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Música

The Who y los Guns N’ Roses abren la seguidilla de recitales en La Plata

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La mítica banda The Who, que junto a The Beatles y The Rolling Stones encabezó en la década del ’60 la llamada “Invasión Británica”, saldará este domingo una vieja deuda con sus fans argentinos al presentarse por primera vez en su larga historia en el Estadio Único de La Plata, en un show que compartirá con los estadounidenses Guns N’ Roses, que buscará renovar su idilio con el público local.

Los creadores de himnos como “My generation” y “I can’t explain” actuarán en suelo argentino luego de un fallido anuncio hace diez años, cuando cancelaron una visita prevista en el Estadio de River Plate y dejó a sus seguidores con la ilusión de poder verlos en vivo.

Por su parte, la banda comandada por el cantante Axl Rose y el guitarrista Slash regresará a la Argentina a casi un año de última visita, la cual se produjo en el marco de la gira “Not in this lifetime”, que volvió a reunir a sus miembros principales luego de una separación de más de 20 años.

Icónicos grupos en distintos momentos de la historia del rock, mientras The Who aparecía como uno los pocos números destacados que nunca había pasado por el país, Guns N’ Roses había debutado en suelo argentino en 1992, en un recordado show rodeado de controversias, repitió a los pocos meses, en 1993, y regresó varias veces aunque sólo con Axl Rose en su formación, hasta el mencionado retorno del año pasado.

The Who se presentará con sus dos miembros originales, el legendario guitarrista Pete Townshend y el cantante Roger Daltrey, quienes estarán acompañados por el destacado bajista Pino Palladino y el baterista Zak Starkey, hijo nada menos que del ex beatle Ringo Starr, en lugar de los originales John Entwistle y Keith Moon, fallecidos en 2002 y 1978, respectivamente.

Guns N’ Roses

Por su parte, los Guns tendrá en sus filas a los históricos Axl Rose, Slash, y el bajista Duff McKagan, y completarán la formación el tecladista Dizzy Reed, la también tecladista y corista Melissa Reese; el baterista Frank Ferrer; y el guitarrista Richard Fortus.

Las puertas del estadio estarán abiertas este domingo desde las 15, a las 17.15 actuará Tyler Bryant & The Shakedown, a las 18.30 hará lo propio el local grupo La Beriso, a las 20 será el turno del debut en la Argentina de The Who y a las 22 irrumpirá en el escenario la banda californiana.

Lo cierto es que, más allá del leal público y la estirpe de ser una de las últimas grandes bandas clásicas de rock con la que cuentan los Guns en nuestro país, la presencia de The Who significará para los amantes del rock un hecho histórico, comparable a las visitas de The Rolling Stones, por el hecho de ser sobrevivientes del gran estallido del género a nivel mundial.

Formada en 1962, el cuarteto originario de Londres, se posicionó como el tercer grupo británico “en discordia”, en medio del reinado total de The Beatles y la sombra de The Rolling Stones, cuando en 1965, con la edición del himno “My generation”, se convirtió en la banda de sonido de la cultura mod, esa tribu urbana de clase obrera, que gustaba de los trajes confeccionados, el jazz moderno y la ajetreada vida nocturna.

“Espero morir antes de envejecer”, fue la célebre frase inmortalizada en esa canción que definió durante años al espíritu del rock and roll y que encontró algunos ejemplos claros en Jimi Hendrix, Brian Jones, Jim Morrison, Janis Joplin o el propio Keith Moon, y varios refutadores fácticos en Mick Jagger, Keith Richards o los mismos Pete Townshend y Roger Daltrey.

La comunión final entre la banda y la cultura mod se produjo con la publicación del disco y la película “Quadrophenia”, que detallaba el estilo de vida de estos jóvenes cuyo símbolo eran las motos scutters en las que se movilizaban y la gran cantidad de espejos retrovisores que utilizaban, en señal de burla por la ordenanza que los obligó a poner este dispositivo en sus vehículos.

The Who

Pero antes de este hito, la banda ya había publicado otros discos memorables como “The Who Sell Out”, en 1967, considerado uno de los primeros trabajos conceptuales por la unión de sus temas con breves anuncios comerciales; y la pionera ópera rock “Tommy”, en 1969.

Con estos trabajos, The Who estableció un particular estilo, que podría ser considerado el germen de la música punk, caracterizado por la desmesura sonora, producto de la combinación del estilo particular de sus cuatro integrantes.

Mientras Townshend se convirtió en un singular héroe de la guitarra por su uso de los power chords que sirven como base de las canciones, en detrimento de pirotécnicos solos; Keith Moon aportó un explosivo toque de batería, con ritmos en contratiempos al estilo bebop y un despliegue casi como solista; en tanto que Entwistle puso a su expresivo bajo como el soporte melódico.

Este combo se potenció con el alocado comportamiento en escena de sus miembros, que incluyó el característico movimiento en forma de molino del brazo derecho de Townshend, la postura hiperkinética de Moon, que sirvió de inspiración para la creación del personaje del baterista de los Muppets, y el revoleo del micrófono del cantante Daltrey.

