Artes Plásticas
Juan Pablo Cambariere: “Todos somos súper creativos, solo que algunos aprendemos a darle un uso concreto a esa creatividad”
Por Andrea Viveca Sanz (@andreaviveca) /
Edición: Walter Omar Buffarini //
Los hilos se tensan, alguien sostiene la anatomía de sus cuerpos inmóviles, los retiene entre sus dedos.
Los hilos resbalan ante el silencio de esos dedos. Entre las vetas crecen palabras de madera; todo se afloja. El movimiento despierta. Hay ojos que miran lejos, bocas que se abren. Dibujan un nombre. ¿Quién mueve los hilos?
El miedo se deshace, cae en el vacío de una página blanca y el arte crece como la madera en el árbol, como el árbol en el bosque, como una ramificación de los sentidos.
ContArte Cultura charló virtualmente con el diseñador y artista plástico Juan Pablo Cambariere para descubrir su mundo de hilos y de madera, de clavos, de colores, de fotos, de texturas y de palabras.
—Comencemos esta charla con un desafío creativo. Si tuvieras que diseñar la tapa o el afiche que representara a Juan Pablo Cambariere y que sirviera para presentarte ante nuestros lectores, ¿cómo sería?
—Podría ser una afiche en blanco. El próximo. Todo posible, todo por hacer.
—Viajemos ahora al principio, al interior de la primera hoja en blanco, al lugar donde aún no te reconocías como artista, ¿en qué rincones de esa hoja de tu infancia o de tu adolescencia creés que se despertó tu esencia curiosa y creativa?
—Si me permitís yo formularía la pregunta al revés: ¿Cuándo notaste que no se había dormido o apagado tu curiosidad infantil? De chicos no se nos ocurre decir “no se dibujar”, “no se bailar”, “no se cantar”. Si a un chico le decís bailemos, baila. Cuando crecemos lamentablemente aprendemos a definirnos por lo que no sabemos o no somos: “Yo no sé dibujar, no sé bailar, no soy creativo”. Todos somos súper creativos, solo que algunos aprendemos a capitalizarlo, a darle un uso concreto a esa creatividad.
—¿Cuáles son los materiales y las técnicas con los que más disfrutás trabajar y por qué?
—Todo tiene sus pros y sus contras, pero sin dudas los materiales analógicos te devuelven más que los digitales. Si vos, yo y diez personas más hacemos una línea en Illustrator, esa línea va a ser idéntica. En cambio, si los doce hacemos una línea con lápiz sobre una hoja de papel, vas a tener 12 líneas diferentes, 12 relatos diferentes. Con la madera me sucede eso, te devuelve mucho.
—¿Cuántos intentos habitan en un boceto? ¿Pueden los primeros de ellos convertirse en la obra terminada?
—A veces es el primero, a veces el trigésimo quinto. Igual, en cada trabajo nuevo conviven todos los anteriores, toda la experiencia previa.
—Y hablando de la obra terminada, tus trabajos suelen soltar preguntas, interpelar a quienes las observan, como si otros ojos debieran completar su sentido, ¿cuál es la intención que hay en esas líneas inconclusas, en esos vacíos que dan lugar a múltiples lecturas?
—Tanto con las marionetas como con las tapas de libros y los discos, o cualquier pieza de diseño que encare, trato de usar el silencio como lo usaría un psicoanalista, o un buen periodista. Si esperás un poco más, dejás el espacio, se generan cosas interesantes desde lo que el otro puede poner. La comunicación se da como mínimo entre dos. No es un mensaje que se emite desde, valga la redundancia, “el emisor”. Es un mensaje que construye el que está observando, “el receptor”. Y quiero entrecomillar tanto al “emisor” como al “receptor”, porque estoy en contra de esa definición tan simplista.
—En los diseños de tapas, afiches o discos, hay un juego entre las imágenes, las palabras y los colores que invitan al observador a avanzar, a ponerse en movimiento hacia el objeto diseñado. Aunque no exista una obra igual a la otra, ni una fórmula para dar vida a tus creaciones ¿hay algún proceso en particular, alguna rutina que llevés adelante para ‘comunicar’ a través de tus obras?
