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“3000 Vivos”, un repaso de los 30 años de Los Pericos

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El grupo Los Pericos acaba de editar un CD+DVD llamado “3000 Vivos” para festejar sus 30 años de trayectoria con cantantes invitados como Andres Ciro Martínez, los canadienses de Magic! y la mexicana Carla Morrison.

Luego del regreso discográfico con “Soundamerica”, Los Pericos prepararon un concierto especial en un estudio del DF mexicano donde invitaron a participar a varios artistas de jóvenes generaciones influenciados por la banda argentina.

Sobre su carrera y el futuro, “Juanchi” Baleirón, “Willy” Valentinis, el baterista Ariel “Topo” Raiman y el tecladista Diego Blanco charlaron con la agencia de noticias Télam:

—¿Cómo se hace para elegir las canciones habiendo tenido otro disco en vivo?

Diego: Ahí está la clave. Primero, ver que sean 30 años, que hay una nueva generación que se acerca al grupo a través de este disco, que tenga representación de “Soundamérica”, los invitados, qué versiones rinden porque hay temas que quizás no nos gustaban tanto como salían, algunos temas muy representativos como El Ritual de la Banana que no tenían su versión en vivo. Entonces, entre todas esas cosas nos gustaba hacer una lista que fuera como que estuvieras inmerso adentro del show, que pudieras pasar por momentos musicales y momentos de arenga y los invitados también.

—¿Cómo funciona un disco nuevo, como “Soundamérica”, en América Latina? ¿Cuánto terminaron incluyendo en la gira?

Juanchi: Tres temas, más o menos.
Diego: No nos dio tanto tiempo para presentarlo todavía, te diría que la gira “Soundamericana” es ahora. Porque nosotros nos fuimos a México a hacer una gira pero también hicimos esto, veníamos con un show muy armado para esto. Igual, por más que nos presentáramos realmente como hicimos acá, en el Gran Rivadavia, no hubiésemos incluido como acá, que hicimos todo el disco. Allá haríamos 5 o 6 temas. La gente también quiere los clásicos, ¿viste?
Juanchi: Hay veces que por ahí uno se rompe el orto con un disco nuevo y por ahí la gente quiere otra cosa, y no podés hacerte el culto ni el entregado a lo que la gente quiera. Estás en el medio luchando para que escuchen lo nuevo, pero no podés hacerte el boludo porque para la gente significa mucho. Aparte, leés mensajes que la gente te cuenta historias re lindas de tu música y su vida y no podés hacerte el loco de culto. Como yo digo, somos malcriados por el público, nos gusta que nuestras canciones reaccionen en la gente en un disco o en un show. No hacemos shows para nosotros por más que a veces hacemos solos o climas, incluimos a la gente y no puede no haber estribillos en los shows de Los Pericos. Siempre vamos a buscar la energía de la gente o con actitud o con canciones, entonces balanceamos.
Guillermo: Ahora para la gira esta, por ejemplo, estamos haciendo dos o tres listas de temas diferentes: si es Centroamérica es una con menos “Soundamérica”, si es México más “Soundamérica” y si es un festival un poquito menos. O sea, el show grande nuestro en México, que es el de Plaza Condesa, va a tener 6 temas de Soundamérica que es lo máximo. Pero porque no lo presentamos todavía allá y aparte hay tres temas que están en el disco y van a ser parte del repertorio clásico, que son “Anónimos”, “Todos lo hacen” y “Señales erróneas”.

—¿Tocaron en los países del Caribe?

Guillermo: Casi todos.
Diego: Tocamos en todos menos en Belice y Cuba. Hicimos Panamá, Costa Rica, El Salvador, Nicaragua, Puerto Rico, Jamaica…Es más, a Costa Rica volvemos ahora y a Honduras vamos ahora también.

—¿Ahí por qué la gente los llama? ¿Porque hay una cultura más de reggae o por la banda?

