Artes Plásticas
Juan Pablo Cambariere: “Todos somos súper creativos, solo que algunos aprendemos a darle un uso concreto a esa creatividad”
Por Andrea Viveca Sanz (@andreaviveca) /
Edición: Walter Omar Buffarini //
Los hilos se tensan, alguien sostiene la anatomía de sus cuerpos inmóviles, los retiene entre sus dedos.
Los hilos resbalan ante el silencio de esos dedos. Entre las vetas crecen palabras de madera; todo se afloja. El movimiento despierta. Hay ojos que miran lejos, bocas que se abren. Dibujan un nombre. ¿Quién mueve los hilos?
El miedo se deshace, cae en el vacío de una página blanca y el arte crece como la madera en el árbol, como el árbol en el bosque, como una ramificación de los sentidos.
ContArte Cultura charló virtualmente con el diseñador y artista plástico Juan Pablo Cambariere para descubrir su mundo de hilos y de madera, de clavos, de colores, de fotos, de texturas y de palabras.
—Comencemos esta charla con un desafío creativo. Si tuvieras que diseñar la tapa o el afiche que representara a Juan Pablo Cambariere y que sirviera para presentarte ante nuestros lectores, ¿cómo sería?
—Podría ser una afiche en blanco. El próximo. Todo posible, todo por hacer.
—Viajemos ahora al principio, al interior de la primera hoja en blanco, al lugar donde aún no te reconocías como artista, ¿en qué rincones de esa hoja de tu infancia o de tu adolescencia creés que se despertó tu esencia curiosa y creativa?
—Si me permitís yo formularía la pregunta al revés: ¿Cuándo notaste que no se había dormido o apagado tu curiosidad infantil? De chicos no se nos ocurre decir “no se dibujar”, “no se bailar”, “no se cantar”. Si a un chico le decís bailemos, baila. Cuando crecemos lamentablemente aprendemos a definirnos por lo que no sabemos o no somos: “Yo no sé dibujar, no sé bailar, no soy creativo”. Todos somos súper creativos, solo que algunos aprendemos a capitalizarlo, a darle un uso concreto a esa creatividad.
—¿Cuáles son los materiales y las técnicas con los que más disfrutás trabajar y por qué?
—Todo tiene sus pros y sus contras, pero sin dudas los materiales analógicos te devuelven más que los digitales. Si vos, yo y diez personas más hacemos una línea en Illustrator, esa línea va a ser idéntica. En cambio, si los doce hacemos una línea con lápiz sobre una hoja de papel, vas a tener 12 líneas diferentes, 12 relatos diferentes. Con la madera me sucede eso, te devuelve mucho.
—¿Cuántos intentos habitan en un boceto? ¿Pueden los primeros de ellos convertirse en la obra terminada?
—A veces es el primero, a veces el trigésimo quinto. Igual, en cada trabajo nuevo conviven todos los anteriores, toda la experiencia previa.
—Y hablando de la obra terminada, tus trabajos suelen soltar preguntas, interpelar a quienes las observan, como si otros ojos debieran completar su sentido, ¿cuál es la intención que hay en esas líneas inconclusas, en esos vacíos que dan lugar a múltiples lecturas?
—Tanto con las marionetas como con las tapas de libros y los discos, o cualquier pieza de diseño que encare, trato de usar el silencio como lo usaría un psicoanalista, o un buen periodista. Si esperás un poco más, dejás el espacio, se generan cosas interesantes desde lo que el otro puede poner. La comunicación se da como mínimo entre dos. No es un mensaje que se emite desde, valga la redundancia, “el emisor”. Es un mensaje que construye el que está observando, “el receptor”. Y quiero entrecomillar tanto al “emisor” como al “receptor”, porque estoy en contra de esa definición tan simplista.
—En los diseños de tapas, afiches o discos, hay un juego entre las imágenes, las palabras y los colores que invitan al observador a avanzar, a ponerse en movimiento hacia el objeto diseñado. Aunque no exista una obra igual a la otra, ni una fórmula para dar vida a tus creaciones ¿hay algún proceso en particular, alguna rutina que llevés adelante para ‘comunicar’ a través de tus obras?
—Me han hecho tantas veces esta pregunta, y debo haber dado tantas respuestas diferentes, pero todas igualmente confusas y contradictorias. No sé, creo que siempre trato de dar tres o cuatro pasos atrás, de mirar el contexto, de pensar en algo que no se haya intentado antes. Pienso por qué me llamaron a mí para hacer eso, qué quieren, qué necesitan… ¿por qué?
