Cine
“Help!”: el colorido último grito de la beatlemanía en la pantalla grande
Por Hernani Natale (*)
Con la llegada de las imágenes en colores como gran novedad, el 29 de julio de 1965 se estrenó en Londres “Help!”, la segunda película de Los Beatles, dirigida por Richard Lester, que se convertiría en el último gran testimonio en la pantalla grande del fenómeno mundial conocido como “beatlemanía” y en un perfecto símbolo del “Swinging London”, término que definió a esa época de los ’60 en la que Gran Bretaña dictó la moda y la cultura juvenil al resto del mundo.
Mientras que el debut cinematográfico de un año antes con “A Hard Day´s NIght” trató de captar la locura generada en los fans con la llegada del famoso cuarteto a Estados Unidos y se registró en tiempo récord ante el temor de que el fenómeno en torno al grupo se extinguiera pronto, “Help!” giró en torno a una historia ficticia llena de exóticas aventuras y no hubo reparos en trasladar el set de filmación a Los Alpes suizos y las playas de Bahamas.
Aunque el resultado final no alcanzó el nivel de la primera experiencia, al punto que los propios Beatles se quejaron poco después de haber sido una suerte de “extras” en su propia película, al filme, que originalmente iba a llamarse “Eight Arms to Hold You”, lo rodea un aura que simboliza esa particular época y opera como testimonio de un momento crucial en la carrera de los “fabulosos cuatro”.
Un año más tarde, Los Beatles abandonarían para siempre la locura de las giras que marcó sus primeros años y pasarían a una instancia artística superior signada por las innovaciones musicales y técnicas a la hora de grabar; en tanto que el foco cultural de la jóvenes se trasladaría de a poco a San Francisco, en donde florecería el sueño hippie.
Esta fue además la última incursión de Los Beatles en la pantalla grande como actores y la última asociación con Lester, debido a que sólo volverían a actuar en el filme televisivo “Magical Mystery Tour”, dirigido por ellos mismos; y el regreso al cine sería en forma de dibujos animados, en “Yellow Submarine”, y en el documental “Let it Be”, de Michael Lindsay-Hogg.
Tras la primera experiencia a cargo del director británico en la que se parodiaba la vida en gira del famoso grupo, para esta segunda cinta se construyó una historia fantástica en torno a una secta hindú que ofrece en sacrificio a una persona que porta un anillo especial. Las aventuras comienzan cuando notan que la doncella que iba a ser objeto de ese rito era una fan de Los Beatles y había regalado la joya a Ringo Starr, con lo que se inicia una alocada persecución.
En la huida, el cuarteto de Liverpool se desplaza por distintas locaciones londinenses, Los Alpes y las Bahamas, dos destinos elegidos con la excusa de explotar las posibilidades visuales que brindaba la novedad de las imágenes en colores, pero que en realidad permitió algunas favorables maniobras impositivas.
Obviamente que no faltan las escenas musicales, que tomadas de manera individual pueden ser consideradas antecedentes válidos de los videoclips, y que promocionan el homónimo disco lanzado como banda sonora, quinto en la trayectoria del famoso grupo.
Pero más allá del atractivo de ver a Los Beatles y de disfrutar de su música, lo cierto es que los actores Leo McKern y Eleonora Bron aparecen como los verdaderos protagonistas de la película, en sus roles de sacerdote hindú que busca el anillo y la fiel creyente que debería colaborar en esta tarea, pero termina siendo cómplice de la banda.
En este sentido, la primera experiencia cinematográfica le había dado la pauta a Lester de que apenas Ringo y John Lennon mostraban alguna cualidad histriónica, por lo que optó por dar mayor protagonismo a ellos en detrimento de Paul McCartney y, fundamentalmente, de George Harrison.
Basada en un tipo de comedia caracterizada por la sucesión de gags e intercambio de diálogos absurdos, muy típica de la cultura pop británica de esos años, “Help!” dejó anécdotas y hechos pintorescos que definieron la época y dieron señales de lo que vendría.
Justamente, la cultura hindú tendría una fuerte incidencia en la historia de Los Beatles en años posteriores. De hecho, el interés de Harrison por el sitar surgió luego de una escena en la que en un restaurant de comida india una banda con instrumentos tradicionales de ese país toca una versión de la canción “A Hard Day´s Night”.
Una de las anécdotas más famosas de la filmación ocurrió cuando Los Beatles, quienes reconocieron haber realizado el filme bajo los constantes efectos de la marihuana, desoyeron la voz de “corten” en una escena de persecución y siguieron corriendo hasta perderse de vista, sólo para poder fumar a escondidas.