—Me han hecho tantas veces esta pregunta, y debo haber dado tantas respuestas diferentes, pero todas igualmente confusas y contradictorias. No sé, creo que siempre trato de dar tres o cuatro pasos atrás, de mirar el contexto, de pensar en algo que no se haya intentado antes. Pienso por qué me llamaron a mí para hacer eso, qué quieren, qué necesitan… ¿por qué?
—¿Cómo surge tu proyecto escultórico “Marionetas”, que son una verdadera síntesis de nuestras vivencias como sociedad? ¿De qué manera llevás adelante el proceso creativo de cada pieza, desde la recolección de materiales hasta darles forma y vida?
—Yo trabajé muchos años como ayudante de Enio Iommi, y todos esos años iba haciendo obras sueltas, investigando y creciendo, pero no tenía un proyecto escultórico propio. Enio me dijo que ya era hora de que abordara mi obra desde ahí y decidí trabajar un tema que siempre me preocupaba mucho que era la responsabilidad social, la corrupción, la política como hecho cotidiano. De ahí las marionetas, ese sistema de personajes siempre incompletos, siempre deformes, que sólo se completan en el conjunto, en el todo. Las obras al principio representaban a la sociedad argentina, entonces las hacía principalmente con desechos de la construcción (madera y algunos clavos) que encontraba en obras y en la calle. Después empecé a trabajar con madera reciclada pero más noble. Más adelante, cada muestra tiene un origen y busca cosas diferentes.
—¿Creés que los diseños de tapa podrían convertirse en las llaves que abren las puertas del argumento de un libro o de la música de un disco?
—Probablemente, como me ha sucedido a mí con muchos libros y discos, habrá gente que no podrá separar alguna novela de la imagen que yo construí para portada de la edición que eligió. Y lo mismo con algún disco. Es muy lindo pensarlo, da una engañosa sensación de trascendencia.
—¿En qué proyectos estás trabajando por estos días?
—Estoy haciendo marionetas en un plan más lúdico, sin preparar ninguna muestra en concreto. En este contexto necesito disfrutar del placer de hacer por hacer. Estoy diseñando varios libros, como siempre, y un trabajo de identidad muy extenso para una empresa suiza.
—Para terminar, ¿quién o quiénes mueven los hilos de tus marionetas?
—Todos. Por eso una de las muestras se llama “Ud. está aquí”.
La exposición “Viva Frida”, considerada una de las más importantes dedicadas a la vida y la obra de Frida Kahlo, se presentará por primera vez en Sudamérica en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba), donde podrá visitarse del 19 de septiembre de 2026 al 15 de marzo de 2027.
La muestra, organizada por la Semana de la Alta Costura Argentina (SAC) y el Museo Frida Kahlo de México, cuenta con la dirección del proyecto de Elina Costantini, la curaduría de Circe Henestrosa y la colaboración de Gannit Ankori. La inauguración será el 17 de septiembre a las 19.
La propuesta reúne una selección de objetos personales de la artista mexicana junto con pinturas, fotografías, cartas y documentos que permiten recorrer su trayectoria artística y comprender el modo en que construyó su identidad pública a través de la indumentaria, el autorretrato y la representación de su propia experiencia.
El recorrido incluye prendas tradicionales tehuanas, joyas, corsés ortopédicos, cosméticos y otros objetos que permanecieron resguardados durante décadas en la Casa Azul de Ciudad de México y fueron redescubiertos en 2004. A estas piezas se sumarán obras de la colección Malba–Costantini, entre ellas el “Autorretrato con chango y loro” (1942), “Diego y yo” (1949), el último autorretrato de Kahlo antes de su muerte, y la litografía “Sin título (El aborto)” (1932).