Ariel: Hay una cultura reggae y también es el peso de la banda, se juntan las dos cosas.
Guillermo: Pericos sonó mucho en los 90′ tanto en Panamá, Costa Rica y todo Centroamérica. Es cierto que tenían bastante cultura de reggae en esos países porque el reggae en español nació en esos países. Si bien no es que seamos una banda de reggae roots ni nada, en los 90′ sonaba mucho en esos países.
Juanchi: Pero Costa Rica en particular tiene muchísima cultura de rock nacional, los últimos shows que hicimos fueron con Nonpalidece y el otro con los Decadentes, que tocamos como a dos horas de San José para 30.000 personas. Conocen mucho y el disco nuestro “Pura Vida”, que es una frase de ellos, es muy conocido. “Lindo Día” es “Pupilas Lejanas” o “Sin Cadenas”, es tan hit como esos temas. Los Decadentes son muy conocidos, Bersuit y Nonpa también. Hay mucha cultura de música argentina aparte de reggae.

—Hacia adelante, ¿cómo lo van a mostrar acá el disco? ¿Piensan en algún invitado nacional para cambiar por los que estuvieron o repartir dentro de la banda las voces?

Juanchi: Por ahora lo estamos mostrando de la forma en la que lo queremos mostrar: que la gente lo vea en el formato en el que fue concebido, sea en DVD o en digital. Es un show en vivo y cada tema tiene su video, entonces lo ves como quieras. Calculo que esto va a generar mucho ruido porque en menos de una semana recibimos infinidad de comentarios y devoluciones lindas. Calculo que vendrá el verano, haremos un poco de quilombo y haremos una presentación del disco en vivo recién a partir de marzo. Está concebido para que la gente tenga en su casa ese concierto en vivo que merecíamos tener que nunca hicimos, en 30 años nunca hicimos un DVD, y ahora lo podés curtir donde quieras. A medida que todo crezca haremos una presentación de un disco en vivo en marzo o más.
Guillermo: Y estará el invitado que pueda estar, un Ciro ponele. Después lo que se pueda, porque lo importante de esto es lo que ya está, el material que ya se hizo y está grabado. Haremos un vivo y no sé si haremos tal cual el disco o algo nuevo.
Diego: Lo que hicimos fue un DVD, sino estás haciendo en vivo un disco en vivo y en vivo tocamos siempre. Lo copado de este disco es el DVD, que veas este show. Sino vas a ver una representación de este show.
Juanchi: Claro, es algo nuevo pero no hay que dar a conocer un tema nuevo. Es otra dinámica, llega a la gente de otra forma que un tema nuevo. Cuando es un tema nuevo uno tiene un cierto grado de prejuzgar, te ponés en guardia a ver lo nuevo de tal. Acá esto te va a llegar solo, a la gente que ama a Pericos se lo morfa de una porque está servido en bandeja para que te explote la cabeza, y para aquel que conoce le va a encantar. Es una dinámica diferente: “tomá, curtí el disco nuevo de Pericos que es un show entero, entrá por donde quieras”. Son todos golazos, es como nos sentimos.

—Siendo rockeros y habiendo tocado en lugares que eran de terror, ¿en esos lugares tipo el CCK y la Usina del Arte uno le pide al publico que se queden tranquilos y no salten?

Gastón: Tenés una sensación de despojo, porque es muy despojado el escenario. Como que no hay nada a los costados ni arriba y te da esa sensación de estar más desnudo. Es lindo, la gente te ve bien.
Diego: Es como estar haciendo un show en Estocolmo, me siento en otro país.
Gastón: Pero no para bajar el volumen, es algo que te indica el sonidista. Si del volumen que él te tiene que poner de afuera le ganás con el de la guitarra lo matás.
Juanchi: Depende de si es un show que vas a grabar o uno normal. Hablando de eso, usamos del show de la Usina público argentino mezclado con público mexicano porque nos parecía que quedaba bien. Hay temas como “Nada Que Perder”, “El ritual de la banana” y “No me pares” que metimos público, junto con el mexicano hay argentino.