La cultura rockera argentina también puede encontrar en este filme el origen de la frase “Say No More”, pronunciada repetidas veces en una escena por McCartney, que Charly García tomaría como inspiración para su arte conceptual de gran parte de los ’90 y 2000.
También cuenta la leyenda que durante el rodaje Paul solía tocar de manera insistente en un piano una melodía que había soñado, al punto que llegó a exasperar al director, quien amagó con hacer retirar el instrumento si no dejaba de tocar. Esa tonada se convertiría en “Yesterday”, que iba a ser incluida en el disco que llevó el nombre del filme.
En tanto, una nueva canción de Lennon cuyo título aludía a un pedido de ayuda resultó un nombre más adecuado a la trama que el inconexo “Eight Arms to Hold You” pensado en un primer momento.
Tras un año más de agotadoras giras, Los Beatles decidieron dejar de actuar de acuerdo a lo que sugerían las compañías discográficas en pos del negocio y tomaron las riendas definitivas de su andar artístico, lo que generó una nueva revolución musical y tecnológica.
Del mismo modo, los jóvenes de todo el mundo iban a dejar de adoptar como modelo de vida el desprejuicio que circulaba por Carnaby Street para concentrarse en el “amor libre” que se pregonaba en San Francisco.
La beatlemanía era historia; no así Los Beatles, que seguían marcando el pulso de la década.
(*) Agencia de Noticias Telam
Resident Evil: Noche Cero
Actúan: Paul Walter Hauser, Austin Abrams.
Género: Terror.
Dirección: Zach Cregger.
Bryan, un mensajero médico, sin saberlo, se ve envuelto en una carrera por la supervivencia llena de acción y sin tregua cuando una noche fatídica y espantosa se convierte en un caos a su alrededor.
One Piece: La película
Género: Aventuras, Animación.
Dirección: Junji Shimizu.
Antes de convertirse en uno de los mayores fenómenos del manga y el anime a nivel mundial, ONE PIECE comenzaba a construir la aventura de Monkey D. Luffy y su tripulación. Ahora, esos primeros días regresan a la pantalla grande con “ONE PIECE La película”, estrenada originalmente en Japón en el 2000.
Luffy y los Sombrero de Paja se ven involucrados en una aventura relacionada con el legendario pirata Woonan, conocido como el “Gran Pirata de Oro”.
La leyenda cuenta que Woonan reunió una enorme cantidad de oro antes de desaparecer y que su tesoro quedó escondido en una misteriosa isla. Tras las huellas de esa fortuna también se encuentra Eldorago, un despiadado pirata decidido a apoderarse del legendario tesoro.
Eldorago cuenta con el poder de la Goe Goe no Mi, una Fruta del Diablo que le permite generar poderosas ondas de sonido mediante su voz. Luffy y su tripulación deberán enfrentarse a él y a sus hombres mientras descubren el secreto que se esconde detrás del tesoro de Woonan.
Tres adioses
Actúan: Francesco Carril, Silvia D’Amico, Elio Germano, Alba Rohrwacher.
Género: Drama.
Dirección: Isabel Coixet.
Marta y Antonio se separan después de una discusión menor. Marta reacciona a la ruptura encerrándose en sí misma y el único síntoma que no puede ignorar es una repentina falta de apetito. Antonio, un chef en ascenso, se entrega por completo a su trabajo, pero no logra olvidarla aunque haya sido él quien tomó la decisión de irse. Cuando Marta descubre que su falta de apetito responde a un problema de salud y no al dolor de la separación, su perspectiva cambia radicalmente: el sabor de la comida, la música, el deseo y las certezas sobre sus propias decisiones cobran un sentido nuevo.
El árbol mágico
Actúan: Rebecca Ferguson, Claire Foy, Andrew Garfield.
Género: Fantasía, Familiar, Aventuras.
Dirección: Ben Gregor.
Una familia se muda al campo, donde descubren un árbol mágico que los lleva a mundos increíbles, y cada aventura pondrá a prueba su imaginación… y la fuerza que los mantiene unidos.
Panda Plan 2: La tribu mágica
Actúan: Shan Qiao, Li Ma, Jackie Chan.
Género: Comedia, Aventuras, Acción.
Dirección: Derek Hui.
El panda gigante Hu Hu y Jackie Chan tropiezan accidentalmente con una misteriosa tribu primitiva, comenzando una aventura sin precedentes y divertidísima.
Gracias a las promociones de la octava edición de la Fiesta del Cine, las salas argentinas convocaron a 671.409 espectadores entre el jueves 10 y el domingo 13 de septiembre de 2026. Esta cifra representa un salto del 107,7% respecto al fin de semana anterior (323.232 entradas).
