Artes Plásticas
Myrian Bahntje, Teresa Prost y ese infinito y lúdico ensamble de la ilustración y la literatura
Por Andrea Viveca Sanz (@andreaviveca) /
Edición: Walter Omar Buffarini //
Un libro abre su boca, bosteza palabras, las pliega en sus brazos de papel, retiene las letras que respiran en los vértices de una imagen, las invita a rodar, a acomodarse en ese aire retenido, como una inspiración sobre los márgenes. Todo se pliega, es un cuento que se cuenta una vez, muchas veces, infinito.
Las unieron las palabras y las imágenes, llevan años compartiendo su arte, la ilustradora Myrian Bahntje y la escritora y narradora oral Teresa Prost se vuelven a encontrar en Tapeka, un proyecto que invita a jugar con libros con infinitas posibilidades de lectura.
ContArte Cultura charló con ellas para conocer los detalles de esta propuesta lúdico-literaria que las reúne.
—Para iniciar esta charla les proponemos un juego de presentación. Las piezas de un gran rompecabezas se han encontrado, son imágenes y palabras que cuentan una historia que las une, ustedes mismas son parte de esas piezas, como fragmentos de un cuento que podría contarse de manera infinita. ¿Cuál es la primera imagen que perciben de ese rompecabezas? ¿Está completo? Si no fuera así, ¿qué piezas faltan? ¿Dónde se ubicarían ustedes en ese espacio imaginario?
—Teresa Prost: La primera imagen que percibimos es un dragón. Es que Dragón sin cielo raso, mi cuento, había sido seleccionado ganador del concurso “Palabra de Maestro” y el premio fue la publicación del mismo, ilustrado por alumnos de la carrera de Ilustración de la Escuela de Artes Visuales de aquí, de Bahía Blanca. Myrian, como profesora, guio el trabajo de ilustración. Ahí nos conocimos. Y el rompecabezas no está completo, por suerte. Queda camino, asombro y la incertidumbre de encajar o no. Las piezas que faltan son las historias que aún no contamos. Un desafío, siempre.
—Myrian, ¿de qué manera llegaste al arte? Y vos, Teresa, ¿cómo te iniciaste en el camino de la palabra, tanto oral como escrita?
—Myrian Bahntje: Dibujo y pinto desde siempre, pero la aproximación al campo artístico lo hice en mi adolescencia, asistiendo al taller particular de una profesora de la Escuela de Artes Visuales de Bahía Blanca, Marie Verger, quien me habló de esta escuela a la que luego ingresé para estudiar el Profesorado Superior en la especialidad pintura. Por otra parte, siempre me apasionó la literatura infantil. Me llevó tiempo conectar ese ámbito con el campo de la ilustración pero una vez que mis neuronas hicieron sinapsis, ha sido el espacio artístico donde indago, exploro, estudio y produzco. En este camino de aprendizaje y crecimiento, la Asociación de Dibujantes de Argentina (ADA), de la cual formo parte, resulta un pilar más que importante, porque si bien la producción en mi trabajo es muy solitaria e individual, el pertenecer a un colectivo siempre enriquece, te permite aprender de tus pares y a formarte como un profesional, uno que además de ser experto en la especificidad del área debe saber sobre cuestiones legales, de contratos y un largo etcétera.
—TP: En mi caso, crecí entre palabras, cuentos y poemas sabidos de memoria. La lectura sumó. Fui una niña lectora. Luego vino la necesidad de escribir y después las ganas de compartir y sembrar. Será por eso que elegí ser maestra y bibliotecaria. Un día descubrí a la narración oral como un extraordinario recurso para “pescar” lectores. Y decidí perfeccionar eso. Contar cuentos es cautivar con la palabra, llevar la literatura a todas partes. Sabemos que hay muchísimas personas que, por diversas realidades (personales, económicas, sociales, culturales), no accederían a uno u otro texto. El narrador salta esos obstáculos y de pronto, en una plaza o sociedad de fomento o biblioteca, cual mago y su varita, abre la voz y aparecen Borges o Hecker o Schweblin o Cortázar o Tolstoi o Bradbury o… tantos tan necesarios. La narración oral habilita una literatura para todos y todas.
