Por Andrea Viveca Sanz (@andreaviveca) /
Edición: Walter Omar Buffarini //

Hay un regreso, una vuelta hacia atrás, pasos en el mundo de la infancia. Memorias, adentro y afuera, conectadas por una palabra insonora, encuentran el lenguaje más allá del lenguaje. Y una ventana que se abre, como si nunca hubiera estado cerrada: los ojos escuchan el sonido de las manos.

Decile que soy francesa es una obra que habla del mundo de los sordos, de aquello que los ojos son capaces de escuchar, de otros lenguajes como vías de comunicación con el mundo de afuera.

Escrita y actuada por Gabriela Bianco y codirigida por Daniel Cinelli, la obra cuenta una historia de vida surgida de las vivencias de la actriz.

En diálogo con ContArte Cultura, la autora cuenta la experiencia de narrar y actuar su propia vida.

—Comencemos esta charla poniendo la mirada en las “ventanas de nuestros cuerpos”: los órganos de los sentidos. Por distintos motivos puede ocurrir que una de esas ventanas se encuentre cerrada. Y si esto sucediera, seguramente se interrumpiría una de las vías de comunicación con el mundo de afuera. Pero el cuerpo siempre encuentra nuevas maneras de percibir ese afuera, otros lenguajes para comunicarse. A modo de presentación y a partir de tus propias vivencias, ¿cómo se logra atravesar las “ventanas cerradas”?

—En verdad no hubo ventanas cerradas para mí. Probablemente esas ventanas del oír que mis padres no abrieron nunca se transformaron en doble mundo para mí, porque en casa los ventanales estaban en los ojos: oír por todos y ver para hablar y crear imágenes a partir del movimiento. Me gusta trabajar con el concepto de ideograma físico cuando pienso en la poética de la lengua de señas, esa lengua herencia que ha nutrido mi vida y mi trabajo en la escena.

—Justamente a partir de esas experiencias, de lo que viviste, fuiste haciendo distintos recorridos con el lenguaje, ¿de qué manera surge tu vínculo con el teatro?

—Ya a los 16 años me acerqué a un taller que había en el Centro Cultural San Martín. Luego a otro y a otro. Creo que se trababa más bien de encontrar un canal para transformar mi propia realidad. El teatro como rito, como tiempo fuera del tiempo, un cierto espíritu religioso que me acompaña desde toda la vida me instaló ahí, para siempre. Si bien no fue lo único que hice, el teatro se convirtió en la mejor ventana del mundo, siguiendo tu metáfora, para comprender, crear, transformar los aspectos más difíciles, tanto personales como colectivos.

—¿Qué aportes de la antropología teatral te ayudan a construir las escenas de tus obras?

—La antropología teatral me ayudó a confiar en que la lengua de señas contiene potencialmente un lenguaje artístico singular, una forma no cotidiana que se acerca a la energía de la acción escénica. La aplicación de sus principios, el contacto a través de mi participación en la ISTA (Internacional School of Theatrical Antropologhy) en el año 2000 con formas de teatro codificadas tanto de Oriente como de Occidente, terminaron de dar impulso y forma a la experimentación teatral. Ya en 1999 realicé un espectáculo sobre Isadora Duncan totalmente codificado, y en un lenguaje cercano al teatro danza. 

—Hablemos de “Decile que soy francesa”, una obra que codirigís con el actor y productor Daniel Cinelli, ¿cómo y cuándo surge el germen de este proyecto?

—Hace años que le doy vuelta a la posibilidad de realizar un espectáculo inspirado en las vivencias de las y los hijos de personas sordas. Estuve un buen tiempo para concretar un primer texto. No me cerraba, un poco por descreer que pudiera ser una historia interesante para el público en general y otro poco por pudor. Trabajar elementos biográficos en un giro de ficción no es sencillo (aunque ahora se haya puesto un poco de moda todo esto de las biopic, el biodrama, el teatro documental). Quería construir una historia inspirada en experiencias personales que prescindiera de mí. Es decir, sí trabajar sobre mi propio mito para construir una ficción. La asistencia a un taller de dramaturgia ayudó mucho. Marco Antonio de la Parra, en el contexto del CELCIT, me dio confianza en que la historia y el texto valían la pena. Me dio el “toque Zen” de comprensión en el sentido profundo de esta creación. Y también supe que tenía que ponerle el cuerpo a ese personaje, así que pedí a Daniel, con quién nos conocemos hace más de 30 años, una codirección y busqué armar un grupo de trabajo que conoce bastante bien de qué va toda historia de ser CODA (por sus siglas en inglés, Child of deaf parents). Finalmente, ocurre que la historia desborda lo anecdótico para volverse una reflexión práctica sobre infancias singulares, arrojadas precozmente a la vida adulta. Todo con mucho humor y las dos lenguas que me albergan.

—Y ya instalados en el universo de esa historia, si pudieras elegir un rincón o algún objeto de la escenografía que represente el espíritu de la obra, contanos cuál sería y por qué.

—Gastón Joubert creó un espacio hermoso para esta obra. Cada uno de los objetos, casi todas miniaturas, hacen parte. Pero si tuviera que elegir un rincón, sin dudas es el centro desde donde la presencia de un tocadiscos mueve el recuerdo y hace girar el tiempo de esta historia.

—Vayamos a las protagonistas: Ella niña y adulta. ¿Cómo trabajaron para lograr entrelazar esos dos personajes en los que hay una fusión de lenguajes?

—El texto está escrito en una sola voz. En el trabajo de ensayos fuimos viendo que esa voz, el lenguaje del texto, tenía dos presencias claras: la de aquella niña que transita sus vivencias sin ningún juicio de valor y la de la adulta que recuerda y se detiene en algunas circunstancias de su sentir ahora, muchos años después. Finalmente, queríamos que la obra tuviera una versión que fuera accesible también a las personas sordas, en mi “lengua herencia”, la lengua de señas, así que primero pensamos en eso, en tener el unipersonal y la versión accesible con la incorporación de Daniela Fortunato Lynch como actriz señante. Entonces, en esta nueva dramaturgia que llamo de Escena Visual Accesible, surgió una nueva puesta en escena. Nos pareció que esa era realmente la naturaleza escénica que pide este texto. Nos dimos cuenta de que esta historia en el cuerpo de dos actrices potencia la escena, crea una poética singular que contempla la accesibilidad en sí misma.

—¿Qué es lo que más te gustaría destacar del vestuario de tus protagonistas?

—El vestuario destaca la diferencia entre la adulta y la niña y a la vez sitúa a la adulta en el espacio del recuerdo; cierta atemporalidad la sitúa en el lenguaje específicamente de la ficción teatral.

—¿De qué manera colaboran la música y la iluminación en el desarrollo dramático de la historia?

—El diseño sonoro está al servicio de las distintas anécdotas. Hay una voz en