

Artes Plásticas
Leo Bolzicco, la ilustración y los avances tecnológicos: “Si tengo ganas de dibujar por placer, agarro lápiz y papel”
Por Walter Omar Buffarini /
Leo Bolzicco es ilustrador, comenzó su carrera hace más de treinta años y en ese largo camino debió aggiornarse a la par de los cambios que fueron modificando sus hábitos de trabajo y sus formas de hacer arte.
Hoy no sólo se desempeña en el área editorial, también lo hace en publicidad e incursiona en el ámbito de la animación en sus distintas etapas de producción y realización.
En diálogo con ContArte Cultura, el artista platense contó cómo fue ese transitar al ritmo de los avances tecnológicos, sus logros profesionales y los sueños por concretar.
—¿Contanos cómo fue tu evolución desde el lápiz y el papel a la ilustración digital y las computadoras?
—No sé si existe una lógica de cómo se dio. En el papel empecé como casi todos los chicos, dibujando, jugando, y a diferencia de la gran mayoría, los que hoy nos dedicamos a esto seguimos dibujando. El común de la gente decidió algún día no dibujar más y nosotros lo seguimos haciendo. Por eso, el vínculo con el papel es de toda la vida. Después, nos alcanzó la tecnología.
-¿Y cómo fue ese paso?
—Ya me encontraba trabajando en el Diario Hoy de La Plata, disfrutando mucho de una realidad que siempre había soñado que es esto de trabajar en editorial, y un día cayó la novedad: “A partir de mañana los dibujos empiezan a salir en forma digital”. Como dije, yo estaba en pleno disfrute de lo que era esta historia del dibujo, y me enojé un poco con la noticia. A partir del día siguiente tenía que pintar en máquina, y cuando vos pintás en máquina te impersonalizás. Los primeros tiempos fueron difíciles, hasta que entendí cómo funciona. En un principio los dibujos quedaban bastante planos y poco agradables y me sentía un operario de Photoshop más que un ilustrador. Después, con el tiempo, eso fue cambiando. La tecnología básicamente te va llevando y comenzás a encontrarle sus ventajas, como la posibilidad de “undo” o el “Ctrol-Z”, ese golazo que es el poder volver para atrás. Hoy ya se puede recrear en forma digital de alguna manera lo que se hace con pinceles, en forma mucho más rápido, y te pagan lo mismo que cuando era con lápiz, pinceles y papel (risas).
—Seguramente esos cambios no fueron tan rápidos ni tan fáciles…
—Aparecieron primero las “tabletitas”, como las Wacom, lo que nos obligó a hacer un trabajo extra para acomodar el ojo a la mano. Antes tu ojo miraba cómo la mano dibujaba y ahora era mirar la pantalla mientras la mano dibujaba en otro sector. Luego aparecieron las tabletas más grandes, con otro tipo de atajos, y finalmente la Cintiq que amplía las posibilidades y en donde se dibuja directamente sobre la pantalla. Hoy dibujo con un lápiz digital, pero no en una tableta que me obliga a mirar la pantalla, sino sobre esa pantalla como si fuera un papel. Mi próxima meta es encontrar la posibilidad de agregarle algún tipo del film que simule la rugosidad del papel.
—¿Sentís que los resultados de tu trabajo son los mismos que lograbas antes?
—Anteriormente, cuando tenía que hacer posturas distintas de algún personaje, el lápiz le daba unas gracias al dibujo que yo no lograba con la tableta. Con el correr del tiempo y el ejercicio que da tener que entregar determinada cantidad de episodios, fui alcanzando un resultado similar a lo que se lograba antes, pero lo que sin dudas no se iguala es el disfrute. Dibujar en papel no tuvo nunca hasta ahora un paralelo tecnológico que lo pueda igualar. Y eso tiene que ver con las texturas, con los materiales que se tienen en la mano. Hoy, una misma punta es el pincel, el lápiz, el crayón… No tenés fibras, no tenés témperas, eso ya no existe. Y si bien los resultados pueden ser similares, son distintos desde el proceso. Los avances siempre son bienvenidos para lo que es trabajo, si tengo ganas de dibujar por placer, agarro lápiz y papel.
