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Isol nos cuenta ‘Bestiario doméstico’: “El arte te habla personalmente si sos curioso y abierto en esa relación”

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Por Andrea Viveca Sanz

La Biblioteca del Congreso es sede por estos días de una muestra gráfica en la que las ilustraciones de la escritora y artista plástica, Isol Misenta, logran dialogar con cada uno de los visitantes, quienes a partir de sus propias preguntas e inquietudes pueden encontrar diversas respuestas. Las imágenes se convierten entonces en palabras que quedan suspendidas en el aire y establecen un vínculo con los espectadores curiosos.

Con un estilo en el que las líneas son protagonistas, los personajes de Isol toman vida y se mezclan en los juegos que se proponen como parte de la muestra.

El “Bestiario doméstico” que reúne gran parte de la obra de la autora está acompañado por la muestra “Novela gráfica”, que se puede visitar en el entrepiso de la Biblioteca.

En diálogo con ContArte Cultura, la escritora e ilustradora recorre los rincones de su “Bestiario” e invita a escucharla en otra de sus artes, la música, ya que el 20 de julio cantará en vivo canciones del “Discomic” de la banda SIMA de la que forma parte junto a su hermano y otros músicos.

—¿Cómo llegó la propuesta de reunir a todas tus obras en esta muestra gráfica llamada “Bestiario doméstico” y por qué elegiste denominarla así?
—Desde la Biblioteca me contactaron el año pasado con la propuesta, mientras se realizaba la expo de Istvansch, y al ver lo linda que le había quedado a él, me animé. La verdad que es un espacio enorme y en principio me pareció un desafío grande. Justamente por su extensión, pusimos muchas cosas variadas y de allí el título, ya que refiere a una compilación de personajes, un bestiario personal compuesto por las criaturas que aparecen en mis libros.

—¿De qué manera se logró cambiar la estética de los libros para adaptarlos a la muestra?
—En realidad, lo que para mí es importante es no perder la idea narrativa de mi trabajo, entonces me parece clave poner algunos de los textos y los contextos en los cuales aparecen los dibujos. Porque una muestra de ilustración no es lo mismo que una muestra de arte plástico. Las ilustraciones tienen su fuerza en relación con un relato secuencial. También sucede que algunas veces no hay un original terminado de manera analógica, sino bocetos y dibujos previos que llegan a un arte final al pasar por procesos digitales. Entonces muestro algunos de esos estadios previos a la ilustración final, que en los libros no se muestran. También hay elementos tridimensionales en relación a las ideas de los libros, juegos, etc.

—¿Qué pueden encontrar los visitantes en los distintos rincones del “Bestiario”?

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—Hay diferentes zonas, ya que el espacio es enorme y variado. En el hall se pueden ver animaciones basadas en mis libros, ejemplares de mis libros en otros idiomas (a veces con cambios de portadas, etc), también una casita misteriosa y oscura donde se entra con una lucecita (linternas o celular) para disfrutar los dibujos del libro Nocturno, cargándolos con la luz. Basándonos en la idea de Bestiario, hicimos un dominó gigante en madera con algunos de mis personajes y sus nombres “científicos”. Tenemos una pintura en acrílico que hice in situ, basada en Piñatas, ya que invitamos a las escuelas a traer su propia piñata para ser colgada en el espacio de lectura. En este lugar se puede uno sentar a leer algunos de los libros. También hay una pared con imanes para armar personajes inventados, y un grupo de obras bajo el concepto “pequeños monstruos”, donde están originales de Petit y Secreto de Familia, El globo y Piñatas, con espejos deformantes que juegan con esta idea de cómo me veo y cómo me ven, algo que está en varios de mis libros. También podés poner tu cara en un cartel y sacarte una foto “disfrazado” de Petit. En el espacio que baja hacia el subsuelo, hay exposición de casi todos mis libros con originales, bocetos e impresiones. entre ellos, un inédito como Mariposa del Aire, sobre poemas de García Lorca (a publicarse este año). También exponemos mis materiales de trabajo y libros extraños en una vitrina, una cabeza de príncipe de la colección de La Bella Griselda, y se pueden leer todos mis libros al lado de los originales, para comparar cómo cambian al convertirse en libro y verlos en el contexto de la historia.

—Las palabras y las imágenes dialogan en cada una de tus obras, ¿crees que este diálogo se hace todavía más visible en esta exposición en la que es posible jugar con cada uno de tus personajes?
—Esa fue una de las ideas que está llevada al extremo en la sección “Vidente Natural”, una especie de oráculo que propongo a partir de imágenes y frases numeradas. Siento que el espectador construye mucho alrededor de lo que uno muestra, el cerebro asocia constantemente desde las propias inquietudes y preguntas. Este juego que propongo es la prueba, ¡porque funciona bastante! La polisemia de las imágenes es maravillosa, el arte te habla personalmente si sos curioso y abierto en esa relación.

—Al contemplar la totalidad de tu obra, ¿qué rasgos de tu arte descubriste como un sello propio que no ha cambiado con el tiempo?
—Bueno, hay algo de la expresividad de las miradas que trato siempre de buscar, que se vea qué les pasa interiormente a los personajes a través de su expresión. Y gráficamente mantengo el uso de la línea como vehículo expresivo en primer plano, salvo en oportunidades muy puntuales como El cuento de Navidad Auggie Wren de Paul Auster (en el que usé fotografías) o Tic Tac (en el que las imágenes se definen por zonas de color) en el que las líneas no están tan al frente. Trabajo con una puesta de color que no está definida por las líneas de borde, algo que es muy curioso para los niños, y celebrado. Después, hay una paleta general que parece definirme, en la cual no entran los colores fríos, hasta el azul lo suelo cortar con un poco de amarillo. Me gusta contrastar el negro y algún color vivo con colores tierras, como se puede ver en Imposible, aunque a veces esto puede ser un riesgo para la impresión, por ser tonos apagados.

—El 20 de julio se presenta en el mismo espacio la muestra “Novela Gráfica”, contanos de qué manera van a unirse la música y las artes visuales ese día y quiénes formarán parte de ese tejido de lenguajes artísticos.

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—”Novela Gráfica” se está presentando desde la inauguración de la  muestra, en el entrepiso de la Biblioteca, arriba de “Bestiario Doméstico”, y está presentada por Espacio Moebius, una editorial de cómics y rarezas que produjo junto a nosotros y el sello Noseso Records el objeto que llamamos discómic: un disco de la banda SIMA (que armé con mi hermano Zypce en 2008, junto a los músicos Nicolás Cecinini y Pablo Chimenti) con canciones compuestas entre Zypce y yo, e ilustradas en forma de cómic por grandes dibujantes como Power Paola, Paloma Valdivia, Johanna Wilhelm, Gabriel Pacheco, Lucas Nine, Decur, Mariana Chiesa, Anne Herbauts, Malota y yo misma. La gráfica de portadas e interiores tiene imágenes de la obra de Liliana Porter El hombre con el hacha, y el diseño maravilloso lo hizo Laura Varsky. Fue un sueño de laburo, y reúne todas las cosas que me apasionan: ilustración, canciones, textos, instalación. En vivo lo presentamos en 2014 en el ND Ateneo y lo hicimos hasta 2015, que fue cuando la banda se tomó un break (que aún dura) por los diferentes apetitos solistas de cada uno. La cuestión es que el 20 de julio a las 18 voy a cantar algunas de esas canciones con el músico Nicolás Cecinini (ex SIMA), con el guitarrista Julián Horita y el percusionista Pol Neiman. También cantaré otras canciones del primer disco de SIMA, y tenemos un guitarrista clásico de lujo, Alejo de los Reyes, como invitado para tocar unas cancioncillas de Lorca, en relación con el libro que está exhibido en la muestra. En el show también participará la artista Virginia Abrigo, de Santa Fe, con ilustraciones en tiempo real en retroproyector. Y también proyectaremos los dibujos de Novela Gráfica. No es música pensada para niños, realmente, pero puede ir todo el que quiera escuchar y dejarse llevar por este otro tipo de expresión mía.

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Marvel incluye en sus comics un Capitán América de la comunidad LGBTQ+

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La editorial de cómics de superhéroes Marvel anunció que este próximo de 2 de junio se publicará la primera serie del Capitán América protagonizada por Aaron Fischer, uno de los últimos personajes incluidos en ese universo que pertenece a la comunidad LGBTQ+ y lucha contra la opresión de ese colectivo.

Se trata de “Los Estados Unidos del Capitán América”, en la que el histórico Steve Rogers, el primer Capitán América, pierde su escudo en un robo y se reúne con otros héroes conocidos para iniciar un viaje a través de ese país y encontrar su característica arma.

Durante la travesía, el grupo conoce a distintas personas con variados trasfondos que en algún momento utilizaron el símbolo del superhéroe para defender sus comunidades, entre las que se encuentra Fischer, un adolescente inspirado por referentes y activistas del colectivo queer.

La historia del cómic fue escrita por el guionista Joshua Trujillo e ilustrado por la artista trans Jan Bazaldua, bajo la dirección de Christopher Cantwell y el dibujante Dale Eaglesham, los directores a cargo del proyecto.

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Gisela Lewin: “El folklore se vive, y aunque podamos estudiarlo e investigarlo, no podemos controlarlo”

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Por Andrea Viveca Sanz (@andreaviveca) /
Edición: Walter Omar Buffarini //

Existe un desplazamiento sutil, el paso que despierta el movimiento; un lápiz acompaña la danza, la línea avanza sobre el papel, gira con los pies que la conducen, se detiene. Es brazo que se agita en el aire, es aire sobre los cuerpos que bailan, vacíos de tiempo, como una celebración cotidiana.

Gisela Lewin (La Levina) es profesora de Danzas Folklóricas Latinoamericanas e ilustradora. Su arte se mueve, baila sobre los papeles, más allá de los territorios donde nacen las danzas, justo en el punto donde cada cuerpo deja su huella en un lenguaje cargado de palabras.

ContArte Cultura charló con ella para entrar en su mundo creativo y sumarse al movimiento que despierta la pasión por la danza.

PH: Maxi Astorga

—Para comenzar, vamos a poner en tus manos un objeto imaginario. Es un pañuelo, y queremos que nos cuentes cuál es la primera imagen que te despierta. ¿Cómo percibís su textura y qué emociones te provoca? ¿Hay en sus repliegues algo que pueda hablarnos de vos?
—La primera imagen que se me viene es el movimiento. Es un objeto cargado de muchas cosas: experiencias, paisajes, personas, música, olores… Creo que somos una enorme comunidad que consideramos al pañuelo un elemento imprescindible. Siempre hay que tenerlo por las dudas y si son dos o más, mejor, para convidar. El pañuelo guarda, acompaña y propone historias ¡Si el pañuelo hablara! Claro que habla de mí, de quienes lo usamos, porque no todos los pañuelos son iguales y las preferencias son personales. El peso, el color, la transparencia, el tamaño, el estampado, la temperatura; todas características que pueden identificarnos cuando la circunstancia se prevé, porque otras veces el pañuelo es una servilleta de papel o una media arrebatada de urgencia y también habla de quien se anime a reemplazarlo. Es muy interesante y tal vez por eso aparece como marca en muchos de mis dibujos.

—¿Cuál fue tu primer vínculo con la danza?
—No tengo certeza de un inicio, sólo puedo contar recuerdos que me revelan bailando. Bailar fue jugar para mí. La música que me gustaba tenía que ser bailada. La que fuera. El folklore llega a mí en la escuela primaria, donde venía una maestra a enseñarnos. Pero yo bailaba Fito (Páez), Charly (García) y cualquier cosa que me gustara. Mi inclinación más consciente con el arte del movimiento empieza haciendo teatro. Cuando termino el secundario, decido irme a Buenos Aires para estudiar Arte Dramático y el día de la inscripción me tentó la carrera de Expresión Corporal, así que terminé en ella. Más adelante, me cruzo a la carrera de Danzas Folklóricas Argentinas. Así, llevada por el entusiasmo.

—¿Qué es lo que te sedujo del folklore latinoamericano?
—La diversidad. Los infinitos vericuetos del comportamiento social y cultural que atraviesan las danzas en sus territorios. Dediqué y dedico el tiempo que puedo para viajar. Los intercambios culturales son, para mí, el motor de mis movimientos. Son el combustible emocional que necesito para comprender, interpretar y luego compartir. Es muy importante entender, desde mi punto de vista y lo digo siempre, que el camino de un maestro/maestra/tallerista/danzante es único. Sólo así podremos reconocer y valorar la otredad, y sabremos también dónde y con quién queremos aprender de qué experiencia. La historia recortada que recibimos quienes estudiamos folklore en nuestro país es, como base, interesante y por supuesto merece respeto. Pero es necesario indagar, investigar, profundizar y cuestionar y cuestionarse las cosas, por más que un libro las diga. Pensarnos dentro de un territorio mucho más grande y complejo pone en evidencia muchas arbitrariedades y vacíos de fundamentos en la supuesta difusión del folklore, y creo que por defensa de nuestro trabajo damos un valor falso de imprescindibilidad. El folklore es la naturaleza de un pueblo, no así su difusión. Sí es imprescindible la existencia de políticas de Estado que garanticen la libre expresión popular, que den lugar al desarrollo cultural y difundan el arte en general de un pueblo. El folklore se vive, y aunque podamos estudiarlo e investigarlo, no podemos controlarlo. Latinoamérica es sinónimo de un pueblo históricamente manipulado, en plena lucha y transformación social, por lo tanto tiemblan mis seguridades personales respecto a las tradiciones y sé que las de muchos y muchas más. Desde todo esto que digo brota mi amor profundo a esta multiculturalidad o a esta mirada más abarcativa.

PH: Municipalidad de La Falda

—¿De qué manera creés que nos interpela el baile a través de sus movimientos?
—Como cualquier expresión artística creo que nos interpela aquella misma humanidad que somos en determinados momentos, que propone y comparte a través de un movimiento, una melodía o una pieza, su propia interpretación de la vida. Esa proyección, cuando se presenta auténtica, es capaz de alterar nuestro estado, aunque sea por un instante.

—¿Cómo surgió la idea de celebrar la danza mediante ilustraciones?
—No fue una idea. Fue casi un accidente. Siempre proyecté mis deseos del dibujo a otras personas artistas cercanas y no tan cercanas para que los concreten. Hace menos de dos años decidí hacer público mi primer dibujo bajo mi seudónimo La Levina y nada tenía que ver con la danza. Lo hice en un terrible contexto de incendios en mi provincia que está acabando con el bosque nativo -como en el sur ahora-. El dibujo es un zorro gris abrazando las piernas de un bombero y, sin esperarlo, se viralizó una y otra vez. Después, fui publicando casi a diario distintos dibujos, entre ellos algunos inspirados en danzantes actuales. Ahí me descubrí en comunicación con ese gran movimiento al cual pertenezco desde hace mucho tiempo, pero esta vez desde otro lugar, y fue maravilloso. Logré complementar la danza, tan efímera y tan lenta en su creación colectiva (porque así la vivo yo), con el arte del dibujo, tan individual, de producción casi inmediata y de eterna duración, pero sin perder el diálogo con el arte del movimiento y en plena conexión con aquella comunidad.

—Contanos cuál es el proceso que llevás adelante para crear a tus personajes danzantes.
—No tengo una metodología. Soy un desorden importante. A veces quiero dibujar pensando en alguien y lo hago desde el pensamiento mismo, otros desde algún registro fotográfico o también desde algún video. En cuanto al resto de los danzantes creados, esos personajes que no representan a nadie real, me alcanza una intención, me atraviesa y pone a dibujar. A veces ni siquiera sé qué están bailando, pero de a poco el dibujo me lo va diciendo, sus cuerpos me lo van pidiendo. Sucede que yo me acomodo a los personajes más que ellos a mí. Por supuesto que hay otros casos donde me planto con una idea previamente diseñada en mi cabeza, pero suelen ser los menos. Lo que me inspira mucho es el folklore vivo, las manifestaciones en la actualidad, las personas viviendo sus tradiciones sin darse cuenta.

—¿Qué técnicas y materiales utilizás habitualmente?
—Dibujo con lápices escolares, microfibras y lapiceras sobre hojas comunes de oficina. A veces creo que es importante mejorar eso y uso algunas hojas de buena calidad, pero en general dibujo sobre lo que tengo. Otras veces hasta reutilizo las hojas. Después escaneo los dibujos y si quiero -porque siempre sería necesario- corrijo algunos arrebatos y le doy algún color digital. No manejo profesionalmente herramientas digitales, por lo tanto hago un trabajo precario y me defiendo para lo que voy necesitando.

—¿Creés que es posible comunicar ese movimiento que genera el baile mediante tus dibujos?
—De mis dibujos, es lo único que creo. Porque mis dibujos son técnicamente imperfectos. Son como un boceto hasta el abandono. Entonces siento que lo único que los hace auténticos y especiales es que pueden comunicar algo y ese algo incluye el lenguaje del movimiento.

—¿En qué proyectos estás trabajando actualmente?
—En este momento pienso en la próxima agenda ilustrada, siempre buscando herramientas que lo hagan posible como los financiamientos colectivos. Eso lleva tiempo, dedicación e ideas claras. Mis agendas, por lo menos las dos primeras ediciones, son como un libro. Tienen biografías de danzantes actuales y textos emergentes de la danza. El plan es continuar con algo similar para la tercera.

—Para terminar y volviendo al objeto imaginario con el que empezamos esta charla, ¿qué sueño te gustaría soltar en la danza de ese pañuelo?
—El pañuelo, entre tantas otras cosas, también representa lucha, y sueño que al enarbolarlo podamos pensar y actuar para vivir una sociedad más sana, respetuosa, amorosa y justa.

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Los museos platenses reabren sus puertas

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Bajo estrictos protocolos de prevención sanitaria, la Municipalidad de La Plata pone en marcha la reapertura del histórico “Museo Almafuerte” y del “Museo y Archivo Dardo Rocha”, los cuales funcionarán con turno previo, y con horario y aforo reducido.

Luego de la suspensión de las actividades presenciales como consecuencia de la pandemia por Covid-19, la Comuna reabre las puertas de dos emblemáticos sitios de la ciudad, con una modalidad que contempla horarios y cupos reducidos y un estricto cumplimiento del protocolo sanitario vigente.

“Celebramos la posibilidad de que los museos históricos de nuestra ciudad puedan volver a abrir sus puertas y recibir visitantes que quieren conocer más sobre la vida de personajes tan importantes como Dardo Rocha y Almafuerte”, expresó el Secretario de Cultura y Educación del Municipio, Martiniano Ferrer Picado; al tiempo que enfatizó: “Estos espacios ofrecen un material muy interesante y significativo para difundir la rica historia de nuestra ciudad”.

Según se informó, tanto el “Museo Almafuerte”, ubicado en avenida 66 e/ 5 y 6, como el “Museo y Archivo Dardo Rocha”, sito en calle 50 e/ 13 y 14, permanecerán abiertos los días miércoles y viernes, de 10 a 13hs, con visitas de entre 20 y 30 minutos de duración y cupos de 3 personas del mismo grupo conviviente como máximo.

Quienes deseen visitar el Museo Almafuerte, deben solicitar turno comunicándose al teléfono 427-5631, de lunes a viernes de 9 a 13hs; mientras que aquellos interesados en recorrer la casa del fundador de La Plata, deben comunicarse previamente al 427-5591, los mismos días y en el mismo horario de atención.

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