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“La voz áspera de la ternura”: a diez años de la partida de Chavela Vargas
Por Victoria Ojam (*)
Provocadora, rebelde y clara adelantada a su época, la memorable Chavela Vargas fallecía una década atrás a los 93 años ya convertida en un símbolo de libertad en vida y en la música, dos mundos en los que transgredió barreras de género de todo tipo y que la inmortalizaron como una de las más influyentes artistas latinoamericanas de su tiempo.
“Yo no soy bohemia, yo nací con esa sed de luna, sed de noche, sed de sueños, persiguiendo sueños”, se presentaba “La voz áspera de la ternura” -como la calificó su querido amigo Pedro Almodóvar– en una entrevista ofrecida en 2003, promediando sus 80 y poco después de, contaba, lanzarse de un avión en las alturas para sentir realmente lo que es volar.
Con su característico estilo rasposo y duro a la hora de entonar, la cantante pasó así a la historia, como una figura que, aunque quizás tardíamente reconocida, desafió las expectativas sociales y el sonido tradicional de su México adoptiva para sellar su impronta inconfundible a toda una manera de experimentar la existencia.
Repleto de claroscuros, su recorrido comenzó en Costa Rica, donde nació el 17 de abril de 1919 en el pequeño distrito de San Joaquín de Flores y fue bautizada como María Isabel Anita Carmen de Jesús Vargas Lizano, aunque pronto adoptaría otro nombre público y otro país en el que, como aseguró en su biografía, encontraría “la vida de verdad”.
Abandonada por sus padres y sobreviviente de la poliomielitis en la infancia, humilde, joven pero ya golpeada, llegó al país norteamericano en su adolescencia para radicarse, aunque su despegue como intérprete ocurriría casi dos décadas más tarde, luego de trabajar como cocinera y vendedora de ropa y hasta como chofer de familias de alta alcurnia mexicana.
La oportunidad de dar a conocer su voz en un programa de radio y su gran cercanía con quien sería una suerte de padrino musical, el prolífico cantautor José Alfredo Jiménez -también socio suyo en largas noches de descontrol-, se transformarían en un modesto trampolín a los escenarios de Acapulco y en pequeños circuitos artísticos y, en los años 60, a adquirir mayor notoriedad.
Y es que “la dama del poncho rojo”, con todo su magnetismo, supo presentarse frente a estrellas de Hollywood como Elizabeth Taylor, Rock Hudson, Ava Gardner y Grace Kelly, pero más importante aún en su intimidad, cosechó profundas amistades con artistas e intelectuales como la emblemática Frida Kahlo y su esposo Diego Rivera, el colombiano Gabriel García Márquez y, más tarde, con el español Joaquín Sabina, entre otros.
Todos ellos la caracterizaron -y algunos todavía lo hacen- como una personalidad única, un espíritu que inspiraba calidez más allá de los reveses que le impuso la vida, y como una irrepetible de la música, con su “manera de cantar llorando, un quejío inigualable, una expresividad fuera de lo común”, como describió Sabina, que le dedicó la famosa “Por el boulevard de los sueños rotos”.
Acompañada únicamente por una guitarra, Chavela dejó tras de sí ejemplos de su conmovedor y sufrido lamento frente al micrófono en “Macorina”, de su primer álbum grabado en 1961, “Paloma negra”, “Un mundo raro” y “La llorona”, tal vez la más famosa e hipnótica de sus versiones; por nombrar tan sólo un puñado de las que aparecen en su extenso haber de más de 80 discos de estudio y en vivo.
Basta un repaso de su obra y situarla en contexto para comprender la relevancia vanguardista que “la Chamana” tuvo al hacer propias esas letras, cuando la canción ranchera, el género que principalmente la volvió conocida, era señal unívoca de fiesta y la música popular mexicana en general, un dominio absoluto de los hombres.
Intentaron que subiera al escenario en vestido y tacos, pero elegía ponerse pantalones, trajes de charro, sombreros y salir sin maquillaje, aunque eso le valiera la incomprensión y el desdén de quienes que la tildaban de “marimacho”, y cantaba lo que se suponía que debían ser líricas felices como si se tratara de una catarsis, una forma de purgar el dolor.
En la sociedad homofóbica e intensamente religiosa de la México de su época, se paraba frente a los roles de género establecidos, bebía y fumaba “como varón”, a veces calzaba una pistola en su cinto, y le hablaba desde la música a las mismas mujeres a las que los compositores se las habían escrito: Chavela lo dio vuelta todo mucho antes de que su genio fuera abrazado en los pagos latinoamericanos, pero debió atravesar un duro impás de 15 años para volver con renovado recibimiento.
