Artes Plásticas
Rocío Mikulic: “La naturaleza interviene en mi imaginario y yo intervengo en su apariencia”
Por Andrea Viveca Sanz (@andreaviveca) /
Edición: Walter Omar Buffarini //
La naturaleza abre sus puertas, un universo de palabras se expande delante de los ojos que observan. Del otro lado, un aleteo de criaturas invisibles, el rumor silente deslizándose por la superficie de las hojas y los monstruos habitando el paisaje, listos para avanzar hacia el hueco, ese espacio sutil donde lo invisible se hace visible.
Rocío Mikulic es parte de ese universo de palabras, es la voz de la selva y del monte, y desde allí regresa con criaturas fantásticas, de esas que no se ven pero que avanzan desde el otro lado para quedarse en cada una de sus obras y dar un mensaje.
En diálogo virtual con ContArte Cultura la artista plástica nos invita a recorrer sus mundos inventados.
—Vamos a comenzar esta charla con la entrega de un objeto imaginario, podés contarlo o dibujarlo. En tu caso será un trozo de corteza que tu imaginación completará en su forma, textura, dureza o color. ¿Cuál es la primera sensación que te despierta nuestro objeto? ¿Qué cosas que te definen podrían habitar en ese pedazo de madera?
—Si pudieras traer al lienzo de la actualidad el instante en el que descubriste el arte en vos, ¿cómo sería la imagen o palabra que resumiría ese momento?
—Tu trabajo está muy relacionado con la naturaleza, ¿creés que es posible transformarla desde el arte?
—No me gusta mucho la palabra transformación, creo que suena un poco invasiva. En todo caso, siento que mi abordaje de la naturaleza se trata de un intento de generar una simbiosis. La naturaleza interviene en mi imaginario y yo intervengo en su apariencia, pero mi acción es siempre con cordialidad, tratando de captar la esencia e importancia del ecosistema natural. En la imagen resultante, por supuesto, no está solo la naturaleza, estoy yo y nosotros también que, al fin de cuentas, somos lo mismo. Este proceso surge de retomar la naturaleza para nutrirme, pero también para acercarla al mundo desde mi visión particular.
—¿Qué cosas comunicás a través de tus personajes nacidos en la espesura de la selva?
—Me gusta pensar que ellos son mensajeros, que vienen al mundo a decir algo. A veces hablan sobre el dolor de los seres reales que habitan la espesura, a veces sobre la magia que oculta la naturaleza, otras sobre la miseria humana, la incertidumbre, el dolor, la esperanza, la perseverancia, hablan de la muerte y de la vida y de muchas otras cosas. Creo que tienen varias cosas que decir, pero confieso que a veces no sé qué es exactamente. En realidad, sé que estos personajes no le hablan de lo mismo a todos los que se cruzan con ellos, por eso siento que, en general, son entidades autónomas. Con mi trabajo en colaboración con otras personas suelo domesticar bastante más las imágenes para que digan lo que necesito, pero con mi producción personal, no siempre siento que sea algo tan necesario.
—Y hablando de ellos, los protagonistas de tus obras, ¿qué te inspira al momento de crearlos? ¿Hay un trabajo de investigación acerca de la morfología de las especies representadas?
—La verdad es que tengo la creatividad muy entrenada y, por ende, una mente bastante voraz y prácticamente cualquier cosa existente me puede inspirar: una mancha, una nebulosa, una palabra, un texto, una máquina, un edificio, el trabajo de un artista, una semilla, un insecto, un fruto, un suceso, el mundo íntegro es una fuente inagotable de inspiración para mí. En general todo empieza con un boceto bastante escueto que surge de una mezcla de mi imaginación y mi memoria visual, luego, para darle cuerpo a las imágenes, viene un largo trabajo de investigación y de recolección de referencias. Finalmente terminó construyendo la imagen a partir de retazos de realidad e imaginación.