La exposición incorpora además un conjunto documental perteneciente a la crítica de arte Raquel Tibol, integrado por fotografías, correspondencia y otros materiales vinculados con la artista.
Según sus organizadores, “Viva Frida” propone una mirada que sitúa la vestimenta y la autorrepresentación como elementos centrales de la producción artística de Kahlo. La muestra analiza cómo la pintora utilizó la indumentaria como una afirmación de identidad, una expresión política y un recurso para afrontar las secuelas físicas derivadas del accidente que sufrió en 1925.
Nacida en 1907, Frida Kahlo desarrolló una de las obras más influyentes del arte del siglo XX. Su producción, marcada por el autorretrato y la exploración de la identidad, alcanzó proyección internacional tras sus exposiciones en Nueva York y París a fines de la década de 1930 y hoy ocupa un lugar central en la historia del arte moderno.
La llegada de “Viva Frida” coincide con el 25° aniversario del Malba y constituye la primera presentación de esta exposición en Sudamérica, con el objetivo de ofrecer una nueva aproximación a la figura de Kahlo a partir del vínculo entre arte, patrimonio, identidad y cultura material.
Artes Plásticas
El chileno Mauricio Guajardo ganó la Bienal Internacional de Escultura del Chaco 2026
El escultor chileno Mauricio Guajardo se consagró ganador del Certamen Internacional de la Bienal Internacional de Escultura del Chaco 2026 con su obra “Cubo etéreo”, al cabo de una edición que reunió durante diez días a artistas de distintos países y que volvió a convertir a Resistencia en un gran taller de creación a cielo abierto.
La ceremonia de premiación, realizada en el escenario central del Parque 2 de Febrero, marcó el cierre de una Bienal que, según los organizadores, superó en convocatoria de público a la edición anterior y reunió, además del tradicional concurso internacional, congresos, seminarios, encuentros de escultores, actividades culturales, espectáculos musicales, propuestas gastronómicas y ferias de artesanos y emprendedores.
Guajardo obtuvo el Primer Premio NBCH con una obra que fue elegida por el jurado entre las diez esculturas finalistas realizadas durante el certamen. El artista chileno había accedido a la competencia tras un proceso de selección que reunió 439 postulaciones provenientes de distintos países.
El segundo premio, otorgado por el Poder Legislativo de la Provincia del Chaco, fue para el búlgaro Georgi Minchev por “Fragmento de algo más grande”, mientras que el tercer premio OSDE quedó en manos de la ucraniana Lyudmyla Mysko por “Metaestructura”.
Durante el acto también se entregaron las distinciones especiales. El Premio de los Niños Reinaldo O. Martínez fue para el uzbeko Ulash Urakov por su obra “Poesía”, elegida por el jurado infantil. El Premio del Público Juan Alberto García distinguió al bielorruso Alex Sorokin por “Movimiento cuántico II”, la pieza más votada por los visitantes de la Bienal.
En tanto, el Premio de los Escultores Efraín Boglietti, definido por los propios participantes del certamen, fue compartido entre la polaca Anna Rasinska por “Fiat lux (Hágase la luz)” y la ucraniana Lyudmyla Mysko por “Metaestructura”.
Las diez esculturas creadas durante esta edición pasarán a integrar el patrimonio artístico de Resistencia, considerada la Capital Nacional de las Esculturas, que suma así 731 obras emplazadas en calles, plazas y espacios públicos. La ciudad mantiene desde hace casi cuatro décadas un perfil único como museo a cielo abierto, iniciado con el primer concurso realizado en 1988.
La Bienal 2026 también incluyó el Congreso Internacional de Artes, el Encuentro de Escultores Invitados, el Concurso de Escultura para Estudiantes de Artes, el III Seminario de Arte, Derecho, Patrimonio y Urbanismo, el II Congreso Internacional de Derecho del Arte, el Simposio y Reunión Anual de ICLAFI-ICOMOS —realizado por primera vez en un país sudamericano—, además del Festival Filarmónico, Madre Canción, Agitá la Bienal y los encuentros de Maestros Artesanos Argentinos y de Arte Indígena y Artesanía de Pueblos Originarios.