Entrada la década del 70, rechazada una vez más por el mundo que la rodeaba y tras la muerte de José Alfredo Jiménez, fue acogida por una familia de chamanes que la ayudaron a rehabilitarse de su dura adicción al alcohol, y desapareció de la vida pública al punto de que la sociedad la diera por muerta.
Sería España el nuevo lugar en el que, ya en los 90 y con sus fantasmas bajo control, volvería a cantar su querido repertorio frente a una audiencia y cultivaría más vínculos en el universo artístico que le dieron el impulso necesario para recorrer los escenarios ibéricos de la mano de Miguel Bosé, Ana Belén, Sabina, Martirio y el propio Almodóvar, su “único amor en la Tierra”.
Revitalizada, lúcida y activa, la intérprete de “Que te vaya bonito” y “Las simples cosas” expresó abiertamente que era lesbiana a los 81 años y eligió despedirse de las presentaciones en vivo en 2006: “No quiero que me vayan a ver solamente por ser una viejita simpática”, dijo en su último concierto en la Ciudad de México.
Mujer libre hasta el final, alguna vez resumió: “Yo no soy barco, no tengo velas, no tengo ancla. Tengo alas maravillosas, unas alas muy tenues, muy bellas, que yo las siento y voy por el mundo. Ahí sueñas, ahí creas. El que está estacionado no crea. Hay que romperse el alma para poder crear”.
(*) Agencia de noticias Telam.
La actriz, cantante, bailarina y compositora estadounidense de origen puertorriqueño Irene Cara, laureada por sus interpretaciones de las canciones principales de los filmes “Fama” y “Flashdance”, murió este domingo a los 63 años en su casa de Florida por causas aún no reveladas.
La noticia sobre el fallecimiento fue entregada por su representante, Judith A. Moose, a través de Twitter donde escribió: “No puedo creer tener que escribir esto, y mucho menos dar la noticia. Por favor, compartan sus pensamientos y recuerdos de Irene. Estaré leyendo todos y cada uno de ellos; y sé que ella estará sonriendo desde el Cielo. Ella adoraba a sus fans”.
La artista se inició en la televisión de habla hispana cantando y bailando y su pico de popularidad llegó asumiendo a Coco Hernández en “Fama”, película de 1980, que le dio su primer premio Oscar por la canción homónima.
Cara también participó de la banda sonora de la película “Flashdance” y su tema principal, “Flashdance… What a Feeling”, le volvió a otorgar el Óscar en 1983 a la mejor canción original, así como el Premio Grammy a la Mejor interpretación vocal femenina pop un año más tarde.
Luego y ya lejos de semejante palmarés a cuyo calor registró tres álbumes, la intérprete siguió participando en filmes y programas de TV, a la vez que sostenía el proyecto musical Hot Caramel donde se desempeñaba como voz principal.
El cantante y compositor cubano Pablo Milanés, uno de los más destacados exponentes de la Nueva Trova Cubana junto a Silvio Rodríguez, falleció este martes a los 79 años en Madrid, España.
“Con gran dolor y tristeza, lamentamos informar que el maestro Pablo Milanés ha fallecido esta madrugada del 22 de noviembre en Madrid. Agradecemos profundamente todas las muestras de cariño y apoyo, a toda su familia y amigos, en estos momentos tan difíciles. Que descanse en el amor y en la paz que siempre ha transmitido. Permanecerá eternamente en nuestra memoria”, indica un comunicado difundido por la oficina artística del músico en Facebook.
Milanés se encontraba hospitalizado desde el 13 de noviembre a causa de una inflamación en la vesícula biliar y una infección en el riñón, que lo obligó a cancelar varios conciertos de su gira “Días de luz”.
El artista tenía un frágil estado de salud y sufría, entre otras dolencias, un trastorno renal por el que recibió un trasplante de riñón en 2014.
El compositor y guitarrista dio su último concierto el 21 de junio pasado en La Habana, donde actuó para miles de personas en un estadio deportivo.
“A pesar de mis 27 operaciones, salir a cantar es mi vida, es lo que me da emoción. Me da ganas de vivir contemplar la magia que se vive cuando empiezo a cantar y eso es inenarrable”, declaró en una entrevista con la agencia de noticias Télam realizada en febrero del 2019.
Nacido en1943 en Bayamo, Milanés, una de las voces más reconocidas de la música cubana, fue fundador del Movimiento Nueva Trova junto a Silvio Rodríguez y al fallecido Noel Nicola y, como parte de aquel colectivo, exhibió al mundo canciones que se convirtieron en himnos como “Yo pisaré las calles nuevamente”, “Yolanda” y “Años”.
Aquel movimiento marcó un resurgimiento de la composición musical de la isla.
