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Murió Betty Davis, ícono de la música

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Betty Davis, artista pionera del funk que influyó a figuras como Prince y Madonna, entre otros, y exesposa de Miles Davis, que introdujo a la leyenda del jazz dentro del mundo del rock y lo inspiró en su revolucionario disco “Bitches Brew” de 1970, murió el miércoles a los 77 años en Pensilvania, Estados Unidos, por causas naturales.

Así lo informó Connie Portis, una amiga de la artista, a través de un texto publicado en las redes sociales de Davis, en el que la define como “una gran influencia de la música con múltiples talentos y estrella de rock pionera, cantante, compositora e ícono de la moda”.

Betty Davis se destacó en la década del ’60 como una figura estelar en el mundo del funk, que fusionó ritmos como el soul, el jazz y el rhythm & blues, además de convertirse en un ícono por sus letras que aludían a la liberación sexual.

Además fue una especie de musa para Miles Davis cuando en 1968 se convirtió en su segunda esposa y lo acercó el mundo del rock, a partir de su amistad con artistas como Eric Clapton, Sly Stone y Jimi Hendrix.

En tal sentido, la mujer fue fundamental en la construcción de una nueva imagen para la leyenda del jazz, quien abandonó los trajes oscuros por las ropas de colores, comenzó a actuar en escenarios decorados e iluminados como los de las grandes estrellas de rock y se rodeó de músicos que, sin abandonar la tradición, tenían una impronta rockera, tal como se relata en el documental “Birth of The Cool”.

En este contexto, Miles Davis creó “Britches Brew”, en 1970, uno de los discos más revolucionarios en su trayectoria en el que dio cuenta de la influencia del rock en su vida.

Nacida en 1926 en Durham, Carolina del Norte, bajo el nombre de Betty Mabry, la artista demostró desde chica interés por la música a partir de su pasión por la obra de B.B King, Jimmy Reed y Elmore James, entre otros.

A los 16 años comenzó a trabajar como modelo pero, aunque fue en esa actividad donde alcanzó cierto renombre por primera vez, dio un giro y se dedicó de lleno a la música.

Con canciones como “Get Ready for Betty”, “Shut Off the Lighty If I´m in Luck I Might Get Picked Up”, “I’m Gonna Get My Baby Back” y “I´ll Be There”, esta última junto a Roy Arlington, se posicionó como una pionera del funk que iba a convertirse en una influencia ineludible para futuras estrellas del género.

Tras una relación sentimental con Hugh Masekela, quien trabajó como arreglador en sus éxitos “Live, Love, Learn” e “It’s My Life”, Betty formó pareja con Miles Davis a finales de los ’60, en una relación determinante para el astro del jazz.

El fogoso romance dejó como saldo un cambio radical en la carrera de Miles Davis, con el disco “Bitches Brew” como principal hito; sin embargo, la relación terminó a principios de los ’70 en medio de acusaciones cruzadas.

Mientras que el trompetista acusó a Betty de haberle sido infiel con Jimi Hendrix, ella atribuyó la ruptura al violento carácter del músico, a la vez que rechazó el supuesto affaire con el icónico guitarrista.

“Quiero que me tomen en serio, no quiero convertirme en una especie de Yoko Ono o una Linda McCartney“, solía replicar la cantante cuando en los años siguientes se la mencionaba como “la exesposa de Miles Davis“.

Aunque registró algunos discos en los ’70, abandonó la música a finales de esa década y se convirtió en una figura de culto para muchos nuevos artistas que incursionaban en el funk y el soul.

El rescate a su labor llegó con un disco de grandes éxitos en el 2000, un documental de 2017 centrado en su historia titulado “Betty: They Say I’m Different” y un nuevo single en 2019 que se llamó “A Little Bit Hot Tonight” y marcó un fugaz regreso a la música.

Claro que, aunque no se la mencione directamente, el influjo de Betty Davis permanece en cada escucha de “Bitches Brew” o en artistas como Prince, Madonna, Janelle Monae o Ice Cube, quien sampleó su voz en algunos de sus temas.

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A los 90 años murió el “constructor” de las naves más icónicas de “Star Wars”

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Colin Cantwell, el hombre que diseñó las naves espaciales de las películas de “Star Wars”, falleció a los 90 años. Su mujer, Sierra Dall, confirmó la muerte el sábado pasado, sin especificar los motivos del deceso.

Sin el trabajo de Cantwell, la recreación espacial de “Star Wars” no hubiera sido lo mismo. Entre sus trabajos destacan los prototipos para el caza estelar X-wing, el caza TIE y la Estrella de la Muerte.

