Música
Soledad despide “Veinte Años” en busca de nuevos destinos
Soledad Pastorutti despedirá la etapa del CD DVD “20 años”, en el que repasa su carrera, con dos conciertos el 25 y el 26 de agosto en el Gran Rex, para luego involucrarse en un proceso que la tiene muy atrapada e intrigada de “buscar nuevos sonidos, nuevas canciones” para el nuevo disco que saldría en 2018.
El ciclo de despedida de este disco será el 15 de octubre en su pueblo natal Arequito con un gran concierto gratuito, pero mientras tanto Soledad busca nuevas sonoridades, nuevas canciones para presentar un trabajo en el 2018.
Pero cuando Soledad dice “me parece que la música de raíz no puede faltarme”, no se refiere sólo a chacareras y zambas, habla de bucear en las profundidades de ese océano que es el folclore latinoamericano, para ampliar su repertorio y buscar nuevas sonoridades.
Pastorutti tiene el poncho en la mano pero está más cerca musicalmente de Carlos Vives, de su admirada Lila Downs y de la chilena Mon Laferte, además de confesar públicamente que le encantan las canciones de Luciana Juri, de la Yegros, de Mariana Baraj y de otras mujeres del folclore argentino. Además en el Olimpo del folclore latino coloca a Mercedes Sosa, Violeta Parra, Chabuca Granda y Chavela Vargas.
En una charla con la agencia de noticias Télam, se manifestó a gusto con esta intriga y con la búsqueda de nuevos colores musicales:
¿Luego de que termine el ciclo de estos shows, te tomás vacaciones y luego te ponés a grabar?
Soledad Pastorutti: Estoy en búsqueda de canciones, tengo muchas. También hay un montón de cosas que busco, las canciones son lo primero que tiene que estar pero después qué canciones de esas quiero usar para el próximo disco. No llevo la cuenta, pero hay para hacer tres discos.
¿Con la línea del último, de esa mixtura del rock y lo latino?
No, para mí no hay certezas, tienen que estar primero las canciones. Estamos viendo con Bruno, que es mi director musical, otras variantes de sonidos, me gustaría que sea un poco más despojado de cantidad de instrumentos. Todo lo que te digo puede cambiar porque no está todavía el disco, pero te cuento qué es lo que pienso hoy. Después, también buscar a la intérprete un poco más. Tengo mucha inquietud de hacer cosas no sé si tan diferentes, pero sí nuevas, de probar y de tomarme un tiempo para el próximo disco.
A eso iba con la pregunta. Estás trazando un camino artístico, el disco de Luciano Pereyra tiene afinidades sonoras con esa mixtura de folclore latinoamericano con el tuyo, Abel Pintos también, Carlos Vives dijo que quería producirte un disco y Mon Laferte te elogió mucho…
La admiro mucho a Mon Laferte, es una gran referencia para mí. Está bueno esto de empezar a encontrar que en el camino te cruzás con gente con la que tenés afinidades y la respuesta es buena.
Por ahí no sé si con las palabras puedo definirte lo que quiero que ocurra, pero yo no quiero dejar de ser una artista popular porque a mí me gusta mucho lo que ocurre cuando yo me subo a un escenario y tengo la libertad de cantar una chacarera, una zamba, un huayno, de repente un tango y de repente terminamos bailando una cumbia. Una cumbia que la hicimos a nuestra manera, que también es parte de la música latinoamericana. A mí me gusta esa situación del escenario. Hay una cosa que puedo tener y que todavía no exploté como hubiese querido primero porque no tenía los años y después porque entré en una vorágine donde parecía que el artista también era un producto, también hay una parte que es la que la gente más entiende y que me doy cuenta con lo que pasa con nuestras canciones es que cuando querés decir algo y lo decís con tus palabras esa canción llega de otra manera a la gente. Hasta yo la canto de otra manera, entonces es buscar que la intérprete, la cantautora, la mujer y la sensualidad puedan convivir y converjan en ese disco. Para eso también creo que la instrumentación puede ser un poco diferente a lo que vengo usando: otros colores, algunas cosas que sean más de sutilezas.
¿Máquinas a lo Jorge Drexler o un folclore electrónico como La Yegros?