—¿Cómo surge tu proyecto escultórico “Marionetas”, que son una verdadera síntesis de nuestras vivencias como sociedad? ¿De qué manera llevás adelante el proceso creativo de cada pieza, desde la recolección de materiales hasta darles forma y vida?
—Yo trabajé muchos años como ayudante de Enio Iommi, y todos esos años iba haciendo obras sueltas, investigando y creciendo, pero no tenía un proyecto escultórico propio. Enio me dijo que ya era hora de que abordara mi obra desde ahí y decidí trabajar un tema que siempre me preocupaba mucho que era la responsabilidad social, la corrupción, la política como hecho cotidiano. De ahí las marionetas, ese sistema de personajes siempre incompletos, siempre deformes, que sólo se completan en el conjunto, en el todo. Las obras al principio representaban a la sociedad argentina, entonces las hacía principalmente con desechos de la construcción (madera y algunos clavos) que encontraba en obras y en la calle. Después empecé a trabajar con madera reciclada pero más noble. Más adelante, cada muestra tiene un origen y busca cosas diferentes.
—¿Creés que los diseños de tapa podrían convertirse en las llaves que abren las puertas del argumento de un libro o de la música de un disco?
—Probablemente, como me ha sucedido a mí con muchos libros y discos, habrá gente que no podrá separar alguna novela de la imagen que yo construí para portada de la edición que eligió. Y lo mismo con algún disco. Es muy lindo pensarlo, da una engañosa sensación de trascendencia.
—¿En qué proyectos estás trabajando por estos días?
—Estoy haciendo marionetas en un plan más lúdico, sin preparar ninguna muestra en concreto. En este contexto necesito disfrutar del placer de hacer por hacer. Estoy diseñando varios libros, como siempre, y un trabajo de identidad muy extenso para una empresa suiza.
—Para terminar, ¿quién o quiénes mueven los hilos de tus marionetas?
—Todos. Por eso una de las muestras se llama “Ud. está aquí”.
La dibujante argentina Rosa Rovira inauguró la muestra “Local y universal” en el espacio de arte conocido como ‘caja de cristal’, en la Ciudad de Buenos Aires, de la mano de la artista invitada María Fullhart.
Aunque sus lenguajes son diferentes, las obras de Rovira y Fullhart convergen en una misma búsqueda: explorar de qué manera una experiencia singular, un paisaje determinado o un objeto descartado pueden trascender su origen y adquirir nuevos sentidos colectivos.
Las obras de Rovira reúnen principalmente creaciones sobre papel y tela, realizadas con tintas, acuarelas, óleo al agua y técnicas mixtas.
Entre las piezas que integran la muestra se destaca Monte vivo, un óleo al agua de gran formato realizado en 2020, junto con acuarelas y dibujos en tinta como Mis montañas, Añoso y Cielo cóncavo.
La propuesta de Fullhart, por su parte, fue construida a partir de materiales recuperados y objetos que perdieron su función original, con técnicas de ensamblaje, intervención y reutilización para otorgarles un nuevo valor simbólico y comunicacional.
La exposición puede visitarse de lunes a viernes, de 10 a 15, hasta mediados de septiembre en la icónica “caja de cristal” de la Casa Matriz del Banco Ciudad ubicada en Florida 302, en el microcentro porteño.
Todas las obras están disponibles en el catálogo de la tienda de arte online.
Quién es Rosa Rovira
Rosa Rovira nació en Quilmes, provincia de Buenos Aires. Es dibujante, pintora, docente y escritora, y egresó de la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires. Es miembro de la Sociedad Argentina de Artistas Plásticos, de la Asociación Estímulo de Bellas Artes y de asociaciones de artistas visuales de Noruega y Barcelona.
Desde la década de 1980 participa en salones municipales, provinciales, nacionales e internacionales, y ha realizado exposiciones individuales y colectivas en la Argentina, Panamá, España, Francia, Noruega y Japón, entre otros países.
Fue seleccionada en las Bienales Internacionales de Dibujo de Pilsen, República Checa, auspiciadas por la Asociación Internacional de Arte de Europa. Sus obras forman parte de museos, instituciones educativas y colecciones públicas y privadas de la Argentina, América Latina, Europa y Asia.
Además de su producción artística, ha desarrollado proyectos curatoriales y multidisciplinarios, y fue fundadora de espacios de arte en Noruega. Actualmente reside entre la Ciudad de Buenos Aires y Las Rosas, Traslasierra.
Quién es María Fullhart
María Fullhart es artista visual, diseñadora gráfica egresada de la Escuela de Bellas Artes y máster en Economía Circular y Medioambiente. Se formó en técnicas mixtas, escultura, curaduría, esténcil y mosaico veneciano.
