Música
“Catálogo de vinilos de rock argentino”, una obra impostergable
Todos los vinilos editados entre 1958 y 1996 en los que haya al menos un rock o grabados por artistas de ese género, más allá del estilo que contenga esa placa, son agrupados por primera vez de manera exhaustiva en “Catálogo de vinilos de rock argentino”.
El libro, una publicación independiente de Fernando Brener y Claudio Zuccala, incluye las portadas de las primeras ediciones de alrededor de 1.600 vinilos, en donde consta además la data sobre su año de lanzamiento y la aclaración de si se trata de una publicación realizada en Argentina o en algún otro país sobre un artista local.
La labor fue encarada por dos coleccionistas que iniciaron esta tarea con el único fin de ordenar la gran cantidad de material con que contaban, aunque de a poco el trabajo fue tomando ribetes más serios que derivaron en este catálogo.
El trabajo encuentra su punto final en 1996, año en que se dejaron de lanzar discos en formato vinilo, tras la falta de ese material en el mercado y el boom del disco digital.
“Arrancamos en el ’58 con el primer vinilo en Argentina que contenía un rock, que era uno de Eddie Pequenino y su Orquesta. Ese fue nuestro punto de partida e inició un laburo de investigación de más de cinco años”, explicó Brener en diálogo con la agencia de noticias Télam.
En ese lapso, los autores encontraron que el rock en la Argentina tenía casi una década de existencia antes de la edición de “La Balsa”, de Los Gatos, considerado históricamente como el inicio del llamado rock nacional.
“La historia oficial decía que el rock había empezado con Los Gatos o con los Beatniks, pero escuchamos un montón de bandas que hacían rock desde antes y encontramos además muchas contradicciones entre los historiadores”, acotó Brener, al argumentar la inclusión de los trabajos de Palito Ortega o de Johnny Tedesco, entre otros, en este libro.
Mientras trabaja junto a Zuccala en una edición ampliada del catálogo con los vinilos lanzados en los últimos años, impulsados por el revival de este formato, Brener habló sobre el espíritu que atraviesa a este particular libro.
—¿Se autoimpusieron algún tipo de límite a la hora de decidir qué incluían y que no en este catálogo?
—Decidimos que iba a ser lo más abarcativo posible. Por ejemplo, si un artista que no hacía rock grababa alguna canción de ese género en un disco, lo incluíamos, por eso está la discografía de Palito Ortega. También se incluyen discos de artistas de rock que contienen otro género. Por ejemplo, el caso de Litto Nebbia que grabó algunos discos más folclóricos. También hay bandas internacionales formadas por músicos argentinos, como el caso de Los Rodríguez o Lions in Love, el grupo que formó Daniel Melingo en España.
—¿Hay algún juego con la nostalgia a partir de la desaparición durante muchos años de este tipo de formato?
—Nosotros sabíamos que íbamos hacia un público específico al que le gustan los vinilos y a los que les gusta el rock nacional. Lo bueno de esto es que están los artistas que de alguna manera estaban olvidados o se rescatan discos desconocidos de otros, que a veces ni ellos se acordaban que habían grabado.
—¿Es este libro una toma de postura ante la desaparición de este tipo de arte con las plataformas digitales?
—La verdad que no. En realidad, nuestra postura está dada en la idea de no discriminar, de incluir a todos aunque no sean gente ligada al rock. No quisimos dar nuestro punto de vista, a pesar de que lo hacemos con la imagen; pero no hay una bajada de línea. Tampoco se trata de una relectura de la historia del rock, como dijeron en algunos medios, en donde planteaban que estábamos cuestionando la fecha de los inicios del rock.
—¿Se plantearon la posibilidad de hacer una especie de estudio sobre las modas imperantes en las tapas en distintos momentos?
—No, lo que sí está bueno es ver la evolución de la estética de un artista a través de los años. Aunque el libro está planteado como un diccionario, es notable ver las diferencias en distintas épocas, desde los fabulosos dibujos de los 70 hasta los compilados de los 80 con tapas como si fueran un power point. Este libro es como un anexo a otros textos más completos que existen sobre la historia del rock argentino.
Rosalía calienta motores, y lo hace pisando el acelerador, con “Berghain”, una canción que, más que un videoclip, es una obra de arte que mezcla ópera, música clásica y una gran cinematografía.
