Artes Plásticas
Flor Rodríguez Actis: “La pintura me ayuda a volar, a asomarme a todo el universo”
Por Andrea Viveca Sanz (@andreaviveca) /
Edición: Walter Omar Buffarini //
Algo se derrama, cae al vacío, crece por sus bordes, busca los fragmentos que lo constituyen, se deja arrastrar, una línea encima de la otra, el rastro de un pincel, como una sombra que abraza. Y en ese abismo sin fronteras, se descubre parte de un todo que huele a tinta, a papel y a témperas.
Flor Rodríguez Actis es diseñadora e ilustradora, sus trazos recorren ese abismo donde cada línea es parte de otra, como recortes de la vida que se fusionan en un mismo plano.
ContArte Cultura charló con ella para conocer su universo de colores e imágenes.
—Una mancha de témpera inicia nuestra charla. Es apenas un círculo donde flotan algunas palabras. Pero todo puede cambiar en el momento que tus ojos se posen sobre ella. ¿Cuál es la primera imagen que percibís? ¿De qué color viste la mancha? ¿Qué palabras flotan en ella? ¿A qué huele? ¿Qué cosas nos puede revelar de vos esta témpera que compartimos a la distancia?
—Hay quien podría preocuparse ¿una mancha de témpera? Esa mancha, ¿cómo sacarla? A mí la pintura me ayuda a volar, a asomarme a todo el universo ¡Tanto por pintar! Es una mancha fresca, sí, libre, con identidad, de un color neutro y abierto a combinar con tantos otros colores. Y con olorcito a hogar ¡Tanto por explorar!
—Y hablando de manchas, si pudieras delimitar con una de ellas el instante en el que el arte se pintó en vos, ¿en qué rincón de tu vida la ubicarías? ¿Quiénes formarían parte de esa burbuja de colores?
—El arte siempre me acompañó y estuvo presente. Estudié diseño gráfico y luego comencé a diseñar sitios webs, sin saber que era el camino que me iba llevando a mi verdadera pasión, que se presentó años después. Soy mamá y elegí estar dedicada a full a mi hija, pero en un momento noté que necesitaba un espacio de expresión para mí, donde tener mi voz y compartir mis vivencias. Navegando por la web vi que una amiga recomendaba la escuela de ilustración Sotano Blanco, y decidí anotarme sin saber bien de qué iba la cosa. ¡Fue amor a primera vista! Una antigua casa en San Telmo, sus largas mesas y charlas mientras ilustrábamos y aprendíamos con la generosidad de nuestras maestras a las que les guardo un enorme cariño y respeto. Todavía siento el olorcito a pintura, la música suave y el paso a paso de los inicios. Siempre cuento que aquella noche, luego de mi primera clase, no pude dormir. Tenía esa sensación extraña que experimentamos cuando nos enamoramos. Creo que ese fue el momento en que entendí que la ilustración era mi camino, y los compañeros y maestros que fueron formándome están dentro de esa burbuja de recuerdos.
—Contanos la foto de tu espacio creativo, que tus ojos sean la cámara que registra los detalles y tus palabras revelen las imágenes.
—A mi estudio me gusta llamarlo “la belleza del caos”. Vivo en una casa antigua llena de detalles que hablan de mí y eso ya me da la calidez y el entorno para crear. Mi mesa de trabajo comienza en sectores ordenados: papeles, lápices, tablero para componer, cuaderno de anotaciones. Me gusta tener todo bajo control pero, inevitablemente, al tiempo se transforma en una ensalada de materiales que dan cuenta del trabajo. Nunca faltan la buena música y un café para motivar.
—¿Con qué técnicas trabajás habitualmente?
—Según mis ganas y tiempos, me gusta mucho la mancha, el collage, ir probando y armando de a partes, componer, pero esta técnica requiere de más dedicación. Para bocetar, o en ciertos momentos, ilustro digitalmente, lo que me permite cortar la jornada y seguir en cualquier momento. Y para el armado final y retoque de las escenas uso la computadora. Podría decirse que la técnica es mixta.
—¿Qué materiales elegís a la hora de crear?
—Me encanta la frescura del pastel, los papeles recortados, los lápices de colores. Este año descubrí muy buenos programas de edición e ilustración que estoy investigando, pero nunca es lo mismo que poner las manos en la masa.
—Y ya que mencionamos materiales y técnicas, en tus obras las fotografías no solo delimitan el espacio sino que marcan el tiempo, ¿cómo llegás a esa fusión entre fotos y trazos?