Yo creo que las máquinas bien usadas pueden llegar a ser geniales. Cuando yo empecé a cantar folklore y empezó a usarse el tema de máquinas y doblar instrumentos no se veía tan bien en su momento. Yo no sé si estoy tan de acuerdo con poner una guitarra natural grabada en el estudio en el vivo, pero sí cuando estás buscando sonidos, que no podés hacer con la guitarra de arriba del escenario. Nosotros estamos usando máquinas desde hace un tiempo, desde “Vivir es hoy” y antes también.
Yo estoy muy contenta con los últimos años artísticos de mi carrera, estoy muy contenta con lo que se produce con la gente y, sobre todo, con haber rejuvenecido a Soledad. Cuando digo rejuvenecido digo de que siento que me puedo ir aggiornando a los diferentes tiempos dentro de los límites que yo me pongo, no voy a hacer algo que no quiera hacer solo por el hecho de sacar la cabeza afuera. Siento que respetándome a mí misma respeto a mi público y a mis pares.
Te buscan de todos los géneros para que cantes. ¿Como te sentís con el reggaeton?
A mí me encantan los géneros en tu totalidad. De verdad te digo, no tengo ningún problema con ningún género, me decís de cantar un reggaetón y yo lo canto y lo disfruto. De hecho con Antonia, mi hija, me la paso cantando todas las canciones de los rankings. Pero además yo me divierto con eso, me encanta. Yo soy mucho más abierta de lo que mucha gente puede suponer. Sé el lugar que ocupo y en donde estoy, por esa misma razón estoy segura de lo que soy. No voy a dejar de ser Soledad por que cante con alguien alguna canción urbana. Al contrario, es un orgullo que un artista que quizás se supone de una música un poco más tradicional pueda estar invitado ahí.
Cuando vos lográs, como dice María también, que el vestido que te ponés te quede de 10 ahí es donde todo lo que lograste combinar funciona de manera maravillosa, casi milagrosa. Yo siento que eso es lo que tiene que suceder a futuro. Quizás ni hablaría de un género musical, hablaría de canciones que me representen a mí. ¿En qué sentido va a ser? No sé. Me gustan mucho las cuerdas y las máquinas, yo mezclaría todo eso, pero tienen que estar mezcladas de cierta manera que queden bien.
En ese marco el año pasado cantaste con Divididos en Flores, casi de sorpresa y Mollo y todo el público quedaron contentísimos.
Yo estaba en un estudio acá en Capital grabando y los quise ir a ver porque estaban los músicos de mi banda tocando con Divididos, se enteró Ricardo y me llamó. Yo fui con mi cuñado, que estaba saliendo de una situación de salud bastante difícil y que además los admira profundamente, y con mi marido. Estaba yo sentada ahí y me dice Ricardo si me animaba, ya había empezado el show porque llegué tarde. Canté “La Flor Azul” que es de Mario Arnedo Gallo, un compositor impresionante del folclore argentino y que es el papá de Diego de Divididos, porque la conozco, y fue genial. Yo admiro mucho lo que hace Divididos con el folclore, me parece que ellos encontraron un punto ahí que está todo bien, que digo “¿cómo no se me ocurrió a mí?” (risas).
Laura Pausini lanzó su nuevo álbum “Yo Canto 2”. Su objetivo con este disco es lanzar un mensaje de amor por la música como remedio al conflicto: “Somos un ejército desarmado, armado solo con la belleza del arte”, dice la italiana.
Incluye 21 temas en su versión deluxe donde versiona canciones míticas de artistas tan variados como Mecano, Izal, Shakira, Jeanette, Alejandro Sanz, Rosana, Ricardo Montaner, Bad Bunny o Pablo López.
La historia del disco esconde un significado muy profudo, pues la italiana ha acompañado el estreno con una larga reflexión que resume en cinco palabras: “Haz música, no la guerra”.
“El segundo capítulo de ‘Yo Canto’ llega 20 años después del primero. Esta vez, dedicado a algunas de las canciones que más he amado de artistas españoles, latinoamericanos y americanos. 20 años en los que hemos cambiado, crecido y vuelto a enamorar de la música. Hoy, igual que en aquel momento, mi única motivación y razón para rendir tributo a una canción, a su autor o a quien la interpreta es: el amor”, empieza diciendo.