En la comparación histórica del evento, el Vol. 8 marcó un récord absoluto de asistencia durante el fin de semana para la “Fiesta del Cine”, superando holgadamente los 518.222 tickets del Vol. 3 (febrero de 2024) y los 430.000 del Vol. 7 (febrero de 2026).
“Spider-Man: Un nuevo día” mantuvo el primer puesto por séptima semana consecutiva, sumando 119.504 espectadores durante el fin de semana con un incremento del 59,1% respecto al período previo. Con este impulso, superó los 3,19 millones de entradas acumuladas y es el título que más tiempo ha retenido el número 1 en 2026.
El podio lo completaron “La noche del demonio: Están entre nosotros” en el segundo lugar con 83.251 tickets (un aumento del 46,0%) en 136 salas y “Coyote vs. Acme” en la tercera posición con 78.217 espectadores (+42,0%) en 201 salas.
Por el lado de los lanzamientos de la semana, “Hechizo de amor: La magia continúa” se ubicó en el sexto lugar con 42.394 entradas, seguida por “El heladero: Dulce sabor a muerte” en el octavo puesto con 22.846 tickets y “Código: Venganza” en la décima posición con 16.797 espectadores. Por su parte, el documental de “Oasis: Don’t Look Back in Anger” logró posicionarse en el noveno lugar con 16.606 personas.
Entre las producciones argentinas, “Yo, Narciso” se mantuvo en el quinto puesto con 44.513 entradas y un acumulado de 535.544 tickets. “Pepita la pistolera” bajó un puesto (del 6 al 7), sumó 29.332 tickets en su segunda semana en cartelera y alcanzó un acumulado de 69.661 espectadores.
(Fuente: Ultracine – Por Carina Rodríguez)
La cuarta edición del Festival Internacional de Cine de la Provincia de Buenos Aires (FICPBA), iniciativa impulsada por el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires, concluyó el miércoles 9 de septiembre con la ceremonia de premiación realizada en el Centro Provincial de las Artes Teatro Argentino. Del acto participaron autoridades del organismo, integrantes del equipo del Festival, realizadores y realizadoras, actores, actrices y referentes de la cultura.
Desde el organismo que conduce Florencia Saintout se realizó la ceremonia donde se dieron a conocer los veredictos de los jurados y se entregaron los premios de las competencias internacionales y bonaerenses, además de los reconocimientos y premios paralelos. La jornada incluyó el estreno mundial del cortometraje “Estudio para un retrato familiar”, del cineasta bonaerense Hernán Rosselli, que vuelve sobre el archivo de la familia Felpeto —origen de Algo viejo, algo nuevo, algo prestado— para construir junto a sus protagonistas un nuevo relato sobre su historia y su vínculo con el juego.
Los premios
En la Competencia Internacional de Largometrajes de Ficción, el premio a la Mejor Película fue para “Pequeñas criaturas”, de Anne Pinheiro Guimarães (Brasil), que además obtuvo los premios a Mejor Actriz, para Carolina Dieckmann; Mejor Música Original, para Gustavo Montenegro; y Mejor Actor Revelación, para Lorenzo Mello. Vainilla, de Mayra Hermosillo (México), se llevó los premios a Mejor Dirección, Mejor Guion, Mejor Fotografía —Jessica Villamil— y Mejor Dirección de Arte —Andrea López Pacheco—.
El premio a Mejor Actor correspondió a Marcelo Subiotto por Ramón Vázquez, de Gustavo Fontán (Argentina), y el de Mejor Actriz Revelación a Claud Hernández por Cuando un río se convierte en mar (España). Completaron el palmarés Hiedra, de Ana Cristina Barragán (Ecuador), por Mejor Montaje, y Todo va mal (Argentina), por Mejor Diseño Sonoro.
En la Competencia Internacional de Largometrajes Documentales, el máximo reconocimiento fue para A Little Gray Wolf Will Come, de Zhanna Agalakova (Croacia-Países Bajos), que también recibió el premio a Mejor Guión. La memoria de las mariposas, de Tatiana Fuentes Sadowski (Perú-Portugal), obtuvo los premios a Mejor Montaje y Mejor Diseño Sonoro; La vida fracturada (Argentina) fue distinguida por la fotografía de Pablo Piovano; y El río de los espíritus, del Colectivo Tawna (Ecuador-Estados Unidos), recibió el premio a Mejor Música Original.
