Música
Soledad despide “Veinte Años” en busca de nuevos destinos
Soledad Pastorutti despedirá la etapa del CD DVD “20 años”, en el que repasa su carrera, con dos conciertos el 25 y el 26 de agosto en el Gran Rex, para luego involucrarse en un proceso que la tiene muy atrapada e intrigada de “buscar nuevos sonidos, nuevas canciones” para el nuevo disco que saldría en 2018.
El ciclo de despedida de este disco será el 15 de octubre en su pueblo natal Arequito con un gran concierto gratuito, pero mientras tanto Soledad busca nuevas sonoridades, nuevas canciones para presentar un trabajo en el 2018.
Pero cuando Soledad dice “me parece que la música de raíz no puede faltarme”, no se refiere sólo a chacareras y zambas, habla de bucear en las profundidades de ese océano que es el folclore latinoamericano, para ampliar su repertorio y buscar nuevas sonoridades.
Pastorutti tiene el poncho en la mano pero está más cerca musicalmente de Carlos Vives, de su admirada Lila Downs y de la chilena Mon Laferte, además de confesar públicamente que le encantan las canciones de Luciana Juri, de la Yegros, de Mariana Baraj y de otras mujeres del folclore argentino. Además en el Olimpo del folclore latino coloca a Mercedes Sosa, Violeta Parra, Chabuca Granda y Chavela Vargas.
En una charla con la agencia de noticias Télam, se manifestó a gusto con esta intriga y con la búsqueda de nuevos colores musicales:
¿Luego de que termine el ciclo de estos shows, te tomás vacaciones y luego te ponés a grabar?
Soledad Pastorutti: Estoy en búsqueda de canciones, tengo muchas. También hay un montón de cosas que busco, las canciones son lo primero que tiene que estar pero después qué canciones de esas quiero usar para el próximo disco. No llevo la cuenta, pero hay para hacer tres discos.
¿Con la línea del último, de esa mixtura del rock y lo latino?
No, para mí no hay certezas, tienen que estar primero las canciones. Estamos viendo con Bruno, que es mi director musical, otras variantes de sonidos, me gustaría que sea un poco más despojado de cantidad de instrumentos. Todo lo que te digo puede cambiar porque no está todavía el disco, pero te cuento qué es lo que pienso hoy. Después, también buscar a la intérprete un poco más. Tengo mucha inquietud de hacer cosas no sé si tan diferentes, pero sí nuevas, de probar y de tomarme un tiempo para el próximo disco.
A eso iba con la pregunta. Estás trazando un camino artístico, el disco de Luciano Pereyra tiene afinidades sonoras con esa mixtura de folclore latinoamericano con el tuyo, Abel Pintos también, Carlos Vives dijo que quería producirte un disco y Mon Laferte te elogió mucho…
La admiro mucho a Mon Laferte, es una gran referencia para mí. Está bueno esto de empezar a encontrar que en el camino te cruzás con gente con la que tenés afinidades y la respuesta es buena.
Por ahí no sé si con las palabras puedo definirte lo que quiero que ocurra, pero yo no quiero dejar de ser una artista popular porque a mí me gusta mucho lo que ocurre cuando yo me subo a un escenario y tengo la libertad de cantar una chacarera, una zamba, un huayno, de repente un tango y de repente terminamos bailando una cumbia. Una cumbia que la hicimos a nuestra manera, que también es parte de la música latinoamericana. A mí me gusta esa situación del escenario. Hay una cosa que puedo tener y que todavía no exploté como hubiese querido primero porque no tenía los años y después porque entré en una vorágine donde parecía que el artista también era un producto, también hay una parte que es la que la gente más entiende y que me doy cuenta con lo que pasa con nuestras canciones es que cuando querés decir algo y lo decís con tus palabras esa canción llega de otra manera a la gente. Hasta yo la canto de otra manera, entonces es buscar que la intérprete, la cantautora, la mujer y la sensualidad puedan convivir y converjan en ese disco. Para eso también creo que la instrumentación puede ser un poco diferente a lo que vengo usando: otros colores, algunas cosas que sean más de sutilezas.
¿Máquinas a lo Jorge Drexler o un folclore electrónico como La Yegros?
Yo creo que las máquinas bien usadas pueden llegar a ser geniales. Cuando yo empecé a cantar folklore y empezó a usarse el tema de máquinas y doblar instrumentos no se veía tan bien en su momento. Yo no sé si estoy tan de acuerdo con poner una guitarra natural grabada en el estudio en el vivo, pero sí cuando estás buscando sonidos, que no podés hacer con la guitarra de arriba del escenario. Nosotros estamos usando máquinas desde hace un tiempo, desde “Vivir es hoy” y antes también.
Yo estoy muy contenta con los últimos años artísticos de mi carrera, estoy muy contenta con lo que se produce con la gente y, sobre todo, con haber rejuvenecido a Soledad. Cuando digo rejuvenecido digo de que siento que me puedo ir aggiornando a los diferentes tiempos dentro de los límites que yo me pongo, no voy a hacer algo que no quiera hacer solo por el hecho de sacar la cabeza afuera. Siento que respetándome a mí misma respeto a mi público y a mis pares.