Nacido en San Francisco en 1932, Cantwell estudió animación antes de dar el salto a Hollywood. No fueron sus únicos estudios, también asistió a la Escuela de Arquitectura de Frank Lloyd Wright.

En la década de 1960 trabajó en el Jet Propulsion Laboratory y en la NASA en programas educativos sobre vuelos. Durante esa década, en 1969, se encargó de alimentar las actualizaciones de Walter Cronkite durante el alunizaje de 1969.

Su gran éxito como divulgador científico y su pasión por la arquitectura lo llevaron a un incipiente y fascinante mundo para él, el de la ciencia-ficción.

Empezó con Stanley Kubrick y “2001: Una odisea del espacio”, para la que creó muchos de los efectos especiales y persuadió al director de empezar el filme con la mítica secuencia inicial seguida del amanecer de los hombres y el famoso hueso. “Trabajé estrechamente con Stanley (Kubrick) y le convencí de que no empezara la película con una mesa de conferencias de 20 minutos”, declararía Cantwell durante una convención.

Cantwell dio el salto a una de las grandes sagas del mismo género y de la historia del cine en general con “Star Wars”. Allí trabajó codo a codo con George Lucas y desarrolló los diseños de algunas de las naves más icónicas de la saga.

Un diseño sobre el que Cantwell tuvo que dar explicaciones más de una vez en su vida: “Originalmente no planeé que la Estrella de la Muerte tuviera una zanja, pero cuando estaba trabajando con el molde, me di cuenta de que las dos mitades se habían encogido en el punto en el que se unían por el medio. Me habría llevado una semana de trabajo sólo para rellenar, lijar y volver a rellenar esta depresión. Así que, para ahorrarme el trabajo, acudí a George y le sugerí una zanja”.

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Bruce Spingsteen volverá a los escenarios en 2023 con una gira mundial

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Seis años después del cierre de su gira mundial “The River” en Australia, en febrero de 2017, Bruce Spingsteen, junto a su histórica banda acompañante The E Street Band, regresará en abril del año próximo a los escenarios con un extenso tour que abarcará alrededor de una decena de países.

Así lo anunció el propio artista al publicar en sus redes sociales una grilla de 19 conciertos, que comenzarán el 28 de abril en Barcelona y concluirán el 25 de julio en Monza, Italia.

Hasta el momento, las paradas previstas son Barcelona, Dublín, París, Ferrara, Roma, Ámsterdam, Landgraaf, Zúrich, Düsseldorf, Gotemburgo, Oslo, Copenhague, Hamburgo, Viena y Múnich.

Sin embargo, se espera la confirmación de nuevas fechas en ciudades del Reino Unido y Bélgica, que por ahora no fueron incluidas en el recorrido; para luego seguir la gira a partir de agosto por Estados Unidos.

“Después de seis años, espero ver a nuestros grandes y leales seguidores el próximo año. Y estoy deseando volver a compartir escenario con la legendaria E Street Band. Nos vemos allí, el año que viene, y más allá”, escribió el creador de éxitos como “Born in the U.S.A”, “Dancing in the Dark” y “Born to Run”, entre otros.

Estas presentaciones significarán una nueva gira mundial para el icónico músico estadounidense desde que llevó a cabo el tour de 14 meses “The River” en 2017, pero además un regreso a las grandes audiencias en general si se tiene en cuenta que desde entonces no ofreció demasiados conciertos.

La última actuación pública de Bruce Springsteen y The E Street Band fue en diciembre de 2020 en el programa televisivo “Saturday Night Live”, en donde interpretó dos canciones de su último disco “Letter to You”.

Luego de eso, el músico estrenó el documental “The Legendary 1979 No Nukes Concerts” y llevó adelante su espectáculo “Springsteen on Broadway”, en la reapertura de teatros tras el inicio de la pandemia.

Los músicos que actualmente acompañan al artista de 72 años son Roy Bittan y Charlie Giordano, en teclados; Nils Lofgren , Patti Scialfa y Stevie Van Zandt, en guitarra y voz; Garry Tallent, en bajo; Max Weinberg, en batería; Soozie Tyrell, en violín, guitarra, voz; y Jake Clemons, en saxo.