—Soy coleccionista de fotos antiguas que heredo o recojo de la calle. Es como entrar en escena y cada detalle, por pequeño que pueda parecer, cobra nueva vida. Recrear ese mismo momento me resulta fascinante, inspirador. Las fotos antiguas nos dicen mucho, nos hablan, y no hay nada mejor que dejarlas que nos lleven a donde nos quieran llevar y así entrar en esas escenas, quizás tan familiarmente entrañables como otras totalmente desconocidas que despiertan curiosidad. Una foto original es un tesoro, memoria de un tiempo, que al volver a pasar por el corazón sigue dando que hablar. Tenemos que, digitalmente o en copia, atrevernos a crear. Ser artesanos de nuevos recuerdos, únicos e irrepetibles, con una historia que contar.
—¿Qué no puede faltar en una creación de Flor Rodríguez Actis?
—El detalle que cuenta algo más, que nos permite una doble mirada. No me ato a lo textual, sino que prefiero dar mi propia voz o interpretación al texto. Me gusta inspirar.
—Contanos cómo fue la experiencia de trabajar con Daniela Szpilbarg para el libro “Semillas de zanahoria. La abuela teje recuerdos”, publicado recientemente por la editorial Pupek.
—Ser convocada para formar parte del proyecto fue una experiencia emocionante y muy enriquecedora. Conectar con una autora que disfrute de las fotografías antiguas como yo, de nuestras raíces, no fue casual. El proceso creativo fue muy fluido y dinámico, Daniela confió en mí desde el comienzo dándome total libertad para poder dar mi aporte al texto. Creo que el resultado es una hermosa fusión que nos transporta al pasado con esperanza y disfrute. ¡Una experiencia realmente hermosa!
—¿En qué proyectos estás trabajando por estos días?
—Estoy ilustrando de manera independiente un texto muy divertido y poético. Son tres pequeños relatos que se entrelazan unidos en un libro álbum. Nos conectamos autora e ilustradora para dar forma a este proyecto que pensamos ofrecer a las editoriales.
—Para terminar, si pudieras dejar flotando un deseo en nuestra mancha de témpera del comienzo, ¿cuál sería?
—¡Sueña! ¡Pinta! ¡Vuela! ¡Gracias por dejarme ser parte de este vuelo! Sigo siendo esa niña que con ojos grandes y bien abiertos espera un libro que me sorprenda en algún lugar. Ojalá que esta mancha de témpera se multiplique y exista siempre.
Conocé más sobre Flor Rodríguez Actis:
- Instagram: @flor_rodriguez_actis
- Facebook: mariaflorencia.rodriguezactis
- web: www.flor-rodriguez.com.ar
Del 25 al 28 de junio, MAPA celebra su 8ª edición en el Pabellón 8 de La Rural, reuniendo galerías de arte y diseño de Argentina y del exterior. Con proyectos curatoriales inéditos, colectivos de diseñadores y producciones originales, la feria vuelve a consolidarse como un espacio de encuentro para la escena contemporánea.
Con la participación de más de 400 artistas, MAPA se afirma como un espacio dinámico donde conviven diversos modos contemporáneos de producción, exhibición y circulación del arte. Así, la feria despliega un programa integral que fortalece sus objetivos: promover el intercambio, atraer nuevos públicos y contribuir al desarrollo del mercado del arte.
Este año se incorporan autores, secciones y voces innovadoras que reflejan el dinamismo del sector. Los ejes que definen el espíritu de esta edición son: Galerías, Proyectos Curatoriales, Sección Diseño, Mapa Digital y Tienda de Publicaciones. Además, producciones de Latinoamérica que amplían la proyección regional e internacional de la escena local. Desembarcarán las galerías Cielo, La Galerilla (Uruguay), Kleur Gallery (Santiago de Chile/Madrid), Made in Perú, Marissi Campos Galería (Lima), Prima (Santiago de Chile) y TM (Guayaquil).
El comité curatorial está conformado por Clara Ríos (Curaduría General), Javier Villa (Sección Principal), Natalia Albanese (Sección LATAM) y María Boggiano (Sección Diseño). Participarán galerías como Cosmocosa, De Sousa, Del Infinito, Tiempo, Imaginario, The White Lodge y Cecilia Caballero, entre muchas otras.
Entre los proyectos especiales de esta edición, MAPA contará con la participación de Juvenal Ravelo, referente del arte cinético venezolano, que realizará un mural en homenaje a Julio Le Parc (1928-2026). La obra se desarrollará en vivo junto al público de la feria, en colaboración con estudiantes de la Licenciatura en Diseño de la Universidad Torcuato Di Tella.