—¿Qué proyectos compartidos lograron fundir sus capacidades creativas?
—Secretos, Algo para contar, El principio, Bebé Saurio dejó el chupete, El niño raro, Hormigas a montones… y el recién nacido, Luna que juega.
—Y hablando de proyectos, cuéntennos de qué se trata “Tapeka”.
—Tapeka es un proyecto editorial que intenta la producción de libros no convencionales y, en este sentido, próximos a la idea de libro-objeto. Quizá en algún momento decidamos realizar un libro tal como lo imaginamos al decir la palabra “libro”, pero por el momento la inquietud es explorar otros formatos que respondan o acompañen conceptualmente al texto. Así es como nació nuestro primer “libro infinito”. En cuanto a la denominación del sello editorial, surgió a partir de jugar con sílabas. Buscábamos una palabra cuya sonoridad nos remitiera a un mundo infantil, tuviera fuerza en esa combinación de consonantes y vocales, fuera fácil de recordar y lo suficientemente abstracta como para cargarla con todo un universo de sentido (de ahí la Luna, el Sol y las estrellas en el isologo), un universo nuevo en el que “creamos disfrute, disfrutamos creando” tal como expresa nuestro slogan.
—¿Cuándo y cómo surge la idea de realizar “libros infinitos”?
—MB: Mi abuela decía que las casualidades no existen. Por alguna razón yo había indagado en el formato de libros infinitos para implementarlos como trabajo de ciertos conceptos en la escuela secundaria en la que daba clases (me jubilé el año pasado), y a la vez había conversado con una compañera de la Escuela de Artes Visuales, quien también se había topado con esta posibilidad, e intercambiamos ideas; esto fue en el 2019. A principio del año pasado, Teresa me propuso realizar un nuevo libro y me preguntó si conocía algún formato de libro infinito. La verdad es que no deja de llamarme la atención cuando estas sincronías se dan, pero admito que no se me había ocurrido pensar en este formato para una propuesta editorial. Cuando Teresa me lo planteó me pareció una excelente idea. El libro infinito presenta un movimiento de repetición constante que invita al lector a una actitud lúdica basada en una racionalidad libre de objetivos. Esta manera de entender el “jugar-con” es innata a lo humano, quizás por eso a los niños los conecta con su mundo y a los adultos nos lo recuerda. Es un formato de libro que maravilla a grandes y chicos, por eso muchos adultos lo compran para regalar a los niños pero también para ellos, y con una sonrisa cómplice dicen: “¡Este es para mí!”.
—¿Cómo llevaron adelante el proceso creativo del primero de los libros “Hormigas a montones, ¿en todas las estaciones?”?
—MB: El proceso de este libro es una constante en nuestra manera de trabajar. Teresa escribe, yo ilustro, Teresa vuelve al texto a partir de esas ilustraciones, yo reviso las imágenes generadas acorde a las modificaciones que surgieron, y así va y vuelve todo hasta que decidimos que el trabajo está terminado. En este caso en particular, hubo además que averiguar cómo llevar el libro infinito a un proceso seriado. En este sentido tuvimos más de una charla con la imprenta y entre todos fuimos construyendo un proceso de producción que ahora, aprendido, nos permite hacer otros, como Luna que juega, por ejemplo.
—Precisamente, “Luna que juega” es la segunda obra compartida, ¿qué van a encontrar los lectores en ese mundo iluminado por la luna?
—Nos maravilla sentir que la luna que vemos es la misma de hace miles, millones de años y que repite sus fases así, una y otra y otra vez. Los lectores encontrarán plasmada esa secuencia en el formato. Si se detienen en las imágenes encontrarán alguna que otra historia y vinculaciones sutiles a descubrir. Entre texto e ilustración encontrarán poesía. Está pensado para que los más peques lo disfruten (ilustraciones, imprenta mayúscula, extensión…) pero no está prohibido para lectores más grandes. De acuerdo a la edad del lector las posibilidades se multiplican.