—¿Cómo lográs la fusión de los monstruos con las figuras humanas para transmitir una emoción o un concepto?
—Desde pequeña sentí una atracción muy grande hacia lo diferente, una especie de predilección por las formas raras, lo exótico y lo fuera de lo normal, sin dudas porque me siento identificada con esto. Con el tiempo descubrí en el concepto del monstruo un anclaje con aquello que los seres humanos aborrecemos de nosotros mismos y queremos ocultar, la parte fea, imperfecta, animal, instintiva, esa a la que, paradójicamente, muchas veces se llama antinatural. En un comienzo generaba humanos híbridos para hablar de temas tales como sexualidad, género, infancia, falta de empatía e incluso de la teratología médica. Con el tiempo entendí que no solo en eso somos monstruos, sino que siempre, todos, tenemos algo diferente, algo que nos hace sentir fuera de sitio o algo que nos hace pertenecer exclusivamente a determinado espacio. Actualmente sigo trabajando con lo monstruoso, pero ya no como algo propio del excluido, sino como algo inherente, una especie de cualidad mágica imperfecta que nos hace únicos y creo que por ese abordaje los espectadores, al ver mis personajes, pueden sentir empatía y no solo rechazo o miedo.
—¿Con qué técnicas y materiales te sentís más cómoda a la hora de crear?
—Técnicamente soy una exploradora nativa, disfruto indagando en las posibilidades que prestan los diferentes materiales, tanto de carácter analógico como digital. He experimentado con una gran variedad de técnicas y muchas veces siento la necesidad de utilizar varias en un mismo trabajo, aunque debo decir que siento una afinidad muy grande por el blanco y negro, en especial por el uso del rotring y la tinta estilográfica.
—¿Qué se puede percibir detrás de lo imperceptible de tus obras, en las que lo mágico está muy presente?
—Gran parte de mi trabajo nace de mis intereses sobre cuestiones ligadas al monstruo, la naturaleza, lo mágico, lo humano y, por supuesto, se enreda en él mi propia experiencia vital. El abordaje es casi siempre desde la fantasía, porque siento que la realidad me queda chica para aunar todos mis intereses. Me gusta pensar que cada vez que alguien frena a ver mi trabajo se produce un hecho mágico, un encuentro, y, con suerte, un sentimiento de identificación del espectador con ese universo. Deseo, sueño, quizás imagino que en este encuentro se discurre un velo que deja visible eso aparentemente imperceptible que hace bello y particular a todo lo diferente, y que de alguna manera nos vuelve más iguales, uniéndonos a todos y a todo a la misma raíz.
—¿La tecnología fue tu aliada durante este año tan particular? ¿Nacieron nuevos proyectos?
—Vivo en una ciudad tranquila y bella en la que faltan muchas cosas, por lo que a menudo me siento excluida del mundo. Este año, por primera vez, gracias a la tecnología, me sentí más cerca de todo. Soy miembro de ADA (Asociación de Dibujantes Argentinos) desde hace años, pero por vivir lejos no podía participar en casi nada. Este año se hicieron muchos webinars de diferentes temas de la profesión, reuniones y encuentros, todo de manera virtual, y al fin pude estar y eso significó un cambio muy positivo. Gracias a internet pude hacer cursos, participar en eventos y conocer mucha gente. A pesar de la situación que causó que esto suceda, y aunque sé que las relaciones reales son mucho más especiales, espero que no se replieguen estas oportunidades que nos dio la tecnología y que la conectividad perdure. Apropiándome de esta renovada sensación de poder abarcar el mundo desde donde estoy, este año puse a toda marcha un proyecto de vida al que vengo apostando de manera algo tímida desde hace tiempo. En este momento estoy muy enfocada en dedicarme a la ilustración, apuntando en especial a desarrollar mi trabajo como autora integral, pero abierta a generar colaboraciones en propuestas de narrativa con enfoque infantil, juvenil y adulto, así como en el ámbito de la ilustración editorial, en prensa y portada de libro. Actualmente estoy desarrollando, como autora integral, varios proyectos de narrativa y álbum ilustrado que espero empezar a mover el próximo año.
