Música
Foo Fighters cierra Lollapalooza a puro rock y se anota entre lo mejor de esta edición
Por Hernani Natale (*)
El rock puro y guitarrero, sin poses y directo, finalmente llegó a Lollapalooza Argentina en la noche del cierre con el rotundo show de Foo Fighters, que además se posicionó como uno de los mejores en esta edición que se inició el viernes en el Hipódromo de San Isidro, junto con el que brindó en la jornada de apertura Miley Cyrus.
En la que definitivamente fue la presentación más larga de este encuentro musical, con su extensión de poco más de dos horas, el set del grupo liderado por Dave Grohl fue un auténtico torbellino sonoro que no dio respiro a la multitud que colmó el lugar.
Extremadamente simpático y comunicativo, el exNirvana descolló como showman sólo con su carisma, lo que sumado al demoledor sonido del grupo conformó un cocktail explosivo que difícilmente pueda haber dejado disconforme a alguien.
Hasta la noche del domingo, esta séptima entrega dejaba como saldo algunos puntos altos, en donde en el plano local sobresalían ampliamente Wos y Litto Nebbia, y en el internacional Miley Cyrus parecía haber cerrado cualquier posible discusión en la primera noche, hasta que Foo Fighters se puso a la par sobre el final del festival.
El temblor que provocó la banda de Seatlle comenzó a presentirse cuando Dave Grohl pisó el escenario y generó con “Times Like This” el suspenso necesario hasta el momento de la explosión de toda la formación.
“The Pretender”, “Learn to Fly”, “No Son of Mine”, “The Sky Is a Neighborhood” y la cautivante “Shame Shame” fue apenas el vendaval inicial. Sin embargo, la mano maestra de Grohl hizo que cada interpretación, por intensa que sea, no se presentara como una especie de sucesión de golpes a la cara al estilo ramonero, sino que manejó intensidades y silencios como para tomar envión.
Allí es donde el resto de la banda respondió de maravillas y no titubeó en seguir la batuta que el líder fue manejando de manera improvisada en un constante doble juego: con el público y con sus compañeros.
Entre ellos, encontró en el baterista Taylor Hawkins a su gran parteneire, en lo musical y en lo performático. Acaso, el momento cúlmine fue cuando este fue invitado al centro del escenario y Grohl pasó a ocupar su lugar en la batería para una sorprendente versión de “Somebody to Love”, de Queen, que tuvo su gran mérito en no pretender ser una copia de la original.
En el jugueteo musical, el grupo regaló también breves guiños a Los Ramones con un pasaje de “Blitzkrieg Bop”, The Who con “My Generation”, y al clásico bailable “Gonna Make You Sweat”.
“Lo saben, son la audiencia más loca de todo el puto mundo”, dijo con evidente sinceridad Grohl y lo repitió más adelante. Si hacía falta una prueba de ello, un fan le acercó un retrato suyo que lo sorprendió. “Tienen un Picasso en casa”, dijo a la audiencia a modo de elogio al autor de esa obra.
Tras la infaltable “Best of You”, Grohl invitó al escenario al creador del festival y líder de Jane´s Addiction, Perry Farrell, para una excelente versión de “Been Caught Stealing”; en un formidable cruce.
“No me gusta decir adiós porque vamos a volver”, dijo el músico, quien parecía no querer irse, antes de cerrar con “Monkey Wrench” y “Everlong”, y redondear así una memorable actuación.
Paradójicamente, en una grilla con un amplio predominio de artistas de ritmos urbanos, una buena dosis de pop y rock alternativo, probablemente la única banda cultora de un rock directo sobresalió por sobre el resto.
Por caso, la tercera fecha tuvo en otro escenario en simultáneo con Foo Fighters a L-Gante, en su debut en un festival masivo; Babasónicos había hecho lo propio una hora antes y el DJ Martin Garrix despedía con su set bailable a esta edición.
La tarde se había presentado en un plan pop bailable con Emmanuel Horvilleur y Alessia Cara, y cuando se iniciaba el crepúsculo fue tomando un matiz más cercado a los ritmos urbanos con Tiago PZK, otro debutante, y el puertorriqueño Jhay Cortez.
La carismática Alessia Cara animó el primer tramo de la tarde con un interesante set de canciones pegadizas y un notable desempeño vocal; y dejó así la mesa servida para que en el escenario más cercano hiciera lo suyo Emmanuel Horvilleur.
“La tercera es la vencida”, dijo el exIllya Kuryaki and The Valderramas, al aludir a dos cancelaciones previas que sufrió en el festival, una de ellas en 2018 por una fuerte tormenta y la otra en 2020 por la pandemia de coronavirus, por lo que su set tuvo gusto a revancha.