Te buscan de todos los géneros para que cantes. ¿Como te sentís con el reggaeton?
A mí me encantan los géneros en tu totalidad. De verdad te digo, no tengo ningún problema con ningún género, me decís de cantar un reggaetón y yo lo canto y lo disfruto. De hecho con Antonia, mi hija, me la paso cantando todas las canciones de los rankings. Pero además yo me divierto con eso, me encanta. Yo soy mucho más abierta de lo que mucha gente puede suponer. Sé el lugar que ocupo y en donde estoy, por esa misma razón estoy segura de lo que soy. No voy a dejar de ser Soledad por que cante con alguien alguna canción urbana. Al contrario, es un orgullo que un artista que quizás se supone de una música un poco más tradicional pueda estar invitado ahí.
Cuando vos lográs, como dice María también, que el vestido que te ponés te quede de 10 ahí es donde todo lo que lograste combinar funciona de manera maravillosa, casi milagrosa. Yo siento que eso es lo que tiene que suceder a futuro. Quizás ni hablaría de un género musical, hablaría de canciones que me representen a mí. ¿En qué sentido va a ser? No sé. Me gustan mucho las cuerdas y las máquinas, yo mezclaría todo eso, pero tienen que estar mezcladas de cierta manera que queden bien.
En ese marco el año pasado cantaste con Divididos en Flores, casi de sorpresa y Mollo y todo el público quedaron contentísimos.
Yo estaba en un estudio acá en Capital grabando y los quise ir a ver porque estaban los músicos de mi banda tocando con Divididos, se enteró Ricardo y me llamó. Yo fui con mi cuñado, que estaba saliendo de una situación de salud bastante difícil y que además los admira profundamente, y con mi marido. Estaba yo sentada ahí y me dice Ricardo si me animaba, ya había empezado el show porque llegué tarde. Canté “La Flor Azul” que es de Mario Arnedo Gallo, un compositor impresionante del folclore argentino y que es el papá de Diego de Divididos, porque la conozco, y fue genial. Yo admiro mucho lo que hace Divididos con el folclore, me parece que ellos encontraron un punto ahí que está todo bien, que digo “¿cómo no se me ocurrió a mí?” (risas).
Por Camila Hassan (*)
Carlos Alberto “El Indio” Solari, uno de los referentes del rock en Argentina, murió este viernes a los 77 años, a causa del mal de Parkinson que padecía desde hace 10 años aproximadamente, según pudo constatar la Agencia Noticias Argentinas en base al parte policial.
El cantante fue reconocido como una de las figuras más influyentes y enigmáticas de la historia del rock argentino que alcanzó una dimensión mítica como líder y principal compositor de la banda Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, un fenómeno cultural que se convirtió en un símbolo de independencia artística y convocatoria popular en la década de los ’70.
Con una de las discografías más influyentes en su género, la agrupación se hizo de álbumes emblemáticos como “Gulp!”, “Oktubre”, “Lobo suelto, cordero atado” y “Luzbelito”.
Tras la disolución de la banda en 2001, el músico se desempeñó como solista y mantuvo una convocatoria multitudinaria en cada presentación junto a “Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado”. El primer compilado solista llegó con “El Tesoro de los Inocentes” en 2004.
En esta instancia, se sumaron trabajos como “Porco Rex” y “El perfume de la tempestad”. Obras que no sólo se hicieron del impacto cultural y la mirada crítica social, sino que marcaron un estilo a través de la densidad poética de sus letras.
El reconocimiento Honoris Causa de la UBA y su último mensaje grabado
Entre sus acercamientos más recientes al público, el artista recibió un homenaje por parte de la Universidad de Buenos Aires que le otorgó el doctorado Honoris Causa, con un acto en el Aula Magna de la Facultad de Medicina y el músico envío un mensaje en agradecimiento por la distinción.
En el mismo acto, que se lo pudo ver en simultáneo a través de una pantalla ubicada en la Plaza Houssay, el guitarrista e integrante de Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, Gaspar Benegas, junto a un octeto de cuerdas, interpretaron diez canciones del Indio, que fueron ovacionados por el público presente.
La reunión fue presidida por el rector de la Universidad de Buenos Aires (UBA), Ricardo Gelpi que definió al intérprete como “un artista que hizo de la originalidad una ética, construyó uno de los lazos más intensos entre un músico y su comunidad que registre la historia cultural del país y, que demostró que la mayor ambición posible no es la fama ni el dinero sino la justificación de una vida entera a través del trabajo”.
Las misas ricoteras: un movimiento cultural paralelo
Aunque su perfil más reconocido se enfoca en el ámbito musical, desde joven desarrolló intereses vinculados al arte, la literatura y la contracultura. Éstos conocimientos se vieron reflejados en letras cargadas de metáforas y referencias literarias que se trasformaron en objeto de análisis y devoción para miles de seguidores.