—Para finalizar y volviendo a nuestra corteza del comienzo, ¿qué sueño te gustaría dejar entre sus líneas de corcho?
—Imagino que sobre la corteza se encuentra un pequeño musgo. Sueño con él en interrelación con la corteza, poblándola, nutriéndose de las oportunidades, sorteando los obstáculos, creciendo y prosperando en una simbiosis infinita. Sueño con la persistencia de la esperanza y el poder de creer que no hay nada imposible, ni para ese musgo, ni para nosotros.
Del 25 al 28 de junio, MAPA celebra su 8ª edición en el Pabellón 8 de La Rural, reuniendo galerías de arte y diseño de Argentina y del exterior. Con proyectos curatoriales inéditos, colectivos de diseñadores y producciones originales, la feria vuelve a consolidarse como un espacio de encuentro para la escena contemporánea.
Con la participación de más de 400 artistas, MAPA se afirma como un espacio dinámico donde conviven diversos modos contemporáneos de producción, exhibición y circulación del arte. Así, la feria despliega un programa integral que fortalece sus objetivos: promover el intercambio, atraer nuevos públicos y contribuir al desarrollo del mercado del arte.
Este año se incorporan autores, secciones y voces innovadoras que reflejan el dinamismo del sector. Los ejes que definen el espíritu de esta edición son: Galerías, Proyectos Curatoriales, Sección Diseño, Mapa Digital y Tienda de Publicaciones. Además, producciones de Latinoamérica que amplían la proyección regional e internacional de la escena local. Desembarcarán las galerías Cielo, La Galerilla (Uruguay), Kleur Gallery (Santiago de Chile/Madrid), Made in Perú, Marissi Campos Galería (Lima), Prima (Santiago de Chile) y TM (Guayaquil).
El comité curatorial está conformado por Clara Ríos (Curaduría General), Javier Villa (Sección Principal), Natalia Albanese (Sección LATAM) y María Boggiano (Sección Diseño). Participarán galerías como Cosmocosa, De Sousa, Del Infinito, Tiempo, Imaginario, The White Lodge y Cecilia Caballero, entre muchas otras.
Entre los proyectos especiales de esta edición, MAPA contará con la participación de Juvenal Ravelo, referente del arte cinético venezolano, que realizará un mural en homenaje a Julio Le Parc (1928-2026). La obra se desarrollará en vivo junto al público de la feria, en colaboración con estudiantes de la Licenciatura en Diseño de la Universidad Torcuato Di Tella.
Otro de los homenajes estará dedicado a Luis Felipe “Yuyo” Noé, (1933-2025). “Noé en clave gráfica” acerca la obra del artista a nuevos públicos a través de la exploración de técnicas gráficas contemporáneas. La propuesta reúne piezas emblemáticas como “En la maraña” y “Recontrapoder en la naturaleza y los mitos”, junto a serigrafías experimentales. El proyecto impulsado por la Fundación Luis Felipe Noé busca expandir las formas de circulación y lectura de su imaginario visual, poniendo en diálogo obra, reproducción y experimentación.
“Concibo esta feria como un territorio clave para acompañar el crecimiento del ecosistema artístico. MAPA amplía la diversidad de plataformas disponibles y favorece un acceso más equitativo al mercado para artistas y galerías, fortaleciendo así la pluralidad del circuito”, señala Javier Villa, curador de la Sección Principal. Y agrega: “Se busca fomentar vínculos sostenibles entre agentes culturales, coleccionistas y públicos. En un contexto de transformaciones, la feria se posiciona como espacio estratégico para robustecer la infraestructura del arte, promoviendo prácticas que expanden horizontes”.