Para Laura Pausini, los artistas cantan para convertirse “en la voz de un sentimiento poderoso”: “En este álbum, me siento como Juana de Arco (sin armadura… ¡pero con un micrófono en la mano!), porque cuando la música me llama, yo respondo. Estoy lista para defender sin miedo todo lo que amo”.
“La música debe ser protegida por quienes viven por ella. Porque puede ser acusada, juzgada, malinterpretada o subestimada. Pero nosotros, los artistas, estamos aquí para protegerla. Somos un ejército desarmado, armado solo con la belleza del arte, que sigue siendo el arma más revolucionaria de todas”, añade.
Así, tras compartir un verso del poeta musical Rumi —”Más allá de las ideas del bien y del mal / hay un campo / Allí te encontraré“—, Pausini hace referencia a las críticas: “La vida te lleva a descubrir muchas cosas… algunas hermosas, otras difíciles de aceptar. Palabras y juicios que no reflejan quién eres y que te hieren profundamente. Y cuando te das cuenta de que tienes que defenderte, duele, pero tienes que hacerlo. Encontrando una manera de hacerlo sin herir a quienes te hirieron. Yo lo hago a través de la música”.
Tracklist de ‘Yo Canto 2’
- 1. OYE MI CANTO con Richaelio (Gloria Estefan – Cuba/USA – 1989)
- 2. HIJO DE LA LUNA (Mecano – España – 1986)
- 3. MI HISTORIA ENTRE TUS DEDOS (Gianluca Grignani – Italia – 1995)
- 4. HASTA LA RAÍZ (Natalia Lafourcade – México – 2015)
- 5. BACHATA ROSA (Juan Luis Guerra – Santo Domingo – 1990)
- 6. GRACIAS A LA VIDA con Nahuel Pennisi (Violeta Parra – Chile – 1966)
- 7. MARIPOSA TECKNICOLOR (Fito Páez – Argentina – 1994)
- 8 PAUSA con Mikel Izal (Izal – España – 2018)
- 9. ANTOLOGÍA (Shakira – Columbia – 1995)
- 10. ¿PORQUÉ TE VAS? (Jeanette – España – 1974)
- 11. CUANDO NADIE ME VE (Alejandro Sanz – España – 2000)
- 12. ESO Y MÁS con Yami Safdie (Joan Sebastian – México – 2006)
- 13. HOY (Gian Marco – Perú – 2003)
- 14. EL TALISMÁN (Rosana – España – 1996)
- 15. TURISTA (Bad Bunny – Puerto Rico – 2025)
- 16. LIVIN’ LA VIDA LOCA (SPANGLISH VERSION) (Ricky Martin – Puerto Rico – 1999)
- 17. CUANDO NACEN AMORES con Ricardo Montaner (Ricardo Montaner – Venezuela – 1992)
- 18. EL PATIO (Pablo López – España – 2017)
Deluxe
- 19. NO SOY UNA SEÑORA (María José – México – 2009)
- 20. ENTRE SOBRAS Y SOBRAS ME FALTAS (Antonio Orozco – España – 2020)
- 21. CUANDO NACEN AMORES (solo version) (Ricardo Montaner – Venezuela – 1992)
(Fuente: europafm – Diario de Cultura)
Los Calzones lanzan “Juntos”, corte adelanto de “Huella”, su décimo y flamante álbum de estudio. El sencillo ya se encuentra disponible en todas las plataformas digitales.
Renovados, honestos, políticamente incorrectos, combativos y con más furia que nunca, Los Calzones presentan su nuevo single. Tras 37 años en el ruedo, la banda va por más enarbolando con orgullo y por todo el mundo la bandera del SKA.
“Juntos” es un relámpago sonoro. El torbellino rítmico sacude como un látigo a través de una contagiosa melodía que brota en los pies, estalla en el cerebro y queda impregnado en el alma.
En el nuevo tema convive el sonido de las guitarras con una afilada sección de vientos entre las que emerge una voz impertinente respaldada por coros hipnóticos, en búsqueda de una nueva verdad.
Conducida por una poderosa base, afilados y envolventes vientos, cuenta con un estribillo irresistible. Se desvanece en una suerte de trance, cae en un ritual sagrado y somnoliento y resucita con la fuerza de un incendiario eclipse lunar para estar “Juntos” y pasar toda la vida.
La canción fue compuesta y arreglada por Marcelo Del Grosso, Eduardo A. Casareski, Fabián M. Isernia, Carlos C. Báez y Sergio M. Chávez.