Otro de los homenajes estará dedicado a Luis Felipe “Yuyo” Noé, (1933-2025). “Noé en clave gráfica” acerca la obra del artista a nuevos públicos a través de la exploración de técnicas gráficas contemporáneas. La propuesta reúne piezas emblemáticas como “En la maraña” y “Recontrapoder en la naturaleza y los mitos”, junto a serigrafías experimentales. El proyecto impulsado por la Fundación Luis Felipe Noé busca expandir las formas de circulación y lectura de su imaginario visual, poniendo en diálogo obra, reproducción y experimentación.
“Concibo esta feria como un territorio clave para acompañar el crecimiento del ecosistema artístico. MAPA amplía la diversidad de plataformas disponibles y favorece un acceso más equitativo al mercado para artistas y galerías, fortaleciendo así la pluralidad del circuito”, señala Javier Villa, curador de la Sección Principal. Y agrega: “Se busca fomentar vínculos sostenibles entre agentes culturales, coleccionistas y públicos. En un contexto de transformaciones, la feria se posiciona como espacio estratégico para robustecer la infraestructura del arte, promoviendo prácticas que expanden horizontes”.
El auge del Diseño Coleccionable
Entre las novedades se suma la Sección Diseño, curada por María Boggiano. “En la intersección de las disciplinas, el diseño no es neutral, deja de ser un instrumento utilitario para situarse en el cruce entre arte y vida: ya no solo como práctica de lo posible sino como potencia de lo real. Los invitamos a sumarse a esta conversación”, convoca Boggiano.
Así, MAPA incluye por primera vez estudios, arquitectos, diseñadores independientes y propuestas que trabajan con ediciones limitadas y piezas únicas. Esta sección posiciona a la feria en sintonía con las tendencias globales, donde la frontera entre la obra de arte y el objeto de diseño es cada vez más porosa. Las exploraciones materiales, los procesos creativos y el cruce interdisciplinario dan cuenta de la expansión del sector.
“La Sección Diseño de MAPA propone fortalecer un territorio expandido donde se encuentran diseño, arte y cultura material. El diseño articula lo funcional con lo conceptual, en tanto práctica contemporánea que combina oficio, investigación, sensibilidad estética y capacidad narrativa. La Sección busca reunir la escena prolífica y efervescente del diseño argentino, con el objetivo de contribuir a su valoración material, simbólica y comercial. MAPA fortalece el diseño de autor como disciplina coleccionable”, apunta María Boggiano. En esta sección darán sus primeros pasos los colectivos Trazo Cero y Acopio. Además, se verá mobiliario icónico del Estudio Cabeza –los bancos Tronco y Territorio– y un stand dedicado a Ricardo Blanco, como el emblemático sillón escultórico Skel, de 1974.
Gran alianza del Diseño Regional: MAPA + MADE
Reforzando esta visión, MAPA invita a MADE (Mercado, Arte, Design), de San Pablo, a su Programa de Intercambio Internacional 2026. MADE es la primera feria internacional de diseño coleccionable de Brasil, reconocida como la plataforma líder en la región. La delegación desembarca en La Rural con 18 referentes del diseño brasileño. Entre ellos, Carol Gay, Aline Angeli, Goá, Studio Galasso, Iro Studio y Estudio Géo. A su vez, el curador Bruno Simões (presidente del Instituto Bardi/Casa de Cristal) seleccionará, junto a la curadora María Boggiano, un grupo de diseñadores argentinos para participar en la próxima edición de MADE 2026.
Novedades
- Auditorio: Un nodo de pensamiento, charlas y networking. El espacio, curado por Natalia Albanese, está dedicado al diálogo entre instituciones, coleccionistas, empresas de diseño y proyectos híbridos. Bajo el concepto de foro, “El futuro llegó hace rato” se postula como un dispositivo de participación e intercambio.
- MAPA Digital: Bajo la curaduría de Marianella Baladán, esta sección explora las nuevas tecnologías y lenguajes digitales. En Espacio Dinalight la propuesta Mundo., cuenta con ocho artistas digitales latinoamericanos que presentan obras en formato de instalaciones interactivas, lumínicas y generativas.
- Tienda de Publicaciones: Con la curaduría de Sol Echevarría, la tienda reúne sellos de arte, libros de artista y piezas que utilizan el formato libro como soporte conceptual y material.