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Falleció Vangelis, célebre autor de la banda de sonido de “Carrozas de fuego”

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Vangelis, el reconocido teclista y compositor griego destacado por su estilo ecléctico y contemporáneo en trabajos de género electrónico y orquestal que trasladó a las memorables bandas sonoras de filmes como “Carrozas de fuego”, “Blade Runner” y “1492: Conquista del paraíso”, falleció a los 79 años como consecuencia de un cuadro complejo de Covid-19.

Su muerte, que trascendió este jueves, ocurrió el pasado martes 17 en el sanatorio francés en el que lo estaban tratando debido a distintas complicaciones en su estado de salud tras contraer coronavirus.

Nacido en la ciudad de Agria en 1943, Evángelos Odysséas Papathanassíou -tal su nombre de nacimiento- comenzó su carrera como músico junto a bandas de pop griegas en la década de los 60, como The Forminx, y hacia los 70 se movió entre géneros para formar parte del grupo de rock progresivo Aphrodite’s Child, junto a Demis Rousos, Loukas Sideras y Silver Koulouris.

Aunque breve, el éxito de Aphrodite’s Child se terminó de consolidar con el lanzamiento de “666” (1972), álbum conceptual doble basado en el libro de las Revelaciones que al día de hoy está presente en varios rankings dedicados a ese subgénero del rock, antes de la disolución del proyecto meses después.

Es que para ese momento, Vangelis ya se perfilaba como un explorador de sonidos ambientales y new age más que del pop en el que se había iniciado, y su próximo paso fue en solitario, con la producción de sus discos de estudio “Fais que ton rêve soit plus long que la nuit” (1972), en honor a los estudiantes sublevados de 1968, y “Earth” (1973), junto a Robert Fitoussi y Koulouris, su excompañero de banda.

Tiempo después, el compositor se trasladó hasta Inglaterra para audicionar con el legendario grupo de rock progresivo Yes, luego de que su cantante, Jon Anderson -un confeso fanático suyo-, lo invitara personalmente para reemplazar al tecladista Rick Wakeman.

Si bien entre trabas administrativas y las expectativas del propio Vangelis el intento no resultó, a principios de los 80 se reencontraría con Anderson para formar un dúo con el que publicarían cuatro álbumes: “Short Stories” (1980), “The Friends of Mr. Cairo” (1981), “Private Collection” (1983) y “Page of Life”, (1991).

Fue también en esa época cuando el compositor, quien ya había tenido experiencias creando música para cine y TV -como en “To prosopo tis Medousas” (1967, de Nikos Koundouros) y “Sex Power” (1970, de Henry Chapier)-, volvió a ese terreno tras la propuesta del director inglés Hugh Hudson de trabajar para el que sería su próximo filme, “Carrozas de fuego”.

De corte heterodoxo y corriéndose a fuerza de sintetizadores de las tradicionales y orquestales bandas sonoras de películas de época, el compendio de piezas que formaron parte de la cinta le merecieron un premio Oscar de la Academia de Hollywood y, acaso más importante, un lugar bien ganado en la cultura popular.

El éxito obtenido con “Carrozas de fuego” lo propulsó a la fama internacional, y a pesar de que siempre buscó no convertirse en una “fábrica de bandas sonoras” -como solía decir-, un año más tarde le puso música al documental “Pablo Picasso Painter”, del realizador francés de origen yugoslavo Frédéric Rossif, uno de sus más recurrentes colaboradores.

También en 1981 le llegaría otra chance que se convertiría en legado con su trabajo en “Blade Runner”, la adaptación a la pantalla grande de la novela de ciencia ficción “¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?”, dirigida por Ridley Scott y protagonizada por Harrison Ford, que obtuvo candidaturas en los Bafta del cine británico y los Globos de Oro.

Durante los 80 sumó otros títulos a su trayectoria como compositor para el audiovisual, como “Desaparecido” (1982, de Costa-Gavras), “Antarctica” (1983, de Koreyoshi Kurahara) y “Motín del Bounty” (1984, de Roger Donaldson).

Sería en 1992 cuando su nombre volvería a estar entre lo más destacado del circuito de Hollywood cuando compuso para “1492: Conquista del paraíso”, donde trabajó nuevamente al lado de Ridley Scott en esa producción pensada en conmemoración de los 500 años desde que Cristóbal Colón se lanzó hacia el “Nuevo Mundo”.

Con una carrera transcurrida entre etapas centradas primero en el uso de sintetizadores y más tarde en un estilo más orquestal y una nómina de más de 50 discos de estudio en su haber, Vangelis continuó siendo hasta su fallecimiento una de las figuras más vanguardistas de su generación en el universo de la música electrónica.

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