—¿De qué manera trabajaron para lograr esa síntesis donde se funden los textos con las imágenes que, como acabás de mencionar, además se superponen en diversas posibilidades de lectura?
—Cada creación es única y requiere exploración, búsqueda, juego, tiempo de intentos. Intuíamos qué queríamos contar y cómo, pero recién al amasar los ingredientes fuimos encontrándole la vuelta. Esto implicó no solo jugar con colores, formas, palabras, sino también indagar acerca de las fases lunares y cómo se ven de acuerdo al hemisferio donde estemos parados.
—¿Hay un próximo libro infinito en camino?
—Hay una catarata de ideas y entre ellas más libros infinitos. Nuestro próximo proyecto es explorar un formato que nos está dando vueltas. Simultáneamente iremos intercalando alguna otra propuesta. Las ideas se suceden y son un desafío, como esas piezas que faltan en nuestro rompecabezas.
—Para terminar, y volviendo a ese rompecabezas del comienzo, les pedimos que dejen un deseo suspendido entre sus piezas.
—¿Solo uno? (risas) Que cada vez haya más niños lectores. Pero se nos escapan otros: que nunca dejemos de asombrarnos; que siempre haya algo nuevo por descubrir; que Tapeka siga creciendo.
Del 25 al 28 de junio, MAPA celebra su 8ª edición en el Pabellón 8 de La Rural, reuniendo galerías de arte y diseño de Argentina y del exterior. Con proyectos curatoriales inéditos, colectivos de diseñadores y producciones originales, la feria vuelve a consolidarse como un espacio de encuentro para la escena contemporánea.
Con la participación de más de 400 artistas, MAPA se afirma como un espacio dinámico donde conviven diversos modos contemporáneos de producción, exhibición y circulación del arte. Así, la feria despliega un programa integral que fortalece sus objetivos: promover el intercambio, atraer nuevos públicos y contribuir al desarrollo del mercado del arte.
Este año se incorporan autores, secciones y voces innovadoras que reflejan el dinamismo del sector. Los ejes que definen el espíritu de esta edición son: Galerías, Proyectos Curatoriales, Sección Diseño, Mapa Digital y Tienda de Publicaciones. Además, producciones de Latinoamérica que amplían la proyección regional e internacional de la escena local. Desembarcarán las galerías Cielo, La Galerilla (Uruguay), Kleur Gallery (Santiago de Chile/Madrid), Made in Perú, Marissi Campos Galería (Lima), Prima (Santiago de Chile) y TM (Guayaquil).
El comité curatorial está conformado por Clara Ríos (Curaduría General), Javier Villa (Sección Principal), Natalia Albanese (Sección LATAM) y María Boggiano (Sección Diseño). Participarán galerías como Cosmocosa, De Sousa, Del Infinito, Tiempo, Imaginario, The White Lodge y Cecilia Caballero, entre muchas otras.
Entre los proyectos especiales de esta edición, MAPA contará con la participación de Juvenal Ravelo, referente del arte cinético venezolano, que realizará un mural en homenaje a Julio Le Parc (1928-2026). La obra se desarrollará en vivo junto al público de la feria, en colaboración con estudiantes de la Licenciatura en Diseño de la Universidad Torcuato Di Tella.
Otro de los homenajes estará dedicado a Luis Felipe “Yuyo” Noé, (1933-2025). “Noé en clave gráfica” acerca la obra del artista a nuevos públicos a través de la exploración de técnicas gráficas contemporáneas. La propuesta reúne piezas emblemáticas como “En la maraña” y “Recontrapoder en la naturaleza y los mitos”, junto a serigrafías experimentales. El proyecto impulsado por la Fundación Luis Felipe Noé busca expandir las formas de circulación y lectura de su imaginario visual, poniendo en diálogo obra, reproducción y experimentación.