En la Competencia Internacional de Cortometrajes, el premio principal fue para Talk Me, de Joecar Hanna (España), por un relato distópico sobre los problemas de comunicación y la intimidad contemporánea. La mención especial correspondió a El call center, de Juan Crespo Lejbruder (Argentina); el premio a Mejor Dirección, a Arame farpado, de Gustavo de Carvalho (Brasil); el de Mejor Fotografía, a Caso isolado (Brasil); el de Mejor Diseño Sonoro, a Fantasmas de vidas futuras (Chile); y los de Mejor Música Original e Innovación Artística, a Los arcos dorados de Olinda, de Douglas Henrique (Brasil).
La Competencia Bonaerense de Largometrajes reconoció como Mejor Película de Ficción a Ahí donde no estás, de Laura Chiabrando, de La Plata, que también obtuvo el premio a Mejor Dirección de Ficción. Machado, de Julián Tagle, fue distinguida como Mejor Película Documental; Luciana Mazza Toimil recibió el premio a Mejor Dirección de Documental por La palabra, con una mención de honor para Jorge Rivas; y Apenas habrá sombras, de Diego Ercolano, de Mar del Plata, obtuvo el reconocimiento a la Innovación Documental Artística.
En la Competencia Bonaerense de Cortometrajes, el premio principal fue para Una energía invisible me devora sin descanso, de Ludmila Fontana, de La Plata. El premio a Mejor Dirección correspondió a Amor y cine, de Julián Camilo Lloves de Lomas de Zamora, y el jurado entregó menciones honoríficas a Ernestina Gatti, por su actuación en Mientras todo esto pasa, y a Y si se encienden las estrellas, de Andrea Odreman y Emiliano Campos, como mejor animación.
Los Premios del Público BAFILMA fueron para El vuelo del moscardón, de Emanuel Di Cunto, Rodrigo Medrano y Pablo Bochard, en largometrajes, y para Los suicidas, de María Rinaldi, Francisco Villa y Juan Ignacio Temoche, en cortometrajes.
En el marco de MIA Buenos Aires se entregaron los premios de las empresas del sector, que aportaron servicios de postproducción, sonido, color, subtitulado, equipamiento y formación para películas y proyectos bonaerenses. 
Homenajes y encuentros
Uno de los ejes centrales de esta edición fue la sección especial “50 años del Golpe”, que reunió películas y actividades destinadas a reflexionar sobre la última dictadura cívico-militar, la memoria y la construcción democrática. La propuesta contó con la participación de actores, actrices, realizadores y referentes de la cultura, además de protagonistas de aquellas historias, entre ellos Pablo Díaz, sobreviviente de la denominada Noche de los Lápices.
Otro de los momentos de mayor convocatoria fue la presentación de El infierno está encantador: Gulp, 1985, documental de Lisandro Carcavallo sobre la presentación del álbum Gulp! de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota en Cemento, el 23 de agosto de 1985. La función se realizó en la Plaza Seca del Centro Provincial de las Artes Teatro Argentino y contó con la presentación del periodista Marcelo Figueras.
El Festival abrió con la Camerata Sinfónica y el Coro de Niños, e incluyó el homenaje al Indio Solari, un homenaje especial a Charly García y el recuerdo de Raymundo Gleyzer con la presencia de Nemesio Juárez. Además recibieron una distinción Dolores Fonzi, Fernán Mirás, Lorena Vega, Virginia Innocenti, Alejandra Flechner, Carmen Guarini y Benjamin Naishtat.
La programación incluyó asimismo las secciones Cuba, país de honor; Cine y Literatura; Orgullo +; FICPBITA; Cine y Ciencia; Clases Magistrales; Cine al Barrio y Homenaje al Indio.
El Festival en el territorio
En el marco del FICPBA se desarrolló MIA Buenos Aires, el Mercado Internacional Audiovisual, que reunió a productores, realizadores, profesionales e instituciones del sector. A través de rondas de vinculación, encuentros, capacitaciones y actividades específicas, el Mercado generó un espacio destinado a fortalecer la producción audiovisual bonaerense, favorecer nuevas alianzas y promover la circulación nacional e internacional de contenidos.
A lo largo del Festival se proyectaron más de 250 películas de más de 20 países en salas de La Plata y espacios de la Red de Salas Bonaerenses, con presencia en más de 60 municipios de la Provincia. La programación se completó con charlas, encuentros, clases magistrales y actividades especiales. También se realizó una nueva edición del Encuentro de Estudiantes de Cine y carreras afines y ofreció instancias de formación, intercambio y capacitación con profesionales de la industria audiovisual.
(Fuente: Comunicación | Subsecretaria de Industrias Creativas e Innovación Cultural)
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