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Las Alas de Ícaro: “Nos unen los valores humanos, más allá de cualquier conocimiento musical”

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Por Andrea Viveca Sanz (@andreaviveca) /
Edición: Walter Omar Buffarini //

Despliegan las alas, se preparan para un nuevo viaje, la música bajo las plumas, liviana, se escapa, asciende. Da pasos fugaces, transmuta y aunque se pierde en una selva extraña, pinta de colores cada instante.

Así, con ese espíritu viajero, con la música bajo sus alas, la banda platense Las alas de Ícaro inicia un nuevo recorrido, cuyo punto de partida no está lejos “Ni muy cerca del sol”.

Contarte Cultura habló con su vocalista Guillermo Ghe Centurión, quién contó acerca de los comienzos de la banda, su carrera y su último trabajo, un EP de cuatro temas que presentarán el 21 de mayo en La Plata.

—Porque de volar se trata, comencemos esta charla desplegando las alas de la imaginación. De adelante hacia atrás, si pudieran viajar al lugar y al tiempo donde sucedió el primer vuelo de Las Alas de Ícaro, qué objetos destacados, que hoy los representan, podríamos ver en esa imagen fundacional.

—Más que objetos me referiría a una palabra: identidad. Desde el vamos nos propusimos hacer todo en base a un significado, no hacerlo simplemente porque se dio así, queda lindo y ya. Sino porque la capacidad de darle significado, valor y esencia a cada una de las acciones que realices tiene más valor, más historia. Por lo tanto, hoy nos representa la identidad. El nombre de la banda es por un determinado significado, las letras se escriben de cierta manera y los discos tienen nombres característicos. Todo engloba a Las Alas de Ícaro.

—Y más allá de los objetos o palabras que fueron marcando las rutas de vuelo, ¿cuáles creen que son las cosas que los unen como músicos?

—Los valores humanos, más allá de cualquier conocimiento musical. Se valoriza más ser buen compañero, tirar para adelante, no ser egoísta. Y, sobre todo, lo colectivo por sobre lo individual.

—¿Quiénes forman parte de la banda en la actualidad?

—Actualmente está Nicolás Lindblom en la guitarra, Manuel García Ortega en el bajo, Jorge Vallejo en la batería, Francisco Tolone en trompeta y trombón, Agustín Monje en teclado y guitarra, Federico Bojanovich en saxo y yo, Guillermo Ghe Centurión, en la voz.

—¿Recuerdan de qué manera llegaron al primer disco?

—Allá por el 2014, había un popurrí de canciones y elegimos cinco. Ese fue nuestro primer material, Las Alas de Ícaro, donde comenzó el camino de nuestro material discográfico.

—Sin dudas, cada uno de sus trabajos discográficos hacen referencia, al menos en los títulos elegidos, al mito de Ícaro, ¿Cómo llevaron adelante ese proceso de explorar en la mitología para componer?

—Los títulos discográficos y el nombre dan lugar al mito de Ícaro y gira todo en torno a él. Al principio no veíamos factible el hecho de realizar un recorrido histórico y crear la discografía en base al mito, porque en cierto momento finaliza con su muerte, por lo que decidimos reinventar el mito, moldearlo y crear nuestro propio camino. Como una suerte de “Elige tu propia aventura”. La idea es seguir moldeándolo y seguir reconstruyendo la historia.

—Por estos días están presentando su último EP “Ni muy cerca del sol”, ¿qué palabra podrían elegir para sintetizar la esencia de ese trabajo?

—Aggiornado.

—Los temas que forman parte de esta obra hablan de fugacidad, transmutación, extrañeza e interioridad, ¿de qué manera surgieron cada una de las letras de estas canciones y cómo se produjo la fusión con la música?

—Todas las canciones surgieron en pandemia, por septiembre de 2020. Las letras provienen de miles de sensaciones vividas en cuarentena, pero a la vez puede desembocar en cualquier tipo de sentimiento que esté viviendo una persona. Con respecto a la música, el primer paso de nuestros temas surge de asentar las bases, con la guitarra y con la voz. El resto de los instrumentos y melodías los vamos acomodando equilibradamente, para que cada uno brille con luz propia y se pueda potenciar el sonido que tiene cada integrante.

