Música
Hace 50 años, Queen lanzaba su álbum debut y comenzaba a mostrar su potencial al mundo
Por Hernani Natale (*)
El 13 de julio de 1973, luego de más de dos años de acumular experiencia en los circuitos de clubes de Londres y sus alrededores, Queen lanzaba su homónimo disco debut, una producción que no logró posicionar a ninguna de sus canciones como un clásico de la banda y que tuvo un moderado éxito, pero que sin embargo comenzó a mostrar muchas de las virtudes que convertirían al grupo en uno de los imprescindibles en la historia del rock.
En realidad, el álbum “Queen” era un gran trabajo que se movía entre el hard rock, la música progresiva y cierto espíritu glam que atravesaba al movimiento en esos años; capaz de dialogar de igual a igual con cualquiera de los grandes números de la época; sin embargo, el registro no permitía todavía definir con claridad el perfil del cuarteto conformado por Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon.
Es que si bien había un barroquismo, que más adelante iba a ser característico del grupo, respondía más a esta particularidad de anclarse en una etapa en la que algunas sonoridades de esa índole marcaban el pulso, que al perfil marcadamente operístico que, fundamentalmente de la mano de Mercury, iba a ser el gran rasgo distintivo de Queen.
Por ese motivo, en la placa abundan las referencias a Led Zeppelin, Jethro Tull, Deep Purple, Black Sabbath y el glam de Moot the Hoople y un David Bowie, que apenas unos días atrás había “asesinado” en escena a Ziggy Stardust, su criatura más recordada que se había eregido como la figura estelar de esta escena.
“Queen” contenía diez cortes, con “Keep Yourself Alive”, el primero de ellos, como tema de difusión, el cual iba a ser un hit obligado en los conciertos de la primera época del grupo pero iría perdiendo terreno con la aparición de nuevos álbumes y éxitos descomunales.
El resto de la placa incluía “Doing it Alright”, una delicada balada de Smile, la formación de May y Taylor que fue el germen de Queen; temas como “Great King Rat”, “My Fairy King” o “Liar”, que presentaban temáticas fantásticas sobre pesados riff de guitarras y cambios de ritmos que lo acercaban tanto al hard rock de Led Zeppelin como al progresismo de bandas como Yes o Genesis.
“The Night Comes Down” cargaba con toques de folk; con “Modern Times Rock and Roll” Roger Taylor anotaba una pieza emparentada con los altos tempos de Deep Purple; mientras que “Son and Daughter” se iba hacia el otro extremo para destacar con un arrastrado riff que lo dejaba en la misma vereda que Black Sabbath.
En definitiva, a lo largo del disco que completaba la grandilocuente “Jesus” y una versión instrumental de “Seven Seas Of Rhye” –la cual iba a aparecer completa en su segundo disco- no se vislumbraba con claridad aún el carácter operístico que iba a distinguir al grupo y, a la vez, le permitiría diferenciarse de sus notables influencias.
Justamente, “Queen” había tenido su origen el año anterior cuando la banda ingresó al estudio De Lane Lean para registrar “Keep Yourself Alive”, “The Night Comes Down”, “Great King Rat”, “Jesus” y “Liar”; pero no le resultó fácil lograr que algún productor se interesara en ellas, quienes en general no encontraban grandes diferencias respecto a otros grupos ya establecidos en la escena.
Quienes sí vieron el potencial del cuarteto fueron los productores Roy Thomas Baker y John Anthony, que recomendaron el grupo a los propietarios de Trident Studios, los hermanos Barry y Norman Sheffield. Ellos accedieron a que Queen grabara allí su disco debut pero en los horarios en los que el estudio no estaba ocupado, es decir en el marginal espacio que iba entre la última hora de la tarde hasta entrada la madrugada.
Lo cierto es que para entonces, más allá de la novedad que suponía el trabajo de estudio y el tiempo que le iba a llevar acomodarse a esta nueva modalidad, el grupo ya contaba con un pulido show en vivo, a partir de la intensa agenda que mantenía desde 1971, cuando la formación se había constituido definitivamente con el ingreso de John Deacon.
