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Música

“Guitarra Negra”: Alfredo Zitarrosa de la mano de la Orquesta Juan de Dios Filiberto

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El próximo 18 de agosto a las 20 la Orquesta Nacional de Música Argentina Juan de Dios Filiberto, con dirección del Maestro Andrés Tolcachir, interpretará “Guitarra Negra”, el célebre poema de Alfredo Zitarrosa, con música inédita de la compositora y pianista Marina Ruiz Matta en el Auditorio Nacional del Centro Cultural Kirchner.

Para esa fecha, el programa estará dividido en dos partes. Una incluye la interpretación de la orquesta junto al actor Diego Velázquez como narrador del poema y Marina Ruiz Matta en composición, orquestación y piano. La segunda, titulada “Latinoamérica más allá del tiempo” incluye obras del cancionero latinoamericano como Ay de Mí (Homero ManziSebastián Piana), Gavilán (Violeta Parra) y Construcción (Chico Buarque) además de temas originales de Marina Ruiz Matta: “Gismonticinia”, “Baguala para el angelito” y “Querido encogí a los niños” interpretados por la Orquesta Nacional de Música Juan de Dios Filiberto, el Coro Nacional de Música Argentina y la cantante invitada Florencia Cozzani.

Marina Ruiz Matta

Tras asumir el desafío de alejarse de las guitarras y las cuerdas de la versión original, Ruiz Matta propone una soberbia composición orquestal acompañada por la figura del narrador, encarnada en Diego Velázquez que, a través de distintas herramientas expresivas, conducirá al auditorio hacia lugares diversos, pasando de una furiosa intensidad a la intimidad más melancólica.

Todo el repertorio de la noche, incluida “Guitarra Negra”, es de origen latinoamericano, y en ese sentido la artista destacó: “Me interpela profundamente la cuestión latinoamericana. Me parece muy importante recordar siempre (y recordarme a mí, en primer lugar) que este lugar que habito es mi lugar de pertenencia.”

Finalmente, Ruiz Matta señaló: “Zitarrosa me conduce directo a mi infancia, a mi casa. Me parece muy oportuno, además, en este momento del mundo, evocar aquella ‘Guitarra Negra’ que el artista escribió en el exilio. Hoy atravesamos como sociedad un resurgimiento de discursos de odio y distintas refutaciones a las luchas emblemáticas por los derechos humanos, ¿qué son esas expresiones, sino una muestra clara de la desvaloración de la vida humana?. Escuchar nuevamente este poema fue por sobre todo volver al hogar”.

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Música

Diego Frenkel, Paula Maffía, Lucy Patané y Manu Martínez cierran el ciclo “Febrero en el Argentino”

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Luego de tres semanas con una variada programación de música que combinó diferentes estilos y artistas, Diego Frenkel, Paula Maffía y Lucy Patané con “Lesbiandrama”; y Manu Martínez se presentarán en Patios de Verano en la Plaza Seca del Teatro Argentino de La Plata. Será este jueves 29, desde las 19.30, en el espacio de 9 y 51, con entrada gratuita y por orden de llegada.

También habrá musicalización a cargo de Código Provincia, el catálogo de artistas y de la industria musical bonaerense. Además, en la plaza seca y con la participación de 25 emprendimientos que mostrarán y comercializarán sus productos, se realizará “Tienda FINDE de Diseño Bonaerense”.

Sobre el ciclo

El Instituto Cultural de la provincia de Buenos Aires ofreció en el Centro Provincial de las Artes Teatro Argentino de La Plata una programación con artistas nuevos y consagrados que brindaron shows en el marco de esta edición de “Febrero en el Argentino”. La grilla incluyó ritmos como jazz, folk, fusión, tango, música urbana y canciones de autor, con artistas como Gillespi, Sara Hebe, La Piba Berreta, Mochi, Vruma tango trío y Javiera Luna, entre otros.

Esta propuesta del Instituto Cultural se sumó a las líneas que ya viene desplegando el organismo desde que se inició la temporada, con ofertas culturales en los marplatenses Teatro Auditorium y Museo Mar y en toda la Provincia con Circuitos de Verano. La agenda completa se puede consultar en la App de Recreo o en https://institutocultural.gba.gob.ar/agendaverano

(Fuente: Comunicación | Subsecretaria de Industrias Creativas e Innovación Cultural)

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Clips

“Las letras ya no importan”, el nuevo disco de Residente

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El rapero puertorriqueño Residente (René Pérez Joglar) difundió en plataformas digitales su nuevo álbum “Las letras ya no importan”, que incluye veinte canciones que ha compuesto en los últimos siete años.

El álbum está repleto de colaboraciones musicales: entre ellas, con los raperos Busta Rhymes, Big Daddy Kane y Vico C (pionero puertorriqueño del reguetón) y los cantantes Rauw Alejandro y Christian Nodal. Se sumerge en el rock, el hip-hop de la vieja escuela, el flamenco, el son cubano, la música palestina, el electro y -en tono de burla- el pop.

En la semana había lanzado el tema “313”, con la participación de la actriz española Penélope Cruz y la voz flamenca de Silvia Pérez Cruz.

El álbum también incluye una canción crítica hacia el gobierno cubano, “En talla”, registrada junto al rapero Aldo Roberto Rodríguez Baquero, más conocido como “Aldo El Aldeano“. La letra, además de los cuestionamientos políticos, reivindica la relación entre Cuba y Puerto Rico.