“Concibo esta feria como un territorio clave para acompañar el crecimiento del ecosistema artístico. MAPA amplía la diversidad de plataformas disponibles y favorece un acceso más equitativo al mercado para artistas y galerías, fortaleciendo así la pluralidad del circuito”, señala Javier Villa, curador de la Sección Principal. Y agrega: “Se busca fomentar vínculos sostenibles entre agentes culturales, coleccionistas y públicos. En un contexto de transformaciones, la feria se posiciona como espacio estratégico para robustecer la infraestructura del arte, promoviendo prácticas que expanden horizontes”.
El auge del Diseño Coleccionable
Entre las novedades se suma la Sección Diseño, curada por María Boggiano. “En la intersección de las disciplinas, el diseño no es neutral, deja de ser un instrumento utilitario para situarse en el cruce entre arte y vida: ya no solo como práctica de lo posible sino como potencia de lo real. Los invitamos a sumarse a esta conversación”, convoca Boggiano.
Así, MAPA incluye por primera vez estudios, arquitectos, diseñadores independientes y propuestas que trabajan con ediciones limitadas y piezas únicas. Esta sección posiciona a la feria en sintonía con las tendencias globales, donde la frontera entre la obra de arte y el objeto de diseño es cada vez más porosa. Las exploraciones materiales, los procesos creativos y el cruce interdisciplinario dan cuenta de la expansión del sector.
“La Sección Diseño de MAPA propone fortalecer un territorio expandido donde se encuentran diseño, arte y cultura material. El diseño articula lo funcional con lo conceptual, en tanto práctica contemporánea que combina oficio, investigación, sensibilidad estética y capacidad narrativa. La Sección busca reunir la escena prolífica y efervescente del diseño argentino, con el objetivo de contribuir a su valoración material, simbólica y comercial. MAPA fortalece el diseño de autor como disciplina coleccionable”, apunta María Boggiano. En esta sección darán sus primeros pasos los colectivos Trazo Cero y Acopio. Además, se verá mobiliario icónico del Estudio Cabeza –los bancos Tronco y Territorio– y un stand dedicado a Ricardo Blanco, como el emblemático sillón escultórico Skel, de 1974.
Gran alianza del Diseño Regional: MAPA + MADE
Reforzando esta visión, MAPA invita a MADE (Mercado, Arte, Design), de San Pablo, a su Programa de Intercambio Internacional 2026. MADE es la primera feria internacional de diseño coleccionable de Brasil, reconocida como la plataforma líder en la región. La delegación desembarca en La Rural con 18 referentes del diseño brasileño. Entre ellos, Carol Gay, Aline Angeli, Goá, Studio Galasso, Iro Studio y Estudio Géo. A su vez, el curador Bruno Simões (presidente del Instituto Bardi/Casa de Cristal) seleccionará, junto a la curadora María Boggiano, un grupo de diseñadores argentinos para participar en la próxima edición de MADE 2026.
Novedades
- Auditorio: Un nodo de pensamiento, charlas y networking. El espacio, curado por Natalia Albanese, está dedicado al diálogo entre instituciones, coleccionistas, empresas de diseño y proyectos híbridos. Bajo el concepto de foro, “El futuro llegó hace rato” se postula como un dispositivo de participación e intercambio.
- MAPA Digital: Bajo la curaduría de Marianella Baladán, esta sección explora las nuevas tecnologías y lenguajes digitales. En Espacio Dinalight la propuesta Mundo., cuenta con ocho artistas digitales latinoamericanos que presentan obras en formato de instalaciones interactivas, lumínicas y generativas.
- Tienda de Publicaciones: Con la curaduría de Sol Echevarría, la tienda reúne sellos de arte, libros de artista y piezas que utilizan el formato libro como soporte conceptual y material.
- mapa.art. La plataforma permite recorrer la feria de manera virtual, con información sobre obras, galerías y artistas. Funcionará como un catálogo digital interactivo de cada edición, con herramientas de comercio electrónico y agenda de exposiciones y eventos.
