Música
Adiós a João Gilberto, uno de los padres de la bossa nova
El brasileño João Gilberto, uno de los creadores de la bossa nova, una estética que estableció, desde Brasil y para el mundo, una relación entre la música popular y la “alta cultura”, falleció este sábado a los 88 años en Río de Janeiro, informaron sus familiares.
“Murió mi padre. Su lucha fue noble, él intentó mantener la dignidad incluso con la pérdida de la independencia”, escribió su hijo João Marcelo Gilberto, que vive en los Estados Unidos. El músico dejó otros dos descendientes: Bebel y Luisa.
João Gilberto sintetizó junto a un colectivo de artistas, aquel movimiento estético que, en los ’50, decantó en el nacimiento de la bossa nova y que se alimentó de elementos del samba y también del jazz. Fue la expresión de un influjo modernista que promovieron, más que ningún otro, Antonio Carlos Jobim y Vinicius de Moraes.
Los enciclopedistas registran el nacimiento de la bossa nova con el disco “Canção do amor demais”, editado en 1958 con creaciones del dúo Tom Jobim y Vinicius de Moraes y donde aparece la canción “Chega de saudade”, consagrada como la pieza fundacional de esta estética.
Poco tiempo después João Gilberto grabó su primer disco, precisamente llamado “Chega de Saudade”, que fue un éxito en Brasil y dinamizó su carrera.
Vinicius, acaso el eslabón más renovador de aquel proceso, reconocía que aquel movimiento incipiente abandonaba el afrancesamiento y avanzaba en la estilización de las tradiciones populares; un proceso que excedía la música y comprendía a Mario de Andrade, Jorge Amado y Graciliano Ramos. 
Pero antes hubo una historia. João Gilberto Prado Pereira de Oliveira nació el 10 de junio de 1931 en Juazeiro. Aprendió a tocar de manera autodidacta.
En el año 1950, emigró a la ciudad de Río de Janeiro, donde tuvo algún éxito cantando en la banda Garotos da Lua, pero fue expulsado por rebeldía y pasó algunos años sin trabajo aunque con la la idea pertinaz de crear una nueva forma de expresión musical con la guitarra. La concreción de aquella ambición fue posible cuando conoció a Jobim.
Fue el responsable de una revolución en la forma de cantar y tocar la guitarra que cambió todo en la música brasileña. De apariencia transgresora, al principio, pero -sin embargo- precisa y conciliable con todo tipo de canciones. Lograba que la guitarra y la voz se confundieran al punto de no poder disociarse.
Con aires de leyenda se cuenta que, antes del suceso de la bossa, João Gilberto vivió seis meses en la casa de su hermana en Minas Gerais, tiempo en el que -según el relato- no se fue de su casa, habló poco y pasó las noches abrazando la guitarra en busca de ritmos y armonías que terminarían dando forma definitiva a un nuevo estilo. “Fue una influencia para toda una generación de arreglistas, guitarristas, músicos y cantantes”, definió alguna vez Jobim.
Luego vino un éxito a escala internacional y la consolidación de un estilo. Su formato preferido para salir al escenario era solo, en traje y corbata, con taburete y la guitarra. Cultivó una relación con el público sumamente exigente y respetuosa y a menudo llamaba al silencio a su audiencia para que se generaran las condiciones para que alumbrara la música.
Llevaba muchos años apartado de los focos, carcomido por las deudas y los problemas familiares. En marzo ganó un juicio por los derechos de autor de sus primeros discos por el que debían pagar 40 millones de euros.
Ya no recibía a nadie en su casa, excepto a algunos miembros de su familia y no daba daba entrevistas. Pero allí está su música y sus discos, todavía dispuestos a conmover y a incomodar a aquellos que ven en la música una fórmula sometida a repetición.
Con un concierto en el mítico Teatro Colón de Buenos Aires, que contó con la producción de Club Media y FliSer, el pasado 21 de septiembre Gustavo Santaolalla cerró la etapa latinoamericana del “Ronroco Tour”, gira mundial con la que el artista festeja el 25° aniversario de su icónico disco.
Durante más de una hora y media, acompañado por Barbarita Palacios, Javier Casalla, Nicolas Rainone y Santiago Carregal, el músico realizó un recorrido íntimo por una de sus obras más emblemáticas, puerta fundamental para su ingreso al universo del cine. Formaron parte del concierto “De Ushuaia a la Quiaca”,“Iguazú”,“Way Up”,”Gaucho”, “Jardín” y “Coyita”, entre otras canciones de Ronroco. Además, el público pudo disfrutar de versiones en vivo de las bandas sonora de “The Last Of Us” y “Secretos en la montaña”, además de temas de otros trabajos del artistas como “Desandando el camino”, “Canto en la rama” y “Sicalis”, su último single.
“Según la física cuántica el observador modifica lo que observa. Que nosotros estemos acá no tendría sentido si ustedes no estuvieran ahí, tan lindos. Y que ustedes estén ahí no tendría sentido si nosotros no estuviéramos aquí. Les propongo que nos modifiquemos, juntos. Que este concierto lo hagamos entre todos”, fueron las primeras palabras de Santaolalla al público. Más adelante, aprovechó la ocasión para agradecerle y dedicarle el concierto a Jaime Torres, músico que lo impulsó y alentó a la salida del disco “Ronroco”. 
La edición Latinoamericana del “Ronroco Tour” incluyó conciertos en distintos escenarios de Chile, Colombia y Argentina. Esta gira continuará en 2027 con conciertos en los escenarios más importantes de ciudades de Estados Unidos, México y Canadá.
