicicleteada de primavera del colegio de mis hijas, dejame hacer cuentas… hace 28 años. La menor de ellas estaba en salita de 4 años y andaba en bici con rueditas. Éramos bastante pobres, así que sus bicis eran usadas, de segunda mano, y a la de ella se le salía la cadena a cada cuadra, así que habíamos quedado muy atrás del resto de la caravana. Con mucha paciencia, cada vez que se salía la cadena, parábamos, la arreglábamos y seguíamos. Ella, lejos de resignarse, cada vez que empezaba a pedalear lo hacía con mucha energía y me decía: “¡Mirá mamá, tengo fuerza de vidrio!”.  Jamás olvidé esas palabras y me inspiraron para este título. A veces, la debilidad es fortaleza. Por otro lado, y esta es la mirada más teatral, menos vivencial, rondaba en mi imaginario la visión de dos personajes emblemáticos de El zoo de cristal de Tennessi Williams, más precisamente Amanda y Laura, luego de la partida de Tom. Imaginaba a una Amanda muy mayor y a su hija Laura ya adulta en situación de desamparo y vulnerabilidad.

—Las protagonistas de esta obra son parte de otra historia que quisiste continuar, ¿cómo llevaste adelante el proceso de meterte en sus mundos interiores para percibir ese “después” en la vida de esa madre y esa hija?

—Precisamente, esto va linkeado a la pregunta anterior. Pensé qué habría sido de esas mujeres treinta años después. Me di cuenta que el mundo está plagado de “Amandas y Lauras”, y que podían estar en cualquier tiempo y geografía. Entonces escribí la obra anclándola en una ciudad de la provincia de Buenos Aires en la primavera del 2001. Eso me dio el contexto. También apareció lo vivencial, ya que cuando escribí la primera versión de la obra mi mamá estaba transitando la última etapa de vida, por lo que hubo una gran identificación; vi a mi madre en Amanda y a mí misma en Laura.

—Y en el “después” aparece “el candidato”, ¿de qué manera surgió en tus letras el personaje de Ruperto?

—Nuevamente aparece lo vivencial. Ruperto se llamaba mi abuelo que vivía en Mercedes, ciudad donde nací, de quien tengo tiernos recuerdos de la infancia. Las sillas en la vereda cuando cae el sol, el encuentro con los vecinos, las figuritas que me traía de regalo cada día cuando volvía de su kiosco. En la obra, Ruperto es ese hombre sencillo que sueña con “pegarla” alguna vez. Pero a la vez, es la expresión del amor para Laura. Es “su” candidato, no el que su madre quiere. Porque Fuerte como el vidrio frágil es, sobre todo, una obra que habla del amor.

—Como decías anteriormente, sobre el escenario, los personajes transitan el año 2001 en un pueblo de la provincia de Buenos Aires, ¿por qué elegiste ese tiempo y ese espacio para contar sus historias?

—Necesitaba crear un contexto que nos fuera cercano y nos atravesara en nuestra historia contemporánea. Yo viví como adulta ese momento que fue traumático para nuestra sociedad. Muchos sueños quedaron truncos, hubo muchas víctimas de aquel famoso corralito de fines de 2001, y no estoy hablando de personas que no pudieron viajar al exterior, sino de los que tenían sus ahorros para comprar su casita o negocio, para una operación por cuestiones de salud. Yo no tenía un solo dólar, pero el impacto social fue tan grande que todos lo padecimos de un modo u otro.

—Si pudieras poner una lupa en alguno de los objetos de la escenografía que represente el espíritu de la obra, ¿cuál sería y por qué?

—A priori te diría los animalitos de vidrio que Laura guarda, pero inmediatamente me doy cuenta que esos objetos forman parte de su pasado. El presente de estos tres personajes está más identificado con el regalo que le trae Ruperto a Laura, un hipocampo de esos que cambian de color con el clima y que se compran en un negocio de recuerdos en las ciudades de la costa. Porque en el mar están los sueños de Laura y Ruperto, que se van transformando y adaptando a sus realidades. Hay muchos objetos que encierran el espíritu de la obra: la cama donde Amanda se va apagando, la jaula del canario ya vacía, el cuadro del padre… pero si tengo que elegir uno entre todos, me quedo con el hipocampo que cambia de color.

—¿Cómo fue la elección del vestuario y de la música que acompañan la caracterización de los personajes?

—La música fue un gran aporte artístico de Diego Girón, que supo sensibilizarse con la identidad de cada personaje. La música constituye parte del paisaje. El vestuario es simple, acorde a la sencillez de los personajes. No hizo falta una gran caracterización a través del vestuario, sino estar atentos a visualizar qué paleta de colores sería más apropiada para cada uno, y qué prendas utilizarían, como el delantal de Ruperto, el camisón y la mañanita de Amanda, la falda floreada con ribetes rosas de Laura.