“MAPA es un espacio activo de intercambio entre prácticas artísticas, galerías y coleccionismo, donde el mercado impulsa la visibilidad, la circulación y el diálogo entre escenas contemporáneas. En este contexto, la feria teje nuevas redes y habilita dinámicas de encuentro entre proyectos emergentes y consolidados para afirmarse como una plataforma de venta que busca fortalecer el crecimiento del mercado y ampliar el público”, sostiene Clara Ríos, curadora general.
MAPA se destaca por integrar propuestas de todo el país, promoviendo una mirada federal, descentralizada y diversa. El programa, que fortalece puentes con propuestas de América Latina, incluye eventos multidisciplinarios, presentaciones especiales y espacios de conversación, reflexión e intercambio entre artistas, curadores, gestores, coleccionistas y nuevos públicos.
(Fuente: mapa.art)
El próximo miércoles 1° de julio a las 18, la Casa Nacional del Bicentenario (CNB) realizará la inauguración de “Cartografías sensibles”, exposición que reúne las producciones de las artistas misioneras Sylvina Goerling y Sandra Bonetti, en una propuesta donde el arte textil se expande hacia la instalación, la performance, la fotografía y el video.
Desde una región de frontera como Misiones, ambas artistas recuperan el textil como espacio de transmisión y encuentro entre culturas, construyendo una geografía sensible donde cuerpo y territorio se entrelazan.
La exposición, curada por Marina Bosco Demarchi, presenta dos recorridos que parten de experiencias personales y modos particulares de habitar el mundo.
Sandra Bonetti desarrolla una investigación centrada en el cuerpo como territorio de identidad y transformación. A través del fotomontaje, el bordado y la performance, explora los vínculos entre la experiencia personal y los modelos culturales que atraviesan la construcción de la identidad.
Por su parte, Sylvina Goerling dirige su mirada hacia el territorio y la memoria urbana. Mediante el uso de telas, transferencias y bordados, construye cartografías subjetivas que revelan capas históricas y rastros de la vida cotidiana. Sus obras recuperan huellas, fragmentos y paisajes que dialogan entre pasado y presente, invitando al espectador a completar aquello que permanece invisible.
La muestra se podrá visitar hasta el 26 de julio en el Espacio de Arte Nacional, en el segundo piso de la CNB, en calle Riobamba 985 de CABA.
La edición 2026 de Art Basel comenzó con un fuerte impulso para el mercado internacional del arte al concretarse la venta de una obra de Pablo Picasso por 30 millones de euros (35 millones de dólares), una de las operaciones más destacadas de la feria y una señal del renovado dinamismo del segmento de mayor valor del coleccionismo.
La pieza del artista español -“Le peintre et son modèle dans un paysage” (1963)- encabezó una serie de transacciones millonarias registradas durante las jornadas de preventa reservadas para coleccionistas e invitados. Las grandes galerías internacionales informaron ventas de obras de figuras como David Hockney, Louise Bourgeois, Cy Twombly y Helen Frankenthaler, consolidando un inicio de feria por encima de las expectativas del sector.
El protagonismo de Picasso refleja la creciente preferencia de los compradores por obras de artistas consagrados, consideradas inversiones más seguras en un contexto económico todavía marcado por la cautela. Las galerías más importantes apostaron por presentar piezas de alta calidad y procedencia excepcional para atraer a los grandes coleccionistas internacionales.
Según los organizadores, el buen comienzo de la feria coincide con una mejora en las perspectivas del mercado global del arte. El último informe elaborado por Art Basel y UBS señala que las ventas mundiales crecieron en 2025 tras dos años de retroceso, aunque la recuperación se concentra principalmente en las obras valoradas en más de diez millones de dólares.
Además de las ventas en los estands principales, la sección Art Unlimited, dedicada a instalaciones y obras de gran formato, también registró adquisiciones relevantes por parte de museos europeos, confirmando el interés institucional por piezas de gran escala.
La feria reúne en Basilea a miles de coleccionistas, galeristas, curadores y artistas de todo el mundo, y permanecerá abierta al público hasta el domingo. Los primeros resultados alimentan el optimismo de un sector que busca dejar atrás varios años de desaceleración y recuperar el protagonismo de las grandes operaciones internacionales.
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