Figura central de la música contemporánea, Santaolalla es uno de los artistas latinoamericanos más influyentes a nivel global. Su trayectoria abarca más de cinco décadas y ha sido distinguida con algunos de los máximos reconocimientos de la industria: dos premios Oscar a la Mejor Banda Sonora Original por “Brokeback Mountain” y “Babel”, múltiples premios Grammy y Latin Grammy, y una extensa lista de galardones que consolidan su lugar como referente indiscutido de la música internacional.
A 25 años de su creación, “Ronroco” regresa no como una pieza del pasado, sino como una obra viva. Un territorio sonoro que sigue resonando, abriendo preguntas, invitando a escuchar de otro modo. Una oportunidad excepcional para volver a ese origen y descubrir, una vez más, todo lo que aún tiene para decir.
(Fuente: Caro Maldonado – Prensa)
Después de cuatro años sin lanzar un álbum de estudio, Los Pérez García regresaron con “IKIGAI”, y para su presentación regresarán a Quilmes el próximo 17 de octubre. Será a las 20 en Club Re, y las entradas se encuentran a la venta a través de Livepass.
Este lanzamiento marca un punto de inflexión en la historia de la banda. Desde su último disco editado en mayo de 2022, el grupo atravesó un período de crecimiento, búsqueda y consolidación artística que hoy se traduce en un material profundo, diverso y con una identidad sonora más definida que nunca.
Con “IKIGAI” como protagonista, Los Pérez García continúan llevando sus canciones a distintos escenarios, combinando el material más reciente con los clásicos que forman parte de la identidad de una de las bandas más reconocidas de la escena del rock argentino.
Como primeros adelantos, la banda presentó “Un Minuto” y “Tren de Oriente”, dos canciones que funcionan como puertas de entrada a este nuevo universo musical, dejando entrever la amplitud estética del disco.
“‘IKIGAI’ es un recorrido emocional y sonoro que atraviesa distintos climas: desde el rock canción más íntimo y reflexivo, pasando por momentos de rock enérgico y directo, hasta canciones mid tempo y pasajes con influencias de rumba”, anticipa el comunicado promocional.
La producción del álbum fue trabajada junto a Juan Bruno y Pepe Céspedes, “logrando un equilibrio entre frescura y madurez, y potenciando la esencia de la banda sin perder la espontaneidad”, se destaca.
El nuevo single del disco es “Seguirán”, una canción que cuenta con la participación especial de Manuel Moretti. Su presencia suma una carga emotiva particular y dialoga de manera natural con la identidad del grupo, dando como resultado uno de los puntos más altos del álbum.
Detalles de la obra
“El concepto de ‘IKIGAI’ —término japonés que puede traducirse como “la razón de ser” o “la razón para levantarse por la mañana”— atraviesa todo el disco. Representa un propósito de vida que surge de la intersección entre lo que uno ama, aquello en lo que es bueno, lo que el mundo necesita y aquello por lo que puede ser valorado. Desde lo lírico y lo musical, el álbum invita a conectar con esa búsqueda personal, poniendo en primer plano los vínculos, el paso del tiempo, los recuerdos y el sentido de lo que hacemos“.
(Fuente: Nadya Cabrera – Prensa)
El compositor y productor Christian Basso lanza “Bonvento!”, un nuevo álbum en solitario que combina canciones junto a Kal Cahoone, Eva Faludi y Haien, con piezas instrumentales, varios de ellos con los aportes del arreglador y violista Alejandro Terán, el primer violín Javier Casalla y Fernando Samalea en la batería.
Juntos, despliegan el universo sonoro característico de Basso: una escritura que se nutre de la música de películas, del rock oscuro, del jazz —herencia directa de su padre Héctor Basso, también músico—, de la música popular, como así también de la académica. Influencias que atraviesan tanto sus canciones como sus piezas instrumentales.
El flamante disco llegará a todas las plataformas el 27 de septiembre a través del sello Punchak y se convertirá en su quinto trabajo de estudio como solista.
El compositor, bajista y multiinstrumentista cuenta con una extensa trayectoria. Es fundador de grupos como La Portuaria y Clap, músico de Charly García en Las Ligas y de Fricción junto a Coleman y Cerati. Desde 2007, es compositor de música para films (Korea, México y Argentina) y series en plataformas (Netflix, Disney+), también condujo el programa “Punchak” por Radio Nacional durante 2018 y 2019.
Su amplio recorrido se filtra en la narrativa y el universo poético y orquestal del nuevo disco. Un despliegue instrumental de lujo que incluye a Terán en dirección del cuarteto, arreglos, viola; Casalla en violín primero, viola; Julio Domínguez en violín segundo; Karmen Rencar, violoncello; Christian Terán, clarinete, trombón, saxo, trompeta, flauta; Pepo Onetto, piano y acordeón; Sonia Álvarez, arpa; Nico Rainone, contrabajo; Gonzalo Córdoba, guitarras; Fernando Samalea, batería; Pedro Bulgakov, batería; y Mariano Oliva en programaciones, percusión, grabación, mezcla y mastering.
Además de componer todos los temas, Basso tocó el bajo, la guitarra, piano, órgano, percusión y coros. La producción ejecutiva estuvo a cargo de Punchak Music. El arte de tapa y la fotografía corresponden a Juan Mathé, mientras que la producción artística es de b, Santiago Zambonini y el propio Basso.
(Fuente: Diego Perri – Prensa)
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