El auge del Diseño Coleccionable
Entre las novedades se suma la Sección Diseño, curada por María Boggiano. “En la intersección de las disciplinas, el diseño no es neutral, deja de ser un instrumento utilitario para situarse en el cruce entre arte y vida: ya no solo como práctica de lo posible sino como potencia de lo real. Los invitamos a sumarse a esta conversación”, convoca Boggiano.
Así, MAPA incluye por primera vez estudios, arquitectos, diseñadores independientes y propuestas que trabajan con ediciones limitadas y piezas únicas. Esta sección posiciona a la feria en sintonía con las tendencias globales, donde la frontera entre la obra de arte y el objeto de diseño es cada vez más porosa. Las exploraciones materiales, los procesos creativos y el cruce interdisciplinario dan cuenta de la expansión del sector.
“La Sección Diseño de MAPA propone fortalecer un territorio expandido donde se encuentran diseño, arte y cultura material. El diseño articula lo funcional con lo conceptual, en tanto práctica contemporánea que combina oficio, investigación, sensibilidad estética y capacidad narrativa. La Sección busca reunir la escena prolífica y efervescente del diseño argentino, con el objetivo de contribuir a su valoración material, simbólica y comercial. MAPA fortalece el diseño de autor como disciplina coleccionable”, apunta María Boggiano. En esta sección darán sus primeros pasos los colectivos Trazo Cero y Acopio. Además, se verá mobiliario icónico del Estudio Cabeza –los bancos Tronco y Territorio– y un stand dedicado a Ricardo Blanco, como el emblemático sillón escultórico Skel, de 1974.
Gran alianza del Diseño Regional: MAPA + MADE
Reforzando esta visión, MAPA invita a MADE (Mercado, Arte, Design), de San Pablo, a su Programa de Intercambio Internacional 2026. MADE es la primera feria internacional de diseño coleccionable de Brasil, reconocida como la plataforma líder en la región. La delegación desembarca en La Rural con 18 referentes del diseño brasileño. Entre ellos, Carol Gay, Aline Angeli, Goá, Studio Galasso, Iro Studio y Estudio Géo. A su vez, el curador Bruno Simões (presidente del Instituto Bardi/Casa de Cristal) seleccionará, junto a la curadora María Boggiano, un grupo de diseñadores argentinos para participar en la próxima edición de MADE 2026.
Novedades
- Auditorio: Un nodo de pensamiento, charlas y networking. El espacio, curado por Natalia Albanese, está dedicado al diálogo entre instituciones, coleccionistas, empresas de diseño y proyectos híbridos. Bajo el concepto de foro, “El futuro llegó hace rato” se postula como un dispositivo de participación e intercambio.
- MAPA Digital: Bajo la curaduría de Marianella Baladán, esta sección explora las nuevas tecnologías y lenguajes digitales. En Espacio Dinalight la propuesta Mundo., cuenta con ocho artistas digitales latinoamericanos que presentan obras en formato de instalaciones interactivas, lumínicas y generativas.
- Tienda de Publicaciones: Con la curaduría de Sol Echevarría, la tienda reúne sellos de arte, libros de artista y piezas que utilizan el formato libro como soporte conceptual y material.
- mapa.art. La plataforma permite recorrer la feria de manera virtual, con información sobre obras, galerías y artistas. Funcionará como un catálogo digital interactivo de cada edición, con herramientas de comercio electrónico y agenda de exposiciones y eventos.
“MAPA es un espacio activo de intercambio entre prácticas artísticas, galerías y coleccionismo, donde el mercado impulsa la visibilidad, la circulación y el diálogo entre escenas contemporáneas. En este contexto, la feria teje nuevas redes y habilita dinámicas de encuentro entre proyectos emergentes y consolidados para afirmarse como una plataforma de venta que busca fortalecer el crecimiento del mercado y ampliar el público”, sostiene Clara Ríos, curadora general.
