Música
Murió Ramón Ayala, el creador infinito de la música del litoral
Por Mariano Suárez (*)
El misionero Ramón Ayala, creador original, exuberante y plebeyo, referencia por excelencia de la música litoraleña y ejemplo de una forma de acercamiento del hecho artístico inasible para los medios de comunicación, falleció este jueves a los 96 años en la Ciudad de Buenos Aires.
Allegados al artista indicaron a la agencia de noticias Télam que Ayala murió en el Sanatorio Güemes donde se encontraba internado y en delicado estado desde hace poco más de 10 días a causa del agravamiento de un cuadro de neumonía.
Su nombre real era Ramón Gumercindo Cidade y sus oficios múltiples: compositor, intérprete, guitarrista, pintor, narrador de historias; todos ejercidos sin detenerse en la barrera de la exageración. Su acta de nacimiento está fechada el 10 de marzo de 1927, en Garupá.
Músico intuitivo y genial, se atribuye ser el creador de un ritmo, el gualambao, y es el compositor de canciones de envidiable belleza, a la vez portadoras de una voz de denuncia social: “El jangadero”, “El mensú”, “El cosechero”, “Canto al Río Uruguay”, entre tantas.
Más allá de los datos biográficos duros sobresalen al menos dos méritos: en un ambiente folclórico en el que irrumpieron en un momento Los Chalchaleros, Los Fronterizos, y tantas formaciones copiadas en espejo hasta el hartazgo, Ayala trabajó en otra línea, más cuidadosa. Así como en Salta y Tucumán se levantaron Eduardo Falú o el Dúo Salteño, en el litoral, Ayala, forjó su propia tradición.
Habrá que computarle, además, que irrumpió en una escena dominada, en el litoral, por la música correntina y allí también se las arregló para construir un camino propio.
Nació en 1927 en el pueblo de Garupá, a 15 kilómetros al sureste de Posadas, frente al río Paraná, y en la frontera con Paraguay. Fue el mayor de cinco hermanos.
En la adolescencia, tras la muerte de su padre, se trasladó a Buenos Aires, con su madre y se inició, de manera intuitiva, en el aprendizaje de la guitarra.
Acompañó al cantor cuyano Félix Dardo Palorma y, alentado por el maestro Herminio Giménez, comenzó a trabajar el repertorio litoraleño.
A lo largo de los años 50, Ayala formó parte del trío Sanchez-Monjes-Ayala (junto a Arturo Sánchez y Amadeo Monjes) con el que recorrió una amplia variedad de canciones, de las guaraníes a las más porteñas, sin descuidar los boleros.
Hacia 1960 creó el gualambao con la idea de darle un estilo propio y único a su provincia (tuvo un contrapunto público con Chango Spasiuk sobre el origen de esa especie).
El gualambao está formado por dos ritmos de polca encadenados por una permanente síncopa que le confiere una fisonomía particular. Se escribe en compás de 12/8 (doce octavos), es decir que cada compás posee 12 corcheas distribuidas entre 4 tiempos.
En 1962 viajó a Cuba, invitado por el Instituto Cubano de Amistad con los Pueblos. Allí pudo conocer al revolucionario a Ernesto “Che” Guevara, y comprobar que su canción “El mensú” había sido cantada en los fogones revolucionarios de la Sierra Maestra durante la Revolución Cubana.
“En 1963 compuse ‘El cosechero’, que fue un éxito enorme. Y ‘El jangadero’, que Mercedes Sosa cantó como nadie. Desde entonces no paré de componer”, narró el propio Ayala.
Escribió el periodista Sergio Pujol: “Digamos que “El cosechero” es la metonimia de Ayala: todo su ser está ahí, perfectamente aludido. Están su barroco cuasi tropical, su instinto pictórico, su nervio rítmico, su talento para la melodía. Están el paisaje encarnado, y el hombre vuelto paisaje. Están la libertad del que canta y la condena del que trabaja: Rumbo a la cosecha, cosechero yo seré…”
Ayala, creador de más de 300 composiciones, grabó en 1976 su primer disco solista, “La vuelta de Ramón Ayala El Mensú”.
“Posadeña linda”, “El río vuelve”, “Mi pequeño amor”, “Zambita de la oración”, son otras de sus reconocidas obras.
Hay una especie de descubrimiento con mi obra. O tal vez todos me están cargando”, bromeó Ayala, en diálogo con Télam, hace algunos años sobre la múltiple ramificación de su música, especialmente entre estudiantes y músicos jóvenes.
Fue el centro de un documental filmado por realizador y fotógrafo Marcos López, en 2013, tan caótico como el personaje que se proponía retratar. Así lo describió: “Ramón es exagerando, siempre está declamando el instante de la fragilidad de la existencia, es místico, podría ser como un Walt Whitman pero en la selva guaraní, una especie de monje y filósofo”.
Su recorrido fue emparentado, por su forma solista, su inclinación por la canción social y su proximidad con la naturaleza, con la figura de Atahualpa Yupanqui. Más allá de gustos, Ramón Ayala resiste esa comparación.
(*) Agencia de noticias Telam.
Fabiana Cantilo, la voz femenina más emblemática del rock nacional, llega formato full band al Teatro Argentino de La Plata.
La cita será el próximo viernes 6 de septiembre, a las 21, y las entradas anticipadas se encuentran a la venta por sistema Livepass (comprando tus entradas hasta el 28 de julio con tarjetas Visa y Mastercard del Banco Provincia hay un 30 % de reintegro -tope de 6000 pesos por transacción- y 6 cuotas sin interés).