“Las letras ya no importan” es el segundo álbum solista de Residente, tras su disco debut en 2017. Desde entonces evolucionó desde el rap hacia los géneros globales.

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Mundo

Diez años de la muerte de Paco de Lucía: la guitarra que cambió al mundo

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Por Mariano Suárez (*)

Diez años pasaron de la muerte de Paco de Lucía: no hay disidencias -las hubo- sobre su influencia transformadora en la guitarra, el flamenco y la música toda; en cambio, no parece haber manera de establecer con más sustantivos que adjetivos el alcance de esa transformación, tal vez porque no ha terminado.

Los estudios y ensayos biográficos sobre Paco de Lucía son todavía pocos en relación con la fuerza de obra (se acaban de publicar dos libros en España, ninguno disponible en Argentina) y ha sido un hombre austero en declaraciones y apuntes de vida; por lo que, en principio, luce sencillo reducir su vida, bajo la modalidad periodística, a una secuencia de episodios más o menos representativos. Pero su música es más inasible.

“El flamenco antes de Paco era un señor gordo con sombrerito en una silla de madera y con una copa de vino”, afirma Manuel Escacena, uno de sus recientes biógrafos.

La sentencia y la imagen, tentadoras, simpáticas, son por lo menos incompletas. Cuando no falsas.

El guitarrista que murió en Playa del Carmen, México, el 25 de febrero de 2014, expandió el flamenco, lo universalizó, desarrolló una conexión con el jazz, enseñó al mundo una manera de tocar la guitarra que nadie había descripto en ningún manual, pero a la vez aprendió de la legendaria oralidad de la música flamenca, que atrapó desde niño.

Si bien en la década del ’70 y ’80 su irrupción lo ubicaba -¿acaso podía ser visto de otra manera?- como un desplazamiento de las raíces puras de esa tradición-; su guitarra fue durante un tiempo hija de esa escuela con diferentes maestros, algunos bastante evidentes (Niño Ricardo, Sabicas).

Otra narrativa errónea lo ubica como un guitarrista liberado a la improvisación que, es cierto, cuando comenzó era una extrañeza en el flamenco. Al contrario: Paco de Lucía es la expresión de la mirada cartesiana, la concepción científica de la música. La intuición la llevaba sola desde niño.

Aprendió a tocar en su casa de Algeciras, en Cádiz, gracias a su padre. La guitarra no era un entretenimiento. Su padre Antonio, también guitarrista aficionado, descubrió temprano el talento de su hijo y desde el primer día tuvo un plan para hacer él el mejor guitarrista que haya pisado la tierra. Como Leopold Mozart, con sus hijos Wolfgang y María Anna.

Paco nació el 21 de diciembre de 1947 en el popular barrio de La Fuensanta. Fue el menor de los cinco hijos de Lucía Gomes Gonçalves, “La Portuguesa“, y de Antonio Sánchez Pecino.

La universalización de su música responde a un hecho claro. El suceso de la rumba “Entre dos aguas”, incluida en el álbum “Fuente y Caudal”, su cuarto disco solista, en 1973.

Su interpretación, con un compás acentuado, era poco convencional. Es resultado de una improvisación sobre el tema “Rumba improvisada”, un tema de un disco que había publicado dos años antes. “Me siento libre con las rumbas, no tienen tradición y puedes hacer lo que quieras con ellas”, dijo.

Su éxito como guitarrista alteró la forma de interacción en el cante flamenco: los “inmovilistas” consideraban al instrumentista un mero acompañante del cantaor (la expresión usual para acotar su función era la de “banderillero”. No aparecían en los créditos y muchas veces tampoco cobraban. Aquello cambió para siempre.

Si el flamenco es el canto a la desesperación, al desconsuelo al dolor irredento, nadie lo expresó como José Monge Cruz, conocido como “Camarón“.

Grabaron juntos nueve discos entre 1967 y 1977 (antes cantaba en sus discos el hermano de Paco, Ramón de Algeciras) y tres más en los que también se incorporó el guitarrista Tomatito. Hubo una discusión sobre una disputa de derechos de autor, pero que no alcanzó a alterar aquella hermandad.

En 1975, Paco actuó en el Teatro Real de Madrid e inició una tanda de conciertos junto a Carlos Santana y a Al Di Meola, en 1977. En 1980 participó también en los conciertos ofrecidos por John McLaughlin y Chick Corea. La riqueza del flamenco era un manantial para aquellos que exploraban sobre las raíces negras de la música estadounidense.

“Siroco” (1987) fue, tal vez su último hito. El aquel tiempo coleccionaba elogios indiscriminados: fue considerado un álbum perfecto.

Tuvo un matrimonio de 20 años con Casilda Varela. En México, su refugio en el mundo de los últimos años, y conoció a Gabriela Canseco, una restauradora mexicana, con quien se casó. Con Casilda tuvo tres hijos y con Gabriela dos.

Paco falleció de un infarto de miocardio en Playa de Carmen. Se público un disco póstumo, “Canción andaluza”.

Una vez el poeta Félix Grande dijo que de la música de Paco de Lucía que tenía una soledad tumultuosa, una bravura radical, una impetuosa pena y una serenidad dramática.

Siguen faltando sustantivos. Cambió al mundo, pero todavía no sabemos contarlo bien.

(*) Agencia de noticias Telam.

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