—¿Quiénes participan en el arte de sus discos para lograr plasmar el espíritu de cada uno de ellos?

—En la producción musical trabajamos con Darío Carelli, quien es un productor e ingeniero de sonido de CABA. Así, con los conocimientos de los siete integrantes más su ayuda armamos las canciones y definimos el producto final. Con respecto al arte de tapa, en este último trabajo trabajamos con Agustina Pariani. En este caso, nosotros le transmitimos todo lo que es concerniente a Ícaro y al nombre del EP y ella llevó a cabo el proceso de creación.

—¿Cuándo y dónde será la presentación de “Ni muy cerca del sol”?

—Será el sábado 21 de mayo a las 21 en Espacio Cultural Cunumí, de calle 71 entre 11 y 12 de la ciudad de La Plata.

—¿Hay algún otro proyecto que podría levantar vuelo durante este año? —Actualmente nos encontramos en la producción de la continuación del EP del año pasado. Una segunda parte titulada Ni muy cerca del mar, con la idea de que salga a la luz antes de fin de año.

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Julián Mourin: “La guitarra fue mi compañera desde la niñez”

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Por Andrea Viveca Sanz /
Edición: Walter Omar Buffarini //

Salir del espacio conocido, atravesar límites y fronteras, buscar, llegar sin llegar, degustar la novedad, sólo para dejar que la música contenida en el vaivén de las olas, ascienda desde el fondo y se manifieste. Uno, dos y tres. Porque sí, porque es posible aventurarse, soltar las manos, tocar el aire. Y aunque no hagamos nada, los ojos hacen foco en el universo, Júpiter y más allá.

El compositor, guitarrista y cantante Julián Mourin detuvo su marcha y se animó al viaje. Atravesó fronteras para llegar al otro lado de cada paisaje, a los lugares donde nace la música, en el silencio de la escucha.

ContArte Cultura charló con el músico, quien además contó acerca de la presentación de su tercer disco: “Los diamantes”.

—Vamos a comenzar esta charla con un viaje en el tiempo. ¿En qué rincones de tu infancia creés que se gestó tu interés por la música?

—Cuando escuchaba a mi vieja tocar la guitarra. Tocaba unas milongas en tono menor, con unos riffs medio dark. Quedaba fascinado con algunas cosas que hacía y mi único objetivo era lograr tocar eso. Conocía miles de canciones clásicas de folclore. No sabía música, pero tenía mucho oído, podía transponer cualquier canción a otros tonos con facilidad. Creo que todo arrancó ahí.

—Si nos detenemos en ese punto de partida, ¿cuál o cuáles fueron los instrumentos musicales que te acompañan desde entonces?

—Sobre todo, la guitarra criolla. Después, en mi adolescencia, cuando me copé con la música andina, empecé a tocar charango, sikus, armónica. Más tarde compraron un piano en casa y empecé a explorar por ahí. Pero la guitarra fue mi compañera desde la niñez.

—¿Cuándo y cómo comienza tu carrera solista y de qué manera llevaste adelante los procesos compositivos?

—Mi camino solista empezó en el 2012 cuando edité el disco Mate de metal. Le tengo mucho cariño a esa época y a ese disco. Tenía una idea clara del sonido que buscaba y de la síntesis que quería lograr.

—¿Qué palabra podría resumir la esencia de ese album?

—Frescura.

—Y sí pudieras elegir un color que represente el espíritu de tu disco “Sur solar”, ¿cuál sería y por qué?

—La tapa del CD quedó bastante rosa, aunque no quería que quede así (risas). Pero creo que finalmente estuvo bien porque el rosa tiene que ver con el amor. Las canciones de esa época están embebidas por la partida de mi vieja y por la llegada de Sofi, la madre de mi hija. Dos acontecimientos muy especiales.

—¿En qué escenarios podríamos encontrar las raíces de tu tercer disco, “Los diamantes”, y qué cosas llevaron a elegir el nombre?