La artista comenzó su carrera en los años ’80 con el grupo Las Bay Biscuits y Los Twist y luego formó parte de las bandas de Charly García y de Fito Páez. Su carrera como solista está llena de grandes éxitos como “Mi Enfermedad”, “Mary Poppins”, “Nada es para siempre”, “Una Tregua”, entre otros.
Entre su primer disco solista, “Detectives”, de 1985, producido por Charly García, y el enormemente popular “Algo mejor”, de 1991, producido por Fito Páez, Fabi Cantilo se estableció como una de las pocas estrellas femeninas del rock nacional.
En 2015 lanzó su disco número 12 titulado “Superamor”, que contó con la producción artística de Lisandro Aristimuño y la participación de Ricardo Mollo como invitado. Ese mismo año recibió su segundo Premio Konex en la disciplina Mejor solista femenina de rock.
Durante el 2016, Cantilo formó parte de “Giros, 30 años”, acompañando a Fito Páez en cada presentación. Participó en el rodaje de “Hipersomnia”, película que se estrenó en marzo de 2017 y editó “Proyecto33”, doble CD y DVD en vivo, un viaje musical donde la artista hace un recorrido por sus 33 años en la música. Además, ese año ganó el Premio Gardel a la Mejor artista femenina de rock.
En su edición de junio de 2018, fue portada de la icónica revista Rolling Stone en un merecido reconocimiento por su trayectoria y aporte a la música argentina. En 2019 editó su disco número 14 titulado “Cuna de piedra” que fue a presentar a Europa.
El año pasado realizó el “Europa Tour 2023” con sold out en diferentes países.
(Fuente: Nadya Cabrera – Prensa)
Dentro de la fusión de estilos, tradiciones, voces y culturas del proyecto de Lila Downs, Niña Pastori y Soledad Pastorutti, “Raíz. Nunca Me Fui”, resalta “Todo Cambia”.
El tema –escrito por Violeta Parra– se ha vuelto uno de los más representativos del folclore gracias particularmente a valiosas interpretaciones como la de Mercedes Sosa que sin duda resuena en la versión de “Raíz” que aparece ahora con un video que incluye un detrás de cámaras.
“Raíz”, honra la trayectoria musical de Mercedes Sosa, la voz de la nueva canción latinoamericana y de quién podemos disfrutar un legado musical lleno de ritmos como el tango, el rock y el pop.
“Mercedes fue una mujer que expresó no considerarse pobre al contar con el cariño de sus padres y su familia, la raíz que siempre nos mantiene unidos a nuestra tierra. Su voz sigue resonando en la memoria colectiva y en los corazones de quienes aman su música y siguen disfrutando del folclore”, expresaron las artistas.
De la mano de La Kermesse de Los Decoradores -banda conformada por los históricos integrantes de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota “Semilla” Bucciarelli, Sergio Dawi, Tito Fargo y Hernán Aramberri-, el viernes 26 de julio a las 20, se encenderá la mística en GAP, de avenida Constitución 5780 de Mar del Plata.
Luego del éxito con presentaciones en diferentes ciudades de Argentina y de Uruguay, incluyendo el Estadio Obras (CABA) con entradas agotadas y Cosquín Rock entre otros; Los Decoradores están listos para ofrecer una experiencia musical que no solo marca el reencuentro en los escenarios de estos músicos emblemáticos, sino que también actualiza la mística y el espíritu de una de las bandas más importantes de la historia de rock nacional.
La Kermesse es un verdadero ritual que celebra y mantiene viva la inextinguible llama que ya abrazó a varias generaciones.
Historia de Los Decoradores
La banda surgió en 2016 con la fusión de dos proyectos distintos con una historia en común: SemiDawi -conformado por el bajista “Semilla” Buciarelli y el saxofonista Sergio Dawi– y The Comando Pickless -la banda liderada por el baterista Walter Sidoti-. A ellos se sumó también el guitarrista Tito Fargo, tejiendo así un vínculo indisoluble con el legado de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota.
En 2018, bautizados inicialmente como Kermesse Redonda, comenzaron a recorrer los escenarios nacionales, reviviendo los himnos de la legendaria banda platense y evocando el espíritu de Patricio Rey.
Ese año también marcó el ingreso del baterista y productor Hernán Aramberri, quien fue parte de Patricio Rey en sus últimos discos y luego de Indio Solari y los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, y que reemplazó a Sidoti tras su partida por proyectos personales.
Con el correr de los shows, la banda pasó a llamarse definitivamente La Kermesse de Los Decoradores. Hasta hoy realizaron cerca de 100 shows en diferentes ciudades de Argentina y de Uruguay, incluyendo el Estadio Obras con entradas agotadas, además de su participación en festivales como Cosquín Rock.
La formación se enriqueció no solo con sus miembros fundacionales sino también con la colaboración de otros músicos con pasado redondo como Lito Vitale, El Soldado, los saxofonistas Willy Crook y Gonzo Palacios, el baterista Juan “Piojo” Ábalos y el guitarrista Gabriel “Conejo” Jolivet. Además, se sumaron otros artistas de diversos géneros como Mavi Díaz (Viuda e Hijas de Roque Enroll), Lula Bertoldi (Eruca Sativa), Walter Meza (Horcas), Alejandro Kurz (El Bordo), Julieta Laso y Chino Laborde (Orquesta Típica Fernández Fierro), entre otros, creando un puente musical entre generaciones.
Actualmente la formación incluye como miembros estables a Sergio Dawi (saxo), Tito Fargo (guitarra), “Semilla” Bucciarelli (bajo), Hernán Aramberri (batería), Jorge Cabrera (voz), Oscar Kamienomosky (2da. guitarra) y Mariano Pirato (teclado y voz).
(Fuente: Nadya Cabrera – Prensa)
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