Participaron los siguientes integrantes y músicos invitados: Pingüino: voz, teclados y coros, Pitulo: guitarras y coros y Pájaro: bajo y coros; Gargamel, trombón y coros; Azrael, trompetas y coros; Kamion en batería y coros; Albert Sterling Menendez en teclados; Ed Calle en saxo tenor y barítono; Francisco Dimas en trompeta y John Kricker en trombón. Producción artística: Gustavo Borner y Los Calzones.
Fiel a su historia, la banda deja su impronta apasionada por un género creado en Jamaica y redefinido en Inglaterra, que más tarde fue adaptado a la idiosincrasia Latinoamericana.
Registrada en los legendarios Criteria Studios de Miami y mezclada en Igloo Music de Burbank, California. La grabación y mezcla pertenecen a Gustavo Borner.
(Fuente: Diego Perri – Prensa)
Netflix incorporó a su catálogo “The Rise of the Red Hot Chili Peppers: Our Brother, Hillel”, un documental que se sumerge en los años formativos del grupo californiano, mucho antes de su consagración internacional. Lejos de la narrativa clásica del ascenso al estrellato, la película propone un recorrido íntimo por la adolescencia de sus integrantes y el vínculo que marcó su identidad: la amistad con el guitarrista Hillel Slovak.
Ambientado en la California de fines de los años setenta y comienzos de los ochenta, el filme reconstruye el contexto en el que Anthony Kiedis y Michael Balzary —luego conocido como Flea— transitaban una juventud errática, más cercana al caos y la experimentación que a cualquier aspiración artística concreta. En ese universo irrumpe Slovak, un músico talentoso cuya sensibilidad y destreza terminarían por introducir a sus amigos en el camino de la música.
El documental dedica buena parte de su metraje a esa prehistoria de la banda, cuando aún no existía Red Hot Chili Peppers como tal. A través de material de archivo y testimonios actuales, se repasa el paso por proyectos iniciales como “Anthym” y “What Is This”, donde Flea comenzó a tocar el bajo y Kiedis encontró su lugar al descubrir el rap, aportando una impronta que sería clave en la identidad sonora del grupo.
Recién hacia 1982 aparece la formación que daría origen a la banda, completada en ese entonces por el baterista Jack Irons. Sin embargo, el eje narrativo no está puesto en la evolución musical sino en las relaciones personales y en el progresivo deterioro marcado por el consumo de drogas. El documental aborda con franqueza los excesos de sus protagonistas, en especial la adicción a la heroína que afectó tanto a Kiedis como a Slovak.
La muerte del guitarrista en 1988, a causa de una sobredosis, funciona como punto de inflexión y cierre emocional del relato. Para entonces, la banda ya contaba con un puñado de discos y giras internacionales, pero aún no había alcanzado la masividad que llegaría en los años noventa. El documental subraya esa paradoja: Slovak fue una figura central en la gestación del grupo, pero no llegó a ver su éxito global.
Con testimonios particularmente conmovedores de Flea —quien se muestra visiblemente afectado al recordar a su amigo—, la película construye se centra en la nostalgia y el duelo. La posterior incorporación de John Frusciante y el inicio de una nueva etapa quedan esbozados como epílogo de una historia que, en esencia, habla de pérdida.
Dirigido por Ben Feldman y con producción de Marc D’Agostino, el filme cuenta también con producción ejecutiva de Dan Braun, Josh Braun, David Blackman, James Slovak y el propio realizador. La propuesta se distingue por evitar el tono celebratorio para enfocarse en la dimensión emocional de una banda que, con más de cuatro décadas de trayectoria y millones de discos vendidos, sigue encontrando en sus orígenes una parte fundamental de su identidad.
Así, Netflix apuesta por una historia donde el mito queda en segundo plano y lo que emerge es el retrato de una amistad atravesada por el talento, el desborde y la tragedia. Un recordatorio de que, antes de los escenarios multitudinarios, hubo un grupo de jóvenes que solo buscaban compartir el momento.
Laura Pausini estrenó “Yo Canto 2” con un importante mensaje: “Haz música, no la guerra”
Los Calzones lanzan “Juntos”, adelanto de su álbum “Huella”
Un documental íntimo y trágico que revive la prehistoria de los Red Hot Chili Peppers
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