“Pasar del lápiz de madera al lápiz digital fue para los dibujantes algo muy importante. Muy marcado. Con el mouse no se podía y no se puede dibujar. Las tabletas vinieron a solucionar un poco eso.”
—En ese camino de crecimiento profesional llegaste a la animación. ¿Cómo transitás esta etapa y que senderos te llevaron a lo que hoy hacés?
—Yo no soy estrictamente animador. Si bien he hecho cosas de animación, lo mío está más en el proceso creativo. Soy quien inventa personajes, el que le da las herramientas, la estética, en ese proceso anterior al animador. Y en ese camino tuve la posibilidad de realizar efectos especiales y personajes para distintas campañas. Últimamente, con un grupo de trabajo, participamos en la publicidad de Topline con la creación de personajes para animación 2D. También trabajé para Levité en la creación de personajes y la animación, en una publicidad de Mc’Donald, que tenía de particular que no había animación en mí tarea, sino que yo hacía planos o dibujos fijos para agregar a una animación, y también para Banco Nación cuando empezaron a promocionar el uso de la aplicación BNA+. Y el camino también me llevó a trabajar mucho para México, en publicidades que incluían efectos especiales y la creación de algunos personajes.
—Contás mucho sobre la creación de personajes, ¿cómo es que nacen para vos en estos casos?
—Para todos los casos, no sólo para las publicidades, cuando creás un personaje lo primero que tenés que saber es la psicología que va a tener, quién será. Esto es fundamental para saber qué es lo que tenés que representar, y después, lógicamente, saber a quién se va a dirigir. Así, si sé lo que quiero decir y a quién se lo voy a decir, voy a saber el cómo lo voy a decir. Eso es vital.
¿Y cuando debés dibujar un personaje que ya existe en un texto previo?
—En esos casos, más allá de que el personaje ya haya sido creado en un texto, yo puedo tener una visión distinta del mismo. El lenguaje escrito es muy distinto al visual. Yo puedo potenciar al personaje o darle una visión diferente.
—Por lo que contabas, hoy estás trabajando solo, por fuera de cualquier estudio.
—Mayormente sí. Ya tuve estudios, ya fui parte de otros estudios, pero ya no volverá a pasar. Hoy trabajo solo y formo equipos o me sumo a equipos si determinado trabajo lo requiere, como sucedió con Pakapaka.
—¿En qué consistió esa experiencia?
—Se trató de un concurso que se arma por fuera de Pakapaka y para el cual me convocaron para hacer las expresiones extremas dentro de Storyboard (que después se convirtió en Animatic), de los personajes principales y de los secundarios más importantes. Después, viendo el proceso en el que participaban muchos chicos nuevos e inexpertos, me pusieron como asesor de imagen de lo que sería la creación de los personajes. Para validarlos, darles consejos, para orientarlos sobre como formar el personaje y que pueda actuar.
—Y en este caso, ¿cuál es el secreto de un personaje para animación?
—Lo que tiene la animación del personaje es que no solamente tiene que demostrar su psicología, sino que también hay que tener en cuenta su volumen para convivir con otro personaje, lo que hace que cuando los ves de lejos sabés quién es quién, y fundamentalmente que sea “animable”, que se pueda hacer. Para esto hay que saber, entre otras cosas, con qué costos va a contar la animación. Si es con un equipo para Disney no vas a tener problemas, porque contarás con el mejor software y un montón de equipos disponibles, pero si te encontrás sólo con una persona que va a animar, con un software limitado o con una decisión de estética limitada que hace que la animación sea más barata, tenés que pensar en algo que sea realizable con esas limitaciones.
—¿Si hoy pudieras elegir, volvés al dibujo en papel?
—No dejaría nada de lo que hago, pero si puedo haría lo que todavía nunca hice, que es publicar un libro de humor. Me quedé con la idea de ese libro de cuarentena cuando publicaba en Instagram las experiencias de la gente. Tendría ganas de hacer eso, humor, me gusta hacer humor como me gustaba mucho hacer las tiras en el diario.
—Después de más de treinta años, ¿estás en el lugar que soñaste estar cuando iniciaste tu carrera?
—Lo que más me gusta en mi vida es dibujar, y por suerte me levanto todos los días a dibujar. Sin dudas estoy en el lugar que quiero.