Con esa energía contenida, el artista hizo gala de su elegante estilo cancionero de bases funky y souleras, y se paseó por lo más selecto de su repertorio.
Así pasaron “Radios”, “No como”, “El hit” y “Llámame” junto a Goyo Degano, de Bándalos Chinos, entre otras.
Sobre el final, recordó su paso por este festival cuando conformaba el famoso dúo junto a Dante Spinetta, le mandó un saludo a su antiguo compañero y, así como un rato antes había regalado una estrofa de “Abarajame”, decidió cerrar su performance con “Jugo”.
El estilo pop que tiñó a esta última tarde cambió bastante cuando el sol comenzaba a despedirse aunque no así la invitación al baile con el debut de Tiago PZK y su oferta de ritmos urbanos.
Visiblemente desbordado por el marco, el joven artista ingresó al escenario como un rapero gansta, se puso romántico, coqueteó con el R&B y se metió de lleno con el trap y el rap a medida que fue avanzando su actuación.
“Este es mi primer show. Hace un año y medio yo no estaba en ningún lado. Miren dónde estoy ahora. Se puede, guachos, todo se puede”, dejó como gran mensaje de su presencia en el festival.
Esta tendencia urbana se intensificó en los primeros minutos del anochecer con Jhay Cortez, quien se paseó por el rap, el trap y el reggaetón; y entrada la noche con L-Gante y su cumbia 420. Aunque claro que, para entonces, Foo Fighters ya estaba con su volcán sonoro en plena ebullición.
De esta manera llegó a su fin esta séptima edición que marcó el regreso del festival tras un parate obligado de tres años por la pandemia de coronavirus. Cabe recordar que la versión 2020 se canceló pocos días antes por el inicio de las restricciones sanitarias.
Las cerca de cien mil personas que desfilaron cada día por el predio y la amplia oferta de actividades que acompañaron a la música arrojaron que el festival mantiene su espíritu, por lo que tiene asegurada una larga vida.
(*) Agencia de noticias Telam.
Dieciséis años después de la separación que parecía definitiva, Oasis vuelve a encontrarse en una pantalla grande. Oasis: Don’t Look Back in Anger, estrenado esta semana en cines, registra la gira Live ’25, el regreso de Liam y Noel Gallagher a los escenarios y, sobre todo, el reencuentro de dos hermanos cuya relación quedó durante años asociada a las peleas y los desencuentros.
Dirigido por Will Lovelace y Dylan Southern, con guion de Steven Knight, el documental se presentó fuera de competencia en el Festival de Venecia y combina imágenes de los conciertos, ensayos, backstage y entrevistas con los protagonistas. El registro comienza a acercarse a los Gallagher durante los preparativos del regreso y acompaña una gira que llevó a Oasis por distintos continentes ante millones de espectadores.
La película evita convertir las antiguas disputas entre los hermanos en el eje de la historia. En lugar de reconstruir minuciosamente las razones que llevaron a la ruptura de 2009, pone el foco en lo que ocurrió cuando volvieron a compartir escenario: una relación que se recompone de manera gradual y que encuentra en las canciones un terreno común.
Ese enfoque explica también el protagonismo que tienen los seguidores. El documental incorpora distintas historias para explicar qué significa Oasis para quienes crecieron con sus canciones y para quienes descubrieron la banda muchos años después. La puesta en escena busca transmitir esa experiencia colectiva con un importante despliegue de cámaras durante los conciertos.
El resultado apuesta abiertamente por la emoción y la nostalgia. Para algunos críticos, ese tono puede resultar excesivamente sentimental y por momentos demasiado complaciente con la idea de una reconciliación casi perfecta. Pero esa misma elección le permite al filme capturar algo que excede a los Gallagher: la capacidad de una canción para recuperar una época, reunir a desconocidos y convertir un concierto en una experiencia compartida.
Entre las canciones que aparecen durante el recorrido están varios de los clásicos que construyeron la identidad de Oasis, como Live Forever, Supersonic, Slide Away, Wonderwall, Champagne Supernova y Don’t Look Back in Anger. La película también recupera la importancia de Paul “Bonehead” Arthurs, guitarrista fundamental de la primera etapa del grupo.
Oasis, San Lorenzo y una versión de Wonderwall
En Argentina, el documental tiene además una particularidad que conecta al britpop con una tradición mucho más local: las imágenes de la hinchada de San Lorenzo.
Aunque Oasis ofreció dos conciertos en el estadio Monumental durante su regreso, la película eligió mostrar otra expresión de su vínculo con la Argentina. En una escena filmada en el Nuevo Gasómetro aparecen hinchas de San Lorenzo con bombos y banderas interpretando una adaptación de Wonderwall, uno de los grandes clásicos de la banda.