Su práctica se desarrolla en la confluencia entre el arte, la reutilización de materiales y el upcycling. Durante varios años compartió talleres y proyectos con Marino Santa María, y colaboró en la realización de murales de gran escala en instituciones y edificios públicos.
Forma parte del colectivo Instantes Gráficos y ha participado en exposiciones, residencias y ferias realizadas en espacios como MAPA, Pinta Lima, FIG Bilbao, MUMA Puerto Madryn y Museo Lozza, entre otros. También integra proyectos vinculados con el arte sustentable y la economía circular. Sus obras forman parte de colecciones privadas de la Argentina.
(Fuente: Agencia Noticias Argentinas)
El Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti convoca a los artistas de la provincia de Buenos Aires a participar de la Edición 2026 del “Salón Provincial Florencio Molina Campos”, que año a año reconoce la labor artística bonaerense. La inscripción de los interesados en esta abierta hasta el 7 de agosto inclusive.
El “Salón Provincial de Artes Visuales Florencio Molina Campos” cuenta con representación territorial y paridad de género desde 2020 tanto en la designación de jurados como en la selección de participantes, ganadoras y ganadores. Con una amplia trayectoria y aumento de participación durante los últimos años, el salón es el máximo reconocimiento al arte y a sus artistas que otorga la provincia de Buenos Aires.
Podrán participar artistas mayores de 18 años de edad, residentes de la provincia de Buenos Aires a la fecha de cierre de la inscripción. Las obras ganadoras pasarán a formar parte del patrimonio del Museo Pettoruti.
Se otorgarán tres premios adquisición que serán otorgados por el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires, la Honorable Cámara de Senadores de la Provincia de Buenos Aires, y la Honorable Cámara de Diputados de la Provincia de Buenos Aires.
Además, habrá tres menciones de honor, a cargo del Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Pettoruti, la Subsecretaría de Políticas Culturales de la Provincia de Buenos Aires y la Dirección Provincial de Artes.
Las personas interesadas en participar podrán encontrar el Reglamento y el formulario de inscripción en las redes del Museo Pettoruti.
(Fuente: Museo Provincial Bellas Artes E. Pettoruti)
La exposición “Viva Frida”, considerada una de las más importantes dedicadas a la vida y la obra de Frida Kahlo, se presentará por primera vez en Sudamérica en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba), donde podrá visitarse del 19 de septiembre de 2026 al 15 de marzo de 2027.
La muestra, organizada por la Semana de la Alta Costura Argentina (SAC) y el Museo Frida Kahlo de México, cuenta con la dirección del proyecto de Elina Costantini, la curaduría de Circe Henestrosa y la colaboración de Gannit Ankori. La inauguración será el 17 de septiembre a las 19.
La propuesta reúne una selección de objetos personales de la artista mexicana junto con pinturas, fotografías, cartas y documentos que permiten recorrer su trayectoria artística y comprender el modo en que construyó su identidad pública a través de la indumentaria, el autorretrato y la representación de su propia experiencia.
El recorrido incluye prendas tradicionales tehuanas, joyas, corsés ortopédicos, cosméticos y otros objetos que permanecieron resguardados durante décadas en la Casa Azul de Ciudad de México y fueron redescubiertos en 2004. A estas piezas se sumarán obras de la colección Malba–Costantini, entre ellas el “Autorretrato con chango y loro” (1942), “Diego y yo” (1949), el último autorretrato de Kahlo antes de su muerte, y la litografía “Sin título (El aborto)” (1932).
La exposición incorpora además un conjunto documental perteneciente a la crítica de arte Raquel Tibol, integrado por fotografías, correspondencia y otros materiales vinculados con la artista.
Según sus organizadores, “Viva Frida” propone una mirada que sitúa la vestimenta y la autorrepresentación como elementos centrales de la producción artística de Kahlo. La muestra analiza cómo la pintora utilizó la indumentaria como una afirmación de identidad, una expresión política y un recurso para afrontar las secuelas físicas derivadas del accidente que sufrió en 1925.
Nacida en 1907, Frida Kahlo desarrolló una de las obras más influyentes del arte del siglo XX. Su producción, marcada por el autorretrato y la exploración de la identidad, alcanzó proyección internacional tras sus exposiciones en Nueva York y París a fines de la década de 1930 y hoy ocupa un lugar central en la historia del arte moderno.
La llegada de “Viva Frida” coincide con el 25° aniversario del Malba y constituye la primera presentación de esta exposición en Sudamérica, con el objetivo de ofrecer una nueva aproximación a la figura de Kahlo a partir del vínculo entre arte, patrimonio, identidad y cultura material.
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