Pero además, The Who se caracterizó por el comportamiento autodestructivo fuera del escenario, un ítem en donde descollaba Moon con sus historias de televisores arrojados por las ventanas de los hoteles, el lanzamiento de un auto cadillac a una piscina y la memorable actuación en televisión en donde cargó con pólvora los tambores de su batería y provocó una explosión que causó una sordera parcial en Townshend.

Tras la edición de “Who are you”, en 1978, los excesos se cobraron la vida de Keith Moon, una bisagra en la historia de la banda que, desde entonces, apenas publicó unos pocos discos con música original.

La dinámica de los shows en vivo, aunque nunca fue abandonada, tuvo un fuerte impulso en la década del ’90 cuando se sumó Zak Starkey, no sólo hijo de un amigo personal de Moon, sino un discípulo del fallecido baterista de The Who.

Si se tiene en cuenta la desmesura sonora y personal que simbolizan los británicos y las actitudes asumidas por Guns N’ Roses a fines de los ’80 y gran parte de los ’90, la fecha del próximo domingo en La Plata podría tratarse del encuentro de dos generaciones con similares comportamientos, que eligieron envejecer rockeando.

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“Las letras ya no importan”, el nuevo disco de Residente

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El rapero puertorriqueño Residente (René Pérez Joglar) difundió en plataformas digitales su nuevo álbum “Las letras ya no importan”, que incluye veinte canciones que ha compuesto en los últimos siete años.

El álbum está repleto de colaboraciones musicales: entre ellas, con los raperos Busta Rhymes, Big Daddy Kane y Vico C (pionero puertorriqueño del reguetón) y los cantantes Rauw Alejandro y Christian Nodal. Se sumerge en el rock, el hip-hop de la vieja escuela, el flamenco, el son cubano, la música palestina, el electro y -en tono de burla- el pop.

En la semana había lanzado el tema “313”, con la participación de la actriz española Penélope Cruz y la voz flamenca de Silvia Pérez Cruz.

El álbum también incluye una canción crítica hacia el gobierno cubano, “En talla”, registrada junto al rapero Aldo Roberto Rodríguez Baquero, más conocido como “Aldo El Aldeano“. La letra, además de los cuestionamientos políticos, reivindica la relación entre Cuba y Puerto Rico.

“Las letras ya no importan” es el segundo álbum solista de Residente, tras su disco debut en 2017. Desde entonces evolucionó desde el rap hacia los géneros globales.

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Mundo

Diez años de la muerte de Paco de Lucía: la guitarra que cambió al mundo

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Por Mariano Suárez (*)

Diez años pasaron de la muerte de Paco de Lucía: no hay disidencias -las hubo- sobre su influencia transformadora en la guitarra, el flamenco y la música toda; en cambio, no parece haber manera de establecer con más sustantivos que adjetivos el alcance de esa transformación, tal vez porque no ha terminado.

Los estudios y ensayos biográficos sobre Paco de Lucía son todavía pocos en relación con la fuerza de obra (se acaban de publicar dos libros en España, ninguno disponible en Argentina) y ha sido un hombre austero en declaraciones y apuntes de vida; por lo que, en principio, luce sencillo reducir su vida, bajo la modalidad periodística, a una secuencia de episodios más o menos representativos. Pero su música es más inasible.

“El flamenco antes de Paco era un señor gordo con sombrerito en una silla de madera y con una copa de vino”, afirma Manuel Escacena, uno de sus recientes biógrafos.

La sentencia y la imagen, tentadoras, simpáticas, son por lo menos incompletas. Cuando no falsas.

El guitarrista que murió en Playa del Carmen, México, el 25 de febrero de 2014, expandió el flamenco, lo universalizó, desarrolló una conexión con el jazz, enseñó al mundo una manera de tocar la guitarra que nadie había descripto en ningún manual, pero a la vez aprendió de la legendaria oralidad de la música flamenca, que atrapó desde niño.

Si bien en la década del ’70 y ’80 su irrupción lo ubicaba -¿acaso podía ser visto de otra manera?- como un desplazamiento de las raíces puras de esa tradición-; su guitarra fue durante un tiempo hija de esa escuela con diferentes maestros, algunos bastante evidentes (Niño Ricardo, Sabicas).

Otra narrativa errónea lo ubica como un guitarrista liberado a la improvisación que, es cierto, cuando comenzó era una extrañeza en el flamenco. Al contrario: Paco de Lucía es la expresión de la mirada cartesiana, la concepción científica de la música. La intuición la llevaba sola desde niño.

Aprendió a tocar en su casa de Algeciras, en Cádiz, gracias a su padre. La guitarra no era un entretenimiento. Su padre Antonio, también guitarrista aficionado, descubrió temprano el talento de su hijo y desde el primer día tuvo un plan para hacer él el mejor guitarrista que haya pisado la tierra. Como Leopold Mozart, con sus hijos Wolfgang y María Anna.