Al finalizar la ceremonia, la Fundación Urunday confirmó el inicio del camino hacia la edición de 2028, cuando la Bienal Internacional de Escultura celebrará sus 40 años de historia.
La Casa Nacional del Bicentenario, ubicada en calle Riobamba 985 de CABA, difundió sus actividades para todo público para lo que queda del mes de julio.
Exposiciones
DESDE EL TALLER II
Artistas de los espacios Estudios 783, Palacio México, Pólvora y Unión informática. Segunda edición de esta propuesta de la Casa de abrir el proceso creativo de talleres artísticos de la Ciudad de Buenos Aires. Las obras reunidas son el resultado visible de búsquedas específicas. Y son también testimonio del trabajo silencioso mediante el cual una mirada comienza a apartarse de los caminos conocidos para aventurarse hacia territorios aún inexplorados.
Del 23 de julio a las 18 al 20 de septiembre.
FELIPE ALVAREZ PARISI. Al mundo le falta un tornillo
Trece pinturas de distintos formatos y una instalación compuesta por varios objetos y pequeños mobiliarios del artista. Esta exhibición continúa la línea de investigación que ha venido desarrollando en sus muestras anteriores donde la materialidad de la pintura y la relectura de los objetos cotidianos han sido temas centrales. Al mundo le falta un tornillo radicaliza esta postura, presentando una parodia de la tradición del paisaje al natural donde los instrumentos de su creación se convierten en el verdadero paisaje.
Hasta el 26 de julio.
CARTOGRAFÍAS SENSIBLES
Exposición que reúne las producciones de Sylvina Goerling y Sandra Bonetti, en una propuesta donde el arte textil se expande hacia la instalación, la performance, la fotografía y el video. Desde una región de frontera como Misiones, ambas artistas recuperan el textil como espacio de transmisión y encuentro entre culturas, construyendo una geografía sensible donde cuerpo y territorio se entrelazan.
Hasta el 26 de julio.
MAGUI MOAVRO. El verano de los huesos
Curada por Sergio Bazán, se exhiben cinco obras de color pleno, geométricas. Trabajos en los que color e imagen son protagonistas en presencia y en ausencia del espacio.
Hasta el 16 de agosto.
Visitas guiadas
Recorridos guiados por las exposiciones de la Casa destinados a grupos de estudiantes de pre-escolar, primaria y secundaria. Una forma didáctica y enriquecedora de acercarse a las diversas muestras que se exhiben en la Casa.
Martes, miércoles y jueves 10 y 14HS
Con inscripción previa AQUÍ. Información y consultas en arteyeducacioncnb@gmail.com
Las visitas guiadas para público en general son los miércoles a las 18. Inscripción en ESTE FORMULARIO. Información, consultas y/o más opciones de días y horarios para las visitas guiadas de público en general escribir a: unoesarte@gmail.com
Actividades
KINO CNB | Cine dentro del cine francés
Un ciclo de cuatro largometrajes que rinden homenaje al cine y exploran sus múltiples universos, tanto delante como detrás de cámara. La programación incluye una celebración de la cinefilia y de la experiencia de ir al cine, un recorrido apasionado por las historias, recuerdos y descubrimientos que nacen en la oscuridad de una sala. Programación: Maria, de Jessica Paaud (19/7) y Making of, de Cedric Khan (26/7).
Domingos de julio. 19HS +INFO
TALLER | La forma como experiencia
Entendido como un itinerario experimental, este taller coordinado por Marcela Pandullo está destinado a adultos sin importar la edad. El objetivo es acompañar búsquedas personales y colectivas a través de prácticas procesuales y técnicas mixtas. La producción se concibe como una acumulación de experiencias que habilita la aparición de imaginarios, decisiones y modos propios de decir.
Hasta el 13 de noviembre, los viernes. 17 HS
(Fuente: Prensa Casa Nacional del Bicentenario)
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