MAPA se destaca por integrar propuestas de todo el país, promoviendo una mirada federal, descentralizada y diversa. El programa, que fortalece puentes con propuestas de América Latina, incluye eventos multidisciplinarios, presentaciones especiales y espacios de conversación, reflexión e intercambio entre artistas, curadores, gestores, coleccionistas y nuevos públicos.
(Fuente: mapa.art)
El próximo miércoles 1° de julio a las 18, la Casa Nacional del Bicentenario (CNB) realizará la inauguración de “Cartografías sensibles”, exposición que reúne las producciones de las artistas misioneras Sylvina Goerling y Sandra Bonetti, en una propuesta donde el arte textil se expande hacia la instalación, la performance, la fotografía y el video.
Desde una región de frontera como Misiones, ambas artistas recuperan el textil como espacio de transmisión y encuentro entre culturas, construyendo una geografía sensible donde cuerpo y territorio se entrelazan.
La exposición, curada por Marina Bosco Demarchi, presenta dos recorridos que parten de experiencias personales y modos particulares de habitar el mundo.
Sandra Bonetti desarrolla una investigación centrada en el cuerpo como territorio de identidad y transformación. A través del fotomontaje, el bordado y la performance, explora los vínculos entre la experiencia personal y los modelos culturales que atraviesan la construcción de la identidad.
Por su parte, Sylvina Goerling dirige su mirada hacia el territorio y la memoria urbana. Mediante el uso de telas, transferencias y bordados, construye cartografías subjetivas que revelan capas históricas y rastros de la vida cotidiana. Sus obras recuperan huellas, fragmentos y paisajes que dialogan entre pasado y presente, invitando al espectador a completar aquello que permanece invisible.
La muestra se podrá visitar hasta el 26 de julio en el Espacio de Arte Nacional, en el segundo piso de la CNB, en calle Riobamba 985 de CABA.
La edición 2026 de Art Basel comenzó con un fuerte impulso para el mercado internacional del arte al concretarse la venta de una obra de Pablo Picasso por 30 millones de euros (35 millones de dólares), una de las operaciones más destacadas de la feria y una señal del renovado dinamismo del segmento de mayor valor del coleccionismo.
La pieza del artista español -“Le peintre et son modèle dans un paysage” (1963)- encabezó una serie de transacciones millonarias registradas durante las jornadas de preventa reservadas para coleccionistas e invitados. Las grandes galerías internacionales informaron ventas de obras de figuras como David Hockney, Louise Bourgeois, Cy Twombly y Helen Frankenthaler, consolidando un inicio de feria por encima de las expectativas del sector.
El protagonismo de Picasso refleja la creciente preferencia de los compradores por obras de artistas consagrados, consideradas inversiones más seguras en un contexto económico todavía marcado por la cautela. Las galerías más importantes apostaron por presentar piezas de alta calidad y procedencia excepcional para atraer a los grandes coleccionistas internacionales.
Según los organizadores, el buen comienzo de la feria coincide con una mejora en las perspectivas del mercado global del arte. El último informe elaborado por Art Basel y UBS señala que las ventas mundiales crecieron en 2025 tras dos años de retroceso, aunque la recuperación se concentra principalmente en las obras valoradas en más de diez millones de dólares.
Además de las ventas en los estands principales, la sección Art Unlimited, dedicada a instalaciones y obras de gran formato, también registró adquisiciones relevantes por parte de museos europeos, confirmando el interés institucional por piezas de gran escala.
La feria reúne en Basilea a miles de coleccionistas, galeristas, curadores y artistas de todo el mundo, y permanecerá abierta al público hasta el domingo. Los primeros resultados alimentan el optimismo de un sector que busca dejar atrás varios años de desaceleración y recuperar el protagonismo de las grandes operaciones internacionales.
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MAPA, Feria de Arte y Diseño, en La Rural
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