—”Fuerte como el vidrio frágil” tuvo su versión audiovisual durante 2020, ¿cómo vivieron ese proceso de dar a luz una obra con las butacas vacías?

—Fue una gran experiencia. La obra se iba a estrenar en junio de 2020. Apenas habíamos comenzado los ensayos cuando tuvimos que aislarnos. Fue una decisión que contó con la aprobación de todo el equipo. Al principio, no sabía qué hacer, pero sentía la necesidad de mantener el espíritu y el deseo de seguir trabajando, así que comenzamos a ensayar virtualmente, a través de videos, videollamadas, zoom, todas las herramientas que pudimos utilizar. En cuanto habilitaron los teatros para ensayos sin público, desembarcamos en Patio de Actores para realizar esa primera versión en formato audiovisual. Fue una forma de decir “acá estamos, no nos fuimos, las salas están vacías de espectadores pero nosotros seguimos acá”. Fue un “mientras tanto” sabiendo que la obra se iba a concretar con la presencia del público. Fue una hermosa experiencia. Algo diferente, impensado hasta ese momento. En una obra de teatro es necesaria la tríada obra–artistas–público, de modo que necesitábamos volver a la presencialidad para el estreno. Al fin lo concretamos en septiembre de este año.

—¿Qué vivencias se recuperaron en el reencuentro con el público?

—El teatro es una expresión artística performática que ocurre en el tiempo presente. Cada función es única, la comunicación con el público es única. Yo siempre pienso, cuando estoy por comenzar la función, que tal vez entre el público haya alguna persona que nunca antes fue al teatro, entonces mi objetivo es que esa persona salga del teatro con el deseo de volver y de esa forma se genere un círculo virtuoso. Por eso, al salir a escena es al cien por ciento, no hay grises, hay que darlo todo, estar ahí, presente, conectado con el espacio, con los compañeros, viviendo la obra y siendo el otro que nos convoca para construir un personaje. Si esto no ocurre, no hay obra. Por eso, el público nos interpela todo el tiempo, nos guía y se forma ese puente invisible de comunicación. El hecho teatral se construye entre todas las personas que están en la sala, sin excepción, somos un todo, una experiencia única.

—¿Dónde y cuándo se puede ver esta obra?

—Fuerte como el vidrio frágil está los domingos a las 18 en la sala Patio de Actores, en la calle Lerma al 568 de la ciudad de Buenos Aires. Los esperamos.

El Centro Provincial de las Artes Teatro Argentino de La Plata reiniciará el próximo sábado sus actividades con la presentación del ciclo Primavera 2021 con el concierto homenaje al aire libre “Las 8 estaciones: Vivaldi-Piazzolla”, para celebrar, además, el centenario del nacimiento del compositor Astor Piazzolla.

Las primeras funciones de Primavera 2021 serán el sábado 9 y domingo 10 a las 18, en un escenario armado al aire libre, en el sector de la plaza seca que da a las calles 9 y 51 del Centro Provincial de las Artes Teatro Argentino.

La Orquesta Estable interpretará en primer término “Las cuatro estaciones”, de Antonio Vivaldi y en segundo lugar, arreglos de Julián Caeiro sobre las “Cuatro estaciones porteñas”, de Astor Piazzolla.

La dirección estará a cargo de Nicolás Favero, que también intervendrá como solista de violín, y participarán Karina Álvarez (clave), Walther Castro (bandoneón) y Esteban Rajmilchuk (piano).

Las entradas gratuitas, con reserva previa online, se podrán obtener desde el martes 5 a las 10 a través de bit.ly/Reservas-TA.

El mismo programa musical se ofrecerá el viernes 15 desde las 20 en el porteño Centro Cultural Kirchner.

Según precisó el Ministerio de Producción, Ciencia e Innovación Tecnológica bonaerense la propuesta se da en el marco del programa “Las cuatro estaciones-Cultura del abrazo”, impulsado por la cartera que tiene como objetivo la vinculación del teatro con el público bonaerense.

La programación con la que se retoman las actividades, incluye conciertos sinfónicos, corales, galas líricas, funciones de ballet, obras de teatro contemporáneo del TACEC, espectáculos infantiles y para toda la familia, exposiciones y visitas guiadas.

Esta propuesta propicia, además, la reactivación de las áreas de producción técnica; la actividad de los cuerpos artísticos (Orquesta, Coro y Ballet), la Camerata Académica, el Programa TAE-TACEC y el Archivo Histórico Artístico, junto a las áreas administrativas, de mantenimiento y servicios generales del Teatro.