La producción registró especialmente esa versión durante una convocatoria realizada en el estadio Pedro Bidegain, en la previa de un partido ante Sarmiento. La melodía de la canción de 1995 fue transformada por los hinchas en un canto dedicado al club, una apropiación que despertó el interés del equipo del documental.
La escena funciona así como una pequeña síntesis del fenómeno que intenta retratar Don’t Look Back in Anger: canciones nacidas en Manchester que, tres décadas después, pueden reaparecer en una tribuna de Buenos Aires con otra letra, otro significado y la misma capacidad para hacer cantar a miles de personas.
(Fuente: Agencia Noticias Argentinas)
El músico Gustavo Nasuti presenta “El ocaso de las hojas”, su nuevo álbum en formato cuarteto de guitarras. El estreno oficial será el sábado 3 de octubre a las 21 en el Centro Cultural Cuerda Mecánica, de calle Juramento 4686, en el barrio porteño de Villa Urquiza.
Sobre la obra
En una nueva entrega de Nasuti, esta vez a través del sello Shagrada Medra, el artista ofrece nueve músicas, de las cuales siete son composiciones propias. A esto se le suman dos versiones: “El amor es un camino que de repente aparece” de Víctor Jara y “New old age” del pianista y compositor inglés John Taylor.
Formado junto a Gonzalo Lázaro, Matías Peralta y Germán Kwater, el cuarteto incursiona en la milonga, el huaino, el vals y el amplio género canción. En este disco las guitarras están tratadas no a la manera de los cuartetos tradicionales del tango y del folklore argentino, sino más bien con un tratamiento “poético” de la guitarra, conservando algunos rasgos de aquella tradición guitarrística pero incursionando más en la generación de estados sonoros meditativos, propios de la música de Nasuti.
“El ocaso de las hojas” es una evocación a la belleza oculta tras la aparente desazón que generan los finales de las cosas, trayendo la posibilidad de un nuevo amanecer.
“El movimiento se presenta tenue, casi deja impresos sus símbolos en el viento de marzo. En la fragilidad del mantillo de otoño, descansa el universo de los reverdeceres, entibiando comienzos en la propia luz del ocaso”, declara su colega Daniel Pregal.
Ficha técnica
- Grabado, mezclado y masterizado: Ariel Gato en estudio Puntoar, entre mayo de 2025 y junio de 2026.
- Sello: Shagrada Medra
- Edición: Waldemar Garin y Gustavo Nasuti.
- Arte de portada y diseño gráfico: Stella Maris Santiago
- Fotos: Facundo Jalil
Gustavo Nasuti Cuarteto
- Matias Peralta guitarra 7 cuerdas, voz
- Gonzalo Lázaro guitarra, voz
- Germán Kwater guitarra, voz
- Gustavo Nasuti guitarra 7 cuerdas, acordeón, voz.
(Fuente: Florencia Meluso – Prensa)
Babasónicos presenta “Miau”, nuevo corte de difusión de “Cuerpos Vol. 1”, su última producción discográfica. Con este tema, la banda vuelve a poner el foco en algunos de los rasgos de la vida contemporánea y propone una mirada crítica sobre la manera en que las personas se relacionan en tiempos marcados por la hiperconectividad.
La canción se suma al universo conceptual de “Cuerpos Vol. 1”, un trabajo con el que la banda continúa explorando diferentes dimensiones de la experiencia humana a través de su particular identidad sonora y lírica.
El lanzamiento llegó acompañado por una frase que resume parte del espíritu de la nueva canción: “Quizás, en poco tiempo, seamos los últimos seres con la contraseña del habla”. La reflexión pone en primer plano el lugar de la comunicación y plantea un interrogante sobre el futuro de los vínculos humanos frente al avance de la tecnología.
Presentaciones
Babasónicos se presentará el 16 y 17 de octubre en el Movistar Arena de Buenos Aires, con la primera fecha ya agotada. Luego continuará su recorrido por diferentes ciudades de Argentina y México.
Entre las próximas fechas aparecen:
Córdoba el 23 de octubre
Tandil el 30 de otubre
Mar del Plata el 31 de octubre
Tucumán el 6 de noviembre
La Plata el 14 de noviebre
Ciudad de México el 25 de noviembre
(Fuente: lacoope)
Oasis volvió para reconciliarse con el mundo y también con su propia historia
El Aeropuerto Internacional de Nashville podría llamarse Dolly Parton
“Persona, héroe latino”, con Toto Kirzner, en el Caras y Caretas
 Edición Nº |
Debes iniciar sesión para publicar un comentario. Acceso