—Escenarios de aventuras por el continente y de viajes internos también. La mayoría de las canciones las compuse en el 2018, un año paréntesis en donde viví en Uruguay y en Brasil, metiéndome al mar por lo menos una vez por semana, tocando covers en bares y comiendo mucho mango, maracujá y porotos negros. Quería un nombre distinto para el disco, algo no tan telúrico, sino más brillante y que pueda reflejar los aprendizajes acumulados de esos tiempos.

—¿De qué manera fueron surgiendo cada uno de los temas?

—De estar jugando con la guitarra, improvisando con la voz. A veces sale de una la idea, la melodía y la letra. Otras veces nace sólo una parte, pero como que el clima o la energía del tema ya están dados, sólo se necesita pulirlo para concretar esa forma imaginada. Algunos de estos temas tuvieron hasta trece versiones hasta llegar a la definitiva. Mucho hilar fino.

—¿Quiénes te acompañaron en la producción de este material?

Cristian Bonomo estuvo al lado mío desde la etapa de cerrar los temas hasta la masterización. Ale Lauphan aportó lo suyo desde la coproducción, Gabi Beltramino me ayudó a trabajar las voces, Yago Escrivá a pulir las guitarras, Paco Amenabar y Andrés Mayo a encontrar el sonido que buscábamos. Fueron piezas claves y estoy super agradecido con sus aportes.

—¿Cómo llegaron al arte de tapa? ¿Qué elementos musicales se tuvieron en cuenta para el diseño?

—Fue un arduo proceso el del arte de tapa. Estuvimos casi un año dando vueltas, ningún camino nos convencía. Hasta que Pedro Urruti, el responsable del arte, tuvo esa idea de hacer una maqueta de un pequeño universo diamántico con sus micro espacios. La fue llevando a cabo con Christian Silva en su taller y en un día hicimos las tomas que finalmente quedaron. Ese día también filmamos las tomas del videoclip de “Foco”. Gran hazaña.

—¿Cuándo y dónde se presentará “Los diamantes” en vivo?

—El viernes 3 de junio en La Tangente, con una banda integrada por Pupú Colina en bajo, Ine Maguire en voces, Jeanette Nenezian en trompeta y Chitrili en batería. Habrá invitados especiales y abre el dúo Dos de Nosotros.


Para el show en La Tangente, las entradas están a la venta por Passline: https://www.passline.com/eventos/julian-mourin-en-la-tangente


(PH: Federico Pérez Gelardi)

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Antonio Birabent y su libro Tres: “La clave son las palabras, lo que cada una despierta en nosotros”

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“Tres”. Tres vértices y tres líneas, un triángulo, tres protagonistas conectados por hilos de palabras, la voz como punto de encuentro, aromas y sabores compartidos, pinceladas de un devenir cotidiano, pasos en las veredas del tiempo y el tiempo detenido en la pausa de cada relato.

Todo eso y mucho más se desprende de las páginas de el primer libro de relatos de Antonio Birabent. Una obra que atraviesa el ritmo de las ciudades para hacer foco en los rincones donde es posible detenerse y mirar.

Como si fueran pinceladas dispuestas a colorear los instantes, el músico y actor se sumerge en las texturas de cada día y pinta con sus letras las horas vividas.

En diálogo con ContArte Cultura cuenta cómo llegó “Tres” y qué otros proyectos serán parte de su caminar durante este año.

—Comencemos esta charla haciendo foco en la gráfica que define la tapa de tu libro “Tres”, el triángulo. A modo de presentación de esta obra, si pudieras elegir una canción sonando dentro de ese triángulo, como un hilo conductor de la historia que reúne a los tres protagonistas de tus relatos, ¿cuál sería y por qué?

—¡Es genial la pregunta! Es difícil de elegir una sola canción, pero creo que “Un Hombre solo”, porque habla de las coincidencias que todos tenemos como seres humanos más allá de las diferencias.