Paco nació el 21 de diciembre de 1947 en el popular barrio de La Fuensanta. Fue el menor de los cinco hijos de Lucía Gomes Gonçalves, “La Portuguesa“, y de Antonio Sánchez Pecino.

La universalización de su música responde a un hecho claro. El suceso de la rumba “Entre dos aguas”, incluida en el álbum “Fuente y Caudal”, su cuarto disco solista, en 1973.

Su interpretación, con un compás acentuado, era poco convencional. Es resultado de una improvisación sobre el tema “Rumba improvisada”, un tema de un disco que había publicado dos años antes. “Me siento libre con las rumbas, no tienen tradición y puedes hacer lo que quieras con ellas”, dijo.

Su éxito como guitarrista alteró la forma de interacción en el cante flamenco: los “inmovilistas” consideraban al instrumentista un mero acompañante del cantaor (la expresión usual para acotar su función era la de “banderillero”. No aparecían en los créditos y muchas veces tampoco cobraban. Aquello cambió para siempre.

Si el flamenco es el canto a la desesperación, al desconsuelo al dolor irredento, nadie lo expresó como José Monge Cruz, conocido como “Camarón“.

Grabaron juntos nueve discos entre 1967 y 1977 (antes cantaba en sus discos el hermano de Paco, Ramón de Algeciras) y tres más en los que también se incorporó el guitarrista Tomatito. Hubo una discusión sobre una disputa de derechos de autor, pero que no alcanzó a alterar aquella hermandad.

En 1975, Paco actuó en el Teatro Real de Madrid e inició una tanda de conciertos junto a Carlos Santana y a Al Di Meola, en 1977. En 1980 participó también en los conciertos ofrecidos por John McLaughlin y Chick Corea. La riqueza del flamenco era un manantial para aquellos que exploraban sobre las raíces negras de la música estadounidense.

“Siroco” (1987) fue, tal vez su último hito. El aquel tiempo coleccionaba elogios indiscriminados: fue considerado un álbum perfecto.

Tuvo un matrimonio de 20 años con Casilda Varela. En México, su refugio en el mundo de los últimos años, y conoció a Gabriela Canseco, una restauradora mexicana, con quien se casó. Con Casilda tuvo tres hijos y con Gabriela dos.

Paco falleció de un infarto de miocardio en Playa de Carmen. Se público un disco póstumo, “Canción andaluza”.

Una vez el poeta Félix Grande dijo que de la música de Paco de Lucía que tenía una soledad tumultuosa, una bravura radical, una impetuosa pena y una serenidad dramática.

Siguen faltando sustantivos. Cambió al mundo, pero todavía no sabemos contarlo bien.

(*) Agencia de noticias Telam.

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Música

“El momento es ahora”, el nuevo EP de Sonido Primario

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“El momento es ahora” es el nuevo material discográfico de la banda porteña Sonido Primario, enmarcado en un doble lanzamiento que incluye este primer EP aparecido el 16 de febrero pasado y un segundo EP llamado “Lados B” que estará disponible próximamente.

“El momento es ahora” incluye cuatro tracks que abordan principalmente el rock como lo concibe Sonido Primario: “Una conjunción de melodías, de canciones que se pegan al oído junto con el poder del rock and roll. Guitarras al frente, estribillos pegadizos, armonías vocales, distorsión y pasión, todo esto siempre al servicio de la canción”.

Ficha técnica

  • Producido por Andrés Muras.
  • Ingeniero de sonido mezcla y master: Facundo Campi.
  • “El momento es ahora” estuvo grabado, mezclado y masterizado entre abril y mayo de 2022 en estudios Kimono.
  • Canciones: 1)  Creer – 2) Nadie te va a esperar – 3) Bienvenidos a Buenos Aires – 4) Superstar.

La banda

  • Jorge Repp (voz).
  • Andrés Muras (guitarra y voz).
  • Mauro Elías (bajo).
  • Wilfredo Suárez (batería).

Sonido Primario es una banda de rock proveniente de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Formada en 2020, sus integrantes han pasado por diversas bandas en el pasado, confluyendo todos sus caminos en esta agrupación que engloba pasión por la música y amistad.

Preocupados en encontrar un sonido pulcro, preciso, pero sin dejar de lado las raíces rockeras de todos sus integrantes, la búsqueda de la melodía, la armonía, conjuntamente con lograr plasmar la pasión y la energía del rock más primario, son el objetivo del grupo.

El estilo de la banda está influenciado por las melodías del brit rock y la fuerza y vigor del hard rock. Entre las influencias más fuertes de Sonido Primario están el brit rock de Oasis, y reminiscencias de hard rock al estilo Foo Fighters, todo esto junto con coletazos del punk de Arctic Monkeys.

Escuchá “El momento es ahora”:

(Fuente: Lucas Seoane – Prensa)

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Propietaria/Directora: Andrea Viveca Sanz
Domicilio Legal: 135 nº 1472 Dto 2, La Plata, Provincia de Buenos Aires
Registro DNDA Nº 2022-106152549
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