De hecho, en estas sesiones, la banda también grabó varias canciones que formaban parte de sus conciertos pero no llegaron a ser editadas, del mismo modo que se habían rescatado creaciones de Smile, el trío que conformaban previamente May y Taylor junto a un bajista y cantante llamado Tim Staffell.
“El primer disco para mí es un claro punto de partida, la columna vertebral donde después ellos crearían las demás estructuras y detalles del ‘cuerpo de la bestia Queen‘. Quizás me confunda, pero creo poca gente se habrá dado cuenta en ese momento de que ése disco era el primer paso de una banda que hacía un crecimiento y mutación musical, y terminaría siendo una de las cinco formaciones más importantes de la historia de la música”, sentenció a pedido de la agencia de noticias Télam Mariano Zito, quien encarna a Freddie Mercury en la banda tributo local Experiencia Queen.
“Es una genialidad como primer disco y el mejor puntapié que podría dar una banda. Tiene una canción mejor que la otra, y no lo digo de fanático”, señaló, por su parte, Diego Gil, quien también asume el rol del famoso frontman aunque en el proyecto Queendom.
Gil destacó del disco “los matices entre las melodías suaves, livianas y la combinación con la explosión”. “Viene con un fraseo muy tranquilo y luego explota, eso es lo que caracteriza al disco a mi entender”, apuntó el vocalista, mientras hacía sonar de fondo en su equipo musical “Liar” a modo de ejemplo.
“Es muy interesante ver cómo este disco es claramente la semilla de todo lo que desarrollarían después –advirtió, en tanto, Zito-, agregando más pianos, mucho más presente en sus posteriores discos y consolidando su estilo difícil de categorizar.
“O sutiles y no tan sutiles pistas que se pueden apreciar sobre el estilo de composición de Freddie en algunas canciones de este primer disco, en cuanto a la complejidad, cambios de dinámica y el feeling épico, que termina logrando de manera absoluta en ‘Bohemian Rhapsody’”, amplió el cantante de Experiencia Queen.
La foto de la portada del álbum “Queen” muestra de manera difusa y de lejos a un apoteótico Mercury sobre el escenario, otro presagio de lo que eran los shows del grupo y el rol del vocalista en los años siguientes.
Queen iba a registrar en agosto de ese mismo año su segundo disco, que vería la luz en marzo de 1974 bajo el nombre “Queen II”, una producción que ajustaría un poco las piezas pero seguiría en la misma tesitura que su ópera prima. Sin embargo, la foto de portada tomada por Mick Rock iba a constituirse como una icónica imagen de la banda, con los cuatro en penumbras ubicados en forma de rombo que se haría famosa en el video de la canción “Bohemian Rhapsody”.
1974 sería también el año de la llegada de los primeros grandes hits con “Killer Queen” y “Now Im Here”, de su tercer disco “Sheer Heart Attack”; y 1975, el de la consagración definitiva con “A Night at the Opera”, a partir de sus clásicos “Bohemian Rhapsody”, “Love of my Life” y “Youre my Best Friend”, entre otros.
(*) Agencia de noticias Telam.
El pianista argentino Horacio Lavandera regresa a Mar del Plata con un espectáculo para su público habitual pero sobre todo para los amantes del cine.
El viernes 3 de abril a las 20.30, en el Teatro Colón de Mar del Plata, el piano se convertirá en un puente entre dos mundos: el de la música clásica y el séptimo arte en “Cine al piano”, un concierto con el que el artista invita a recorrer una travesía musical que va desde la profundidad emocional y técnica de Johann Sebastian Bach hasta las épicas y evocadoras melodías de John Williams, pasando por la intensidad romántica de Frédéric Chopin y la innovación de Astor Piazzolla y Osvaldo Golijov.
Las entradas se encuentran a la venta en https://articket.com.ar/HORACIO-LAVANDERA-EN-TEATRO-COLON/ y en la boletería del teatro en Hipólito Yrigoyen 1666.