—¿Cuánto tiempo pasó entre la producción de tus primeros escritos y el encuentro de tus textos con la editorial Malisia?

—Tres años. Y más de cuatrocientos relatos/textos entre mediados de 2018 y mediados del año pasado.

—¿Cómo viviste el proceso de ir puliendo y dando continuidad a los relatos durante la edición del libro?

—Los relatos casi no tuvieron corrección. Están como aparecieron. Fue un proceso muy fluido, me venían las palabras, las oraciones, los párrafos. Los cuadernos originales no tienen prácticamente tachaduras. La edición tuvo que ver sobre todo con la selección.

—Al avanzar por las páginas de “Tres” se puede viajar tanto en el tiempo como por ciertos escenarios urbanos que forman parte de tu vida. ¿Cuál o cuáles son para Antonio Birabent los lugares donde siempre puede despertarse un relato?

—Sobre todo en la mente, en la observación y la memoria, y al final, como siempre, la madre de todo es la sensibilidad. Si todo eso está, cualquier lugar o cualquier situación es buena para escribir.

—En cada uno de tus textos te detenés en detalles en los que tus palabras hacen foco. ¿Qué objetos o elementos creés que podrían representar el espíritu de este libro?

—En gran parte, la clave del libro, más allá de lo que te comenté en la pregunta anterior, son justamente las palabras, lo que cada una despierta en nosotros. Las palabras son el eje.

—A través de tus letras es posible caminar por las ciudades que recorren, sentarse en sus bares, degustar momentos. ¿De qué manera fuiste dando esas pinceladas sobre el papel para que tus vivencias permanecieran? ¿Tenés una rutina de escritura para retener esos momentos?

—Fue una etapa donde todo el tiempo estaba escribiendo. Viví concentrado en la experiencia y el ejercicio de llevar al papel absolutamente todo lo que vivía a mi alrededor y también todos mis pensamientos.

—Hay tres protagonistas que interactúan a través de las distintas historias, pero existe un cuarto personaje, Ella, que también forma parte de ese triángulo donde la palabra reúne y determina. ¿Qué pinceladas de Ella te ayudaron a avanzar en este libro?

—Si bien no aparece tanto, la presencia de mi madre es fundamental. Y no hablo sólo en el libro, sino en nuestra dinámica familiar. Mi madre es y ha sido el ancla de nosotros tres: mi hermano, mi padre y yo.

—¿Qué pausas te permite la escritura en el ritmo cotidiano?

—Las pausas me las permito aunque no escriba. A veces son mínimas, destellos apenas, y a veces son días enteros. Depende mucho.

—Sin dudas, la música y la poesía tocan fibras cercanas, ¿suelen formar parte de la misma pausa creativa?

—Están muy cercanas, es verdad, pero no las asocio necesariamente a la pausa. A veces aparecen en momentos de furia, o en situaciones absolutamente cotidianas y que a priori nada tienen de artísticas. Suelen ser estas las mejores.

—Ya que tocamos el tema de la música, no podemos dejar de mencionar la reciente salida del primer vinilo de Las Lenguas Muertas, el grupo musical que forman con Ariel Mínimal, Juan Marcos Rocca y Claudio Leiva. ¿Cómo llegaron a este disco y qué es lo que te gustaría destacar?

—Es un disco hermoso, lo vamos a presentar en agosto en Buenos Aires. Y que este editado en vinilo le da algo especial.

—Para terminar, ¿cuáles son los proyectos que siguen para este 2022? —Seguir actuando (este año retome esa actividad), tocando solo con mi guitarra (que es algo que cada vez disfruto más, siento que es una manera de pulirme como interprete), editar un disco de canciones mías que cante acompañado por un quinteto de cuerdas (ya está grabado y listo) y seguir colaborando con personas nuevas. Seguramente me olvido un par de cosas.

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Propietaria/Directora: Andrea Viveca Sanz
Domicilio Legal: 135 nº 1472 Dto 2, La Plata, Provincia de Buenos Aires
Registro DNDA Nº 2019-79370965 Edición Nº