Artes Plásticas
Exposiciones artísticas sobre el ambiente por el Día de los Humedales

En el marco del Día Mundial de los Humedales, en conmemoración a la firma del tratado intergubernamental para la conservación y el uso racional de los humedales y sus recursos, la Municipalidad de La Plata inaugurará dos exposiciones artísticas para sensibilizar sobre el cuidado del ambiente.
Este domingo desde las 18.30 se dará a conocer “Jugando con la marea, perfumadita de brea”, que pone en foco la relevancia del ambiente a 26 años del mayor derrame de petróleo en agua dulce del mundo, ocurrido en las costas de Magdalena.
Presentada por primera vez en 2024 en La Rioja, también estará disponible “Joyas para la Yacurmana”, propuesta que rinde homenaje a la diosa del agua a través de piezas de joyería contemporánea y otros objetos ofrendados en el paisaje de la Cascada de Chuquis en la IV Bienal de Joyería Contemporánea.
Por otro lado, el sábado 8 de febrero a las 18:00 se realizará una mesa de diálogo biocultural seguida de la presentación de la “Remada contracorriente de la Cuenca del Plata”, una travesía que se llevará a cabo en marzo entre las ciudades de Clorinda y Rosario.
Finalmente, el sábado 15 de febrero, también a las 18:00, se proyectará en el Centro Cultural y de la Memoria Islas Malvinas el documental La teoría del derrame, que aborda el derrame de petróleo ocurrido en 1999 en el Río de la Plata, frente a la costa de Magdalena, combinando testimonios, archivos y herramientas de activismo artístico y educación ambiental.
El Día Mundial de los Humedales se conmemora cada 2 de febrero para recordar la firma, en 1971, de la Convención de Ramsar, cuyo objetivo es promover la conservación y el uso sostenible de los humedales en todo el mundo. La fecha busca generar conciencia sobre la importancia de estos ecosistemas, esenciales para la biodiversidad y el bienestar humano.
Artes Plásticas
Una inédita exposición confronta las obras de Warhol y Banksy

Una exposición confronta el extraordinario mundo de Andy Warhol, el artista más fotografiado del mundo e ícono pop, frente al anónimo Banksy, quien en los últimos años transformó su arte en un evento mediático global.
Titulada Warhol Banksy, está curada por Sabina de Gregori y Giuseppe Stagnitta, y se exhibe en el centro cultural WeGil de Roma del 20 de diciembre al 6 de junio de 2025.
Así es posible ver a la sensual Kate Moss de Banksy cara a cara con la Marilyn Monroe creada por Warhol tras la muerte de la actriz en 1962. También la Reina Isabel, retratada por Warhol con la diadema real, y la versión de Banksy con apariencia de mono (Monkey Queen). También se contraponen un desfile de Mao, Lenin y Kennedy de Warhol y la Reina Victoria de Banksy.
Los dos artistas que han cambiado la forma de vivir el arte en los últimos 50 años se encuentran frente a frente en la exposición que por primera vez pone en confrontación directa sus trayectorias.
“Es la primera vez que se organiza una exposición de este tipo”, explica Stagnitta a la agencia ANSA. “Aunque en 2007 el propio Banksy creó una muestra, comisariada por él mismo, llamada Warhol vs Banksy. Desde el principio quiso comunicar algo sobre su vínculo con Warhol, pero sobre todo con Duchamp”.
Una exposición contextual
Patrocinada por la Región de Lazio, en colaboración con LazioCrea, la exposición documenta el camino innovador y revolucionario de ambos artistas, con más de 100 obras provenientes de famosas colecciones privadas de todo el mundo y de importantes galerías de arte.
“Se ha realizado un gran trabajo de investigación y autenticación porque ambos trabajan con la serigrafía”, añade Stagnitta. “Y un esfuerzo considerable: solo los muros que trajimos desde Londres pesan ocho toneladas. La exposición es contextual al modo de hacer arte hoy, que ya no es el objeto-cuadro, sino el arte que se convierte en evento. Esto es una lección del Dadaísmo, una forma de crear desconcierto y provocar al mundo. Warhol ya lo hacía en los años 80, especialmente contextualizado al consumo. Banksy lo hace hoy con citas explícitas, como la Gioconda Smile en el Louvre”.