Con el paso de los años, los recitales de “Los Redonditos de Ricota” comenzaron a ser conocidos popularmente como “misas ricoteras”, una denominación surgida por la devoción de sus seguidores y por la capacidad de convocatoria que alcanzó la banda en distintos puntos del país.
Así, en su momento solista, también alcanzó dimensiones inéditas con cientos de miles que abarcaban varias generaciones de seguidores: en 2016, su show en Tandil reunió alrededor de 250.000 personas y, un año después, el recital de Olavarría congregó entre 300.000 y 400.000 asistentes.
El pasado 11 de marzo se cumplió un nuevo aniversario de aquella histórica jornada que terminó por constituirse como el último concierto en vivo de “El Indio” Solari en Olavarría que marcó el cierre definitivo de las peregrinaciones.__IP__
Los fanáticos provenientes de todos los puntos cardinales del país se congregaron en el predio rural La Colmena donde se realizó el ritual del apagón general y, con las luces del predio completamente extintas, una introducción instrumental comenzó a sonar a través de las imponentes torres de sonido.
Vínculos dentro del rock nacional y el respeto de los colegas
Entre las entrañables relaciones con las que contaba Solari, el artista mantuvo un fuerte vínculo con Lito Vitale, uno de sus enlaces más conocidos, con quien grabó el disco Escúchame entre el ruido en 2006. Por su parte, León Gieco, Ricardo Mollo y Andrés Calamaro, entre otros intérpretes, mantuvieron una alianza más formal y profesional, que brindaron testimonios de labores compartidos.
(*) Agencia Noticias Argentinas
“De Aquí Para Allá” es el segundo álbum de Sasha Vuela que tendrá su presentación oficial el domingo 12 de julio a las 20.30 en Cultural Thames, con entradas disponibles en la web www.culturalthames.com.ar.
La obra es una vuelta al origen del artista. Después de la expansión sonora de “Híbrido” (2024), este nuevo trabajo encuentra su centro en el formato más íntimo posible: canciones sostenidas casi exclusivamente por guitarra y voz.
Grabado entre distintos escenarios, casas y ciudades, el disco conserva el pulso del movimiento que le dio nacimiento: viajes, conciertos, encuentros y la necesidad de registrar las canciones allí donde estuvieran vivas.
Con influencias que dialogan entre el folklore rioplatense, el candombe y la canción de autor, “De Aquí Para Allá” también funciona como homenaje a Gustavo Pena, figura fundamental en el imaginario del disco. El título retoma el eco de “Canto de aquí para allá”, una canción del artista uruguayo, y se convierte además en una declaración de vida: la música como movimiento permanente.
Las canciones recorren distintos paisajes emocionales: la transformación de crecer, la incertidumbre, los vínculos, la memoria familiar, la astrología, el amor y la búsqueda de sentido en medio de una vida dedicada al arte. Todo aparece atravesado por un sonido cálido, artesanal y profundamente humano.
Grabado entre Uruguay, CABA y el Conurbano Bonaerense, el disco fue tomando forma lejos de las grandes estructuras de producción y cerca de los vínculos, los intercambios y la confianza compartida.
Como la cartografía que aparece en su portada, “De Aquí Para Allá” entiende cada canción como una parada dentro de un recorrido más amplio. Un disco que no busca fijar un lugar de llegada, sino documentar el viaje.
(Fuente: Florencia Meluso – Enlazadora de Mundos)
La Fernández Fierro, la agrupación insignia del nuevo tango, brinda dos nuevos conciertos en su propia sala, el mítico CAFF del Abasto (Sánchez de Bustamante 772 – CABA), los días miércoles 10 y viernes 26 de junio, a las 21, con entradas desde $20.000, jubilados gratis, estudiantes a mitad de precio y descuento para el Sindicato de Profesores Universitarios.
La agrupación es una de las principales orquestas de tango contemporáneo de Buenos Aires. Reconocida por su sonido potente y sus presentaciones en vivo de gran intensidad, la orquesta ha renovado el lenguaje del tango en el siglo XXI, combinando tradición y una estética moderna y audaz. Su música fusiona la fuerza dramática del tango clásico con influencias actuales, creando un estilo propio dentro de la escena musical argentina.
Una experiencia imprescindible para descubrir el tango actual en Buenos Aires, en el CAFF (Club Atlético Fernández Fierro), espacio cultural fundado por la propia orquesta.
Con un repertorio original, su formación integrada por Joaquín Áleman en piano; Manuel Barrios en bandoneón; Andrés Hojman en viola; Julia Testa, Martín Elter y Juan Villegas Restrepo en violines, y Yuri Venturin en contrabajo, voz y dirección musical, la Fierro propone un recorrido por composiciones originales de Venturin y de autores contemporáneos como Palo Pandolfo, Lele Angeli, Tape Rubín, Santiago Bottiroli o Silvio Cattáneo que son postales de la áspera realidad que nos rodea.
(Fuente: Marta del Pino – Prensa)
Murió Indio Solari, leyenda del rock
Inauguró la muestra “in der Pampa” de Guillermo Düvelmeyer
La niña del árbol de nísperos – Ale Pastore
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