Con esa imponente obra bajo el brazo y un permanente apego por el romanticismo, Milanés forjó un camino propio en la canción iberoamericana.
A lo largo de su vida, editó más de 50 discos, recibió, entre otros, el Premio Nacional de Música de Cuba y el Grammy Latino a la Excelencia Musical, y colaboró con músicos como el pianista de jazz Emiliano Salvador, el cantante Víctor Manuel y Xiomara Laugart,
Fue un artista reconocido y admirado a nivel mundial, se presentó durante décadas en distintos escenarios de América Latina y mantuvo un eterno idilio con el público argentino.
Milanés se encontraba hospitalizado en Madrid debido a “los efectos de una serie de infecciones recurrentes que en los últimos tres meses han venido afectando a su estado de salud”, según un comunicado.
“Esta situación clínica -indicaba la nota- es secundaria a una enfermedad oncohematológica que sufre desde hace varios años y que le exigió instalarse en Madrid a finales de 2017 para recibir tratamiento”.
Por estos motivos, “fueron cancelados los conciertos de Milanés previstos para las próximas semanas, y suspender toda su actividad artística mientras dure esta circunstancia”, señalaba el texto
El músico tenía previsto actuar el 30 de noviembre en Ciudad de México y el 5 de diciembre en Santo Domingo; además, su agenda incluía una actuación en la ciudad española de Pamplona.
El 30 de enero de este año, el artista sufrió la pérdida de su hija, la cantante cubana Suylén Milanés Benet, quien falleció a los 50 años a causa de un accidente cerebrovascular.
La música de Pablo Milanés acompañó a diferentes generaciones y dejó una huella imborrable en la canción latinoamericana.
El muy esperado Museo de Broadway, ubicado en el corazón de Times Square, abrió sus puertas al público como el primer museo permanente dedicado a la historia ilustre y el arte legendario de los musicales y obras de teatro de Broadway, en el que repasa íconos como “Cabaret”, “Hair”, “Cats”, “El fantasma de la ópera” o “El rey león”.
El recorrido se propone dar cuenta de los espectáculos fundamentales que transformaron el panorama de Broadway: los momentos que empujaron los límites creativos, desafiaron las normas sociales y allanaron el camino para los que vendrían después, incluido piezas como Hair, The Ziegfeld Follies, Show Boat, Oklahoma!, The Wiz y Rent , entre muchas más.
Son más de 500 producciones individuales que repasan el largo historial de Broadway, desde aquella primera obra de teatro representada en Nueva York en 1732 hasta la actualidad, albergadas en este museo de tres pisos, único en su tipo que se presenta como una experiencia teatral inmersiva e interactiva.
Los visitantes pueden recorrer la historia visual del mítico Broadway, a través de sus más destacados momentos, enlazados mediante exhibiciones que incluyen vestuarios, disfraces, accesorios, zapatos, trajes originales, sombreros, fotografías, decorados, afiches publicitarios y videos.
El museo también celebra el detrás de escena de esta deslumbrante forma de arte con la exhibición “Cómo se hizo un espectáculo de Broadway”, que honra a la comunidad de profesionales talentosos que trabajan tanto dentro como fuera del escenario, y que dan vida a las obras de teatro y los musicales de Broadway todos los días y noches.
La programación incluirá también exposiciones temporales, como la primera que ya acaba de inaugurar, “The American Theatre visto por Hirschfeld”, curada por David Leopold, que lleva a los visitantes a través de nueve décadas de imágenes icónicas del teatro a través de 25 dibujos y grabados que van de 1928 a 2002. En Estados Unidos, Hirschfeld es la persona que creó más afiches publicitarios para espectáculos que cualquier otro artista.
Los visitantes se encontrarán con las producciones originales de “El violinista en el tejado”, “El fantasma de la ópera”, “El rey y yo”, “Domingo en el parque con George”, “Funny Girl”, “Ragtime”, “La bella y la bestia” y “Hairspray”, entre otras. Se destaca una galería de retratos de grandes figuras como Meryl Streep, Julie Andrews, Stephen Sondheim, Liza Minnelli y John Leguizamo, muchos de ellos autografiados, además de ilustraciones de artistas y diseñadores de todo el mundo, que han trabajado en escenografías de algunas de las obras teatrales.
El Museo de Broadway -ubicado en 145 West 45th Street- fue fundado por la empresaria y productora dos veces ganadora del premio Tony, Julie Boardman, y por la creadora de la agencia Rubik Marketing, Diane Nicoletti.
El teatro de Broadway es una de las industrias culturales más famosas que ha contribuido a la identidad neoyorquina y finalmente tiene un museo que lo celebra, el Museum of Broadway, ubicado al lado de la sala más antigua de la ciudad.
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