Entre la vasta producción del artista británico, se encuentran las Soup, considerada una postproducción de una de las obras más icónicas de Warhol.
La muestra continúa con el Self Portrait sobre lienzo de 1967 de Warhol, en comparación con el muro de Banksy titulado Computer Boy, donde algunos ven al niño acurrucado como un pequeño Banksy con su identidad ya oculta.
También se exhibe el famosísimo muro Season’s Greetings, realizado en 2018 en Port Talbot, Gales, que invita a reflexionar sobre las consecuencias de la contaminación atmosférica en nuestra salud.
Entre los temas comunes de ambos artistas está también la música, con discos y carteles icónicos como la famosa banana de 1967 en la portada de The Velvet Underground & Nico de Warhol, dialogando con la obra de Banksy titulada Pulp Fiction, donde John Travolta sostiene la banana icónica de Warhol en lugar de una pistola. Además, más de 50 vinilos firmados por Warhol y CDs con carátulas creadas por Banksy.
A pesar de tantas afinidades, hay una diferencia llamativa: Warhol hizo del protagonismo su marca, mientras que Banksy ha hecho del anonimato su fortaleza.
“Es cierto -responde Stagnitta- aunque el propio Warhol era anónimo, con su peluca, su rostro casi plástico y sus gafas oscuras. Nunca respondía preguntas. Solo decía ‘sí’ o ‘no’. Era provocador, irónico. Estaba en todas partes, pero muchas veces enviaba a sus dobles a las inauguraciones. Él estaba, pero en realidad era mucho más. Por lo tanto, nunca conoceremos realmente a su persona, al igual que nunca sabremos quién es Banksy”.
(Fuente: Agencia Noticias Argentinas)
Artes Plásticas
Abrió la inscripción para la Colonia de Arte 2025: más de 25 talleres y múltiples sedes

La Municipalidad de La Plata abrió la inscripción para participar de los talleres de la Colonia de Arte Municipal 2025, una iniciativa que busca acercar el arte y la cultura a toda la comunidad platense, ofreciendo espacios de aprendizaje y expresión artística en distintos barrios y centros culturales.
La propuesta de la Escuela Taller Municipal de Arte de la Secretaría de Cultura platense contempla más de 25 rubros y temáticas para todas las edades y gustos, como dibujo, plástica, cerámica, mosaiquismo, música, teatro, danzas, barbería, manicuría, radio, fotografía, música, entre otros.
Con el fin de descentralizar las actividades y garantizar la participación de los interesados, el Municipio estableció como sedes de los talleres las delegaciones comunales de Tolosa, en 528 bis entre 2 bis y 3; Parque Sicardi, en 659 entre 12 y 13; San Carlos, en 137 y 32; y Altos de San Lorenzo, en 25 y 75.
Del mismo modo, albergarán los encuentros de la Colonia de Arte Municipal 2025 el Centro Cultural Pasaje Dardo Rocha de 50 entre 6 y 7, el Centro Cultural y de la Memoria Islas Malvinas de 19 y 51, el Centro Cultural Julio López de 64 y 137 y el Polideportivo Los Hornos de 66 entre 152 y 153.
Las clases comenzarán el lunes 6 de enero, la inscripción se realiza de manera presencial y quienes deseen participar de las propuestas que se desarrollarán en las delegaciones municipales deben anotarse de lunes a viernes entre las 9:00 y las 13:00.
Para asistir a los talleres del Pasaje Dardo Rocha y el Centro Cultural y de la Memoria Islas Malvinas, en tanto, deben hacerlo de lunes a viernes de 9:00 a 19:00; para los encuentros del Centro Cultural Julio López, los mismos días de 9:00 a 18:00; y para las iniciativas del Polideportivo Los Hornos, de lunes a viernes de 10:00 a 16:00.
Quienes necesiten obtener más información tienen disponible el correo electrónico escuelatallerlp@gmail.com, el teléfono 425-2101 y la cuenta oficial de Instagram @laplata.ciudadcultural.
(Fuente: Prensa Municipalidad de La Plata)
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