Sobre el show
La primera parte del concierto nos sumerge en el universo de Bach, cuyas obras maestras, como la “Fantasía cromática” y las “Variaciones Goldberg” (BWV 988), nos revelan la extraordinaria riqueza armónica y la brillantez estructural que caracterizan al compositor alemán. Las “Variaciones Goldberg” no solo son una de las composiciones más importantes de la música barroca, sino que también fueron popularizadas en el cine en “El paciente inglés”, donde su poderosa interpretación al piano marca momentos claves en la narrativa de la película. La música de Bach aquí nos invita a experimentar la complejidad y la belleza del Barroco, un terreno fértil para las emociones más profundas.
En la segunda parte, el piano se convierte en un vehículo de expresión más contemporánea. Frédéric Chopin, con sus “Balada No. 1 en sol menor, Op. 23”, y el “Andante spianato y gran polonesa op. 22”, nos lleva por un recorrido emocional lleno de contrastes, desde la intensidad y la melancolía hasta la lírica y el virtuosismo más arrollador. La “Balada No. 1” de Chopin fue utilizada en la famosa película “El Pianista” de Roman Polanski, donde su intensidad y profundidad emocional acompañan la lucha del protagonista, convirtiéndose en una de las piezas más representativas del cine contemporáneo.
El programa culmina con un homenaje a la música de cine, con una adaptación para piano de la emblemática “Suite de Star Wars” de John Williams, un viaje musical a una galaxia muy, muy lejana. La energía y la grandiosidad de las composiciones cinematográficas se funden con la magia de la interpretación pianística, abriendo paso a la contemporaneidad de Osvaldo Golijov, quien trabajó en “Youth without Youth” en colaboración con el legendario director Francis Ford Coppola. La música de Golijov, con su fuerza emocional y su textura contemporánea, se presenta con dos piezas poderosas: “Youth without Youth” y “Levante”, sumergiéndonos en paisajes sonoros llenos de emoción y modernidad.
Piazzolla completa el programa con dos piezas utilizadas en el cine: “Oblivion” y “Suite Punta del Este”, esta última popularizada en la película “12 monos” protagonizada por Bruce Willis y Brad Pitt.
Esta velada es una celebración del poder de la música para contar historias, transformar emociones y trascender fronteras, llevando a la audiencia en un recorrido único a través de los estilos y las épocas que han marcado la evolución de la música para piano.
(Fuente: Majo Garufi – Prensa)
En una nueva edición de “Portal Sessions”, El Kuelgue y Litto Nebbia se juntaron por primera vez, creando un cruce histórico e intergeneracional.
Durante la sesión, interpretaron nuevas versiones de temas icónicos: “Peluquita” y “Diganselo” de El Kuelgue, así como “Deja que conozca el mundo de hoy” y “Solo se trata de vivir” de Nebbia. Además, el repertorio se completó con una interpretación de “Mapa Tesoro”.
Las cinco canciones fueron grabadas en medio del anfiteatro El Pez de Portal Bosque, un espacio cultural ubicado en la Barra, Punta del Este.
Tras tres días de ensayos en el estudio El Cofre, los artistas grabaron la “Portal Session #07” en vivo, bajo la producción musical de Ale Kurz, co-creador de las sesiones.
(Fuente: cmtv.com.ar)
El Guitarrazo presenta su cuarto álbum “Nuestra canción”, celebrando la obra de Eduardo Falú, en el centenario de su nacimiento
La Orquesta Escuela de Guitarras llevará este trabajo en vivo al escenario del Teatro Empire, el 9 de mayo a las 20.30, con entradas a la venta a través de Alternativa Teatral.
Para esta obra, los músicos invitados que participaron arreglando y grabando son: Juan Falú, Cecilia Pahl, Milagros Caliva, Coqui Ortiz y la Orquesta Argentina de Charangos.
“Nuestra canción” reivindica la rica y extensa obra del guitarrista y compositor Eduardo Falú, gran referente de la música de raíz folklórica y creador de clásicos del cancionero popular argentino como “Las Golondrinas” o “Tonada del viejo amor” muchas veces en colaboración con Jaime Dávalos o Manuel J. Castilla.