Esta canción es una colaboración con Yves Tumor, productor estadounidense de música electrónica experimental, y con Björk, cantante, compositora y DJ islandesa, con la cual ya colaboró en noviembre de 2023 en el tema Oral.
“Berghain” se lanzó el lunes 27 de octubre a las 17 con el videoclip, producido por Canadá y dirigido por Nicolás Méndez, con quien la compositora ya trabajó en “Malamente”, “TKN” y “Pienso en tu mirá”.
Rodado en Varsovia (Polonia), el vídeo sigue a una mujer que atraviesa un proceso de duelo mientras lucha por curar su corazón roto. Al final, la protagonista encuentra consuelo y sanación a través de su espiritualidad.
Cantada en alemán, español e inglés, Rosalía demuestra su talento para la ópera, el cual acompaña de la magistral interpretación de la Orquesta Sinfónica de Londres, que la acompaña también en el videoclip.
No es la primera vez que se conoce el nombre de este tema, “Berghain”, ya que es la canción de la que la artista compartió una partitura en su perfil de Substack, lo cual llevó a multitud de músicos a publicar en redes vídeos interpretándola con sus propios instrumentos.
Este es el primer adelanto de “Lux”, el cuarto álbum de estudio de la catalana que verá la luz el próximo 7 de noviembre. La propia Rosalía es la productora ejecutiva del disco, en el que, además de la Orquesta Sinfónica de Londres, Björk e Yves Tumor, participan Carminho, Estrella Morente, Silvia Pérez Cruz, Yahritza y el coro infantil de la Escolanía de Montserrat, entre otros.
Además, “Lux” premiará el formato físico sobre el digital, pues las ediciones en CD y vinilo incluirán tres temas exclusivos, que invitan a los oyentes a experimentar el álbum en su forma más inmersiva.
Luego de su presentación en el Teatro Ópera La Plata, con localidades agotadas, Estelares anunció un nuevo show en su ciudad. Será la Sala Ginastera del Teatro Argentino que nuevamente recibirá a la banda liderada por Manuel Moretti para desplegar toda su usina de canciones.
La cita es el viernes 31 de octubre a las 21, con entradas a la venta por el sistema Livepass (comprando con tarjetas Visa y MasterCard del Banco Provincia hay 4 cuotas sin interés).
(Fuente: Nadya Cabrera – Prensa)
Más de cuatro décadas después de su publicación original, “Nebraska”, el disco más sombrío y minimalista de Bruce Springsteen, regresa en una nueva edición remasterizada que acompaña el estreno mundial de Springsteen: “Deliver Me from Nowhere” (“Música de ninguna parte”), la película que retrata el proceso de creación del álbum y el difícil momento personal que atravesaba el músico.
Lanzado en 1982, “Nebraska” nació casi por accidente: Springsteen grabó una serie de maquetas acústicas en su casa de New Jersey, pensando en desarrollarlas luego con la E Street Band. Pero tras varios intentos de recrear esas canciones en estudio, comprendió que nada igualaba la fuerza emocional y la crudeza de aquellas cintas caseras. Así, decidió editarlas tal cual estaban: voz, guitarra y una atmósfera áspera que marcó un giro radical en su carrera.
La nueva edición —disponible en vinilo, CD y plataformas digitales— incluye una restauración del sonido original a partir de las cintas de cuatro pistas, además de un segundo disco con versiones inéditas, tomas alternativas y notas escritas por el propio Springsteen.
El lanzamiento coincide con la llegada a los cines de “Deliver Me from Nowhere”, dirigida por Scott Cooper y protagonizada por Jeremy Allen White, que reconstruye los meses en que el artista, aislado y en plena crisis emocional, concibió una de las obras más influyentes del rock estadounidense.
A diferencia de otras biografías musicales, la película evita el sensacionalismo y se concentra en el costado introspectivo del músico: un hombre que, sin adicciones ni escándalos, libraba una batalla silenciosa contra la depresión y la sombra de un padre alcohólico.
Mientras el film ofrece una mirada íntima sobre el proceso creativo, el relanzamiento de “Nebraska” devuelve a los oyentes la intensidad original de un álbum que habló de la América invisible: de los perdidos, los fugitivos, los que avanzan a ciegas buscando una razón para creer.
Más que una coincidencia, la llegada conjunta del disco y la película funciona como un diálogo entre el mito y el hombre, entre el artista y su reflejo. Cuatro décadas después, “Nebraska” sigue sonando como un susurro en medio del ruido.
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