- mapa.art. La plataforma permite recorrer la feria de manera virtual, con información sobre obras, galerías y artistas. Funcionará como un catálogo digital interactivo de cada edición, con herramientas de comercio electrónico y agenda de exposiciones y eventos.
“MAPA es un espacio activo de intercambio entre prácticas artísticas, galerías y coleccionismo, donde el mercado impulsa la visibilidad, la circulación y el diálogo entre escenas contemporáneas. En este contexto, la feria teje nuevas redes y habilita dinámicas de encuentro entre proyectos emergentes y consolidados para afirmarse como una plataforma de venta que busca fortalecer el crecimiento del mercado y ampliar el público”, sostiene Clara Ríos, curadora general.
MAPA se destaca por integrar propuestas de todo el país, promoviendo una mirada federal, descentralizada y diversa. El programa, que fortalece puentes con propuestas de América Latina, incluye eventos multidisciplinarios, presentaciones especiales y espacios de conversación, reflexión e intercambio entre artistas, curadores, gestores, coleccionistas y nuevos públicos.
(Fuente: mapa.art)
El próximo miércoles 1° de julio a las 18, la Casa Nacional del Bicentenario (CNB) realizará la inauguración de “Cartografías sensibles”, exposición que reúne las producciones de las artistas misioneras Sylvina Goerling y Sandra Bonetti, en una propuesta donde el arte textil se expande hacia la instalación, la performance, la fotografía y el video.
Desde una región de frontera como Misiones, ambas artistas recuperan el textil como espacio de transmisión y encuentro entre culturas, construyendo una geografía sensible donde cuerpo y territorio se entrelazan.
La exposición, curada por Marina Bosco Demarchi, presenta dos recorridos que parten de experiencias personales y modos particulares de habitar el mundo.
Sandra Bonetti desarrolla una investigación centrada en el cuerpo como territorio de identidad y transformación. A través del fotomontaje, el bordado y la performance, explora los vínculos entre la experiencia personal y los modelos culturales que atraviesan la construcción de la identidad.
Por su parte, Sylvina Goerling dirige su mirada hacia el territorio y la memoria urbana. Mediante el uso de telas, transferencias y bordados, construye cartografías subjetivas que revelan capas históricas y rastros de la vida cotidiana. Sus obras recuperan huellas, fragmentos y paisajes que dialogan entre pasado y presente, invitando al espectador a completar aquello que permanece invisible.
La muestra se podrá visitar hasta el 26 de julio en el Espacio de Arte Nacional, en el segundo piso de la CNB, en calle Riobamba 985 de CABA.
La edición 2026 de Art Basel comenzó con un fuerte impulso para el mercado internacional del arte al concretarse la venta de una obra de Pablo Picasso por 30 millones de euros (35 millones de dólares), una de las operaciones más destacadas de la feria y una señal del renovado dinamismo del segmento de mayor valor del coleccionismo.
La pieza del artista español -“Le peintre et son modèle dans un paysage” (1963)- encabezó una serie de transacciones millonarias registradas durante las jornadas de preventa reservadas para coleccionistas e invitados. Las grandes galerías internacionales informaron ventas de obras de figuras como David Hockney, Louise Bourgeois, Cy Twombly y Helen Frankenthaler, consolidando un inicio de feria por encima de las expectativas del sector.
El protagonismo de Picasso refleja la creciente preferencia de los compradores por obras de artistas consagrados, consideradas inversiones más seguras en un contexto económico todavía marcado por la cautela. Las galerías más importantes apostaron por presentar piezas de alta calidad y procedencia excepcional para atraer a los grandes coleccionistas internacionales.
Según los organizadores, el buen comienzo de la feria coincide con una mejora en las perspectivas del mercado global del arte. El último informe elaborado por Art Basel y UBS señala que las ventas mundiales crecieron en 2025 tras dos años de retroceso, aunque la recuperación se concentra principalmente en las obras valoradas en más de diez millones de dólares.
Además de las ventas en los estands principales, la sección Art Unlimited, dedicada a instalaciones y obras de gran formato, también registró adquisiciones relevantes por parte de museos europeos, confirmando el interés institucional por piezas de gran escala.
La feria reúne en Basilea a miles de coleccionistas, galeristas, curadores y artistas de todo el mundo, y permanecerá abierta al público hasta el domingo. Los primeros resultados alimentan el optimismo de un sector que busca dejar atrás varios años de desaceleración y recuperar el protagonismo de las grandes operaciones internacionales.
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