Sobre la agrupación
El Guitarrazo es una orquesta escuela de guitarras. Fue fundada en 2002 por Roberto Calvo y Juan Falú y actualmente es coordinada por Ignacio Eguía y Daniel Schneck.
Esta agrupación es un espacio abierto donde se nuclean guitarristas de todos los niveles y procedencias socioculturales y/o económicas.
El Guitarrazo se propone contribuir a la difusión y transmisión de la música popular argentina a través de este instrumento que ha trascendido continentes con una fuerte raigambre en todo Latinoamérica y en nuestro país.
Han versionado piezas de autores emblemáticos como Ástor Piazzolla, Osvaldo Pugliese, Isaco Abitbol, Ramón Ayala o Atahualpa Yupanqui y también de contemporáneos como Carlos “Negro” Aguirre, Teresa Parodi o Román Giudice.
Tiene cuatro discos editados: “El Guitarrazo: Orquesta Escuela de Guitarras” (2007), “De cayos y alegrías” (2012), “A granel” (2016) y el más reciente “Nuestra canción” (2026).
Acerca de “Nuestra canción”
Lista de temas
- 1 La nostalgiosa (Eduardo Falú/Jaime Dávalos. Arreglo: Ignacio Romero)
- 2 Río de tigres (Eduardo Falú/Jaime Dávalos. Arreglo: Lucas Bragán)
- 3 Zamba de la candelaria (Eduardo Falú/Jaime Dávalos. Arreglo: Nacho Eguía)
- 4 Oro verde (Eduardo Falú/Jaime Dávalos. Arreglo: Daniel Schneck)
- 5 Cueca del arenal (Eduardo Falú/Jaime Dávalos. Arreglo: Ignacio Romero)
- 6 La atardecida (Eduardo Falú/Manuel J. Castilla. Arreglo: Milagros Cáliva)
- 7 Las Golondrinas (Eduardo Falú/Jaime Dávalos. Arreglo: Nacho Eguía)
- 8 La angaquera (Eduardo Falú/Jaime Dávalos. Arreglo: Juan Falú)
- 9 La huarmillita (Eduardo Falú/Jaime Dávalos. Arreglo: Daniel Schneck)
Músicos invitados
- Juan Falú en 2 y 8
- Cecilia Pahl en 4
- Milagros Cáliva en 6
- Coqui Ortiz en 7
- Orquesta Argentina de Charangos en 9
Ficha Técnica
- Grabado el 20, 21 y 22 de septiembre de 2025 en Estudios ION.
- Grabación: Osvaldo y Pablo Acedo
- Mezcla: Hernán Schnaider
- Master: Francisco Baeza
- Integrantes de El Guitarrazo – Orquesta Escuela de Guitarras
- Dirección: Nacho Eguía, Daniel Schneck
Guitarras Primeras
Lucas Bragán, Guillermo Hara, Guillermo Saroka, Carlos Cárdenas, Francisco Lerche, Uziel Tersigni, Aarón Carbone, Valeria Rodriguez, Laura Hermida, Matías Álvarez, Tatiana Gonzales, Cecilia Guevara.
Guitarras Segundas
Emanuel Ortiz, Marcos Rossi, Gabriela Favazza, Mauro Elencwajg, Juanma López Cano, Agustín Manchado Bruno.
Guitarras Bases
Ignacio Romero, Muriel Diaz Fidalgo, Lena López, Julieta Filipini, Javier Rodriguez, Constanza D’Elio, Facundo Cabral, Inti Sucunza Pietkiewicz, Coco Martin, Nora Quiroz, Juan Pablo Paz.
Guitarras Bajos
Nacho Eguía, Daniel Schneck, Lucas Ángel, Antonieta Escudero Alata, Florencia Cagnone, Hernan López, Francis Rosemberg, Marina Di Primo, Ana Ricci.
Fotos: Alejandra Zapata, Celina Hara, Hernan López.
Video: Celina Hara, Macarena de la Panal.
(Fuente: Florencia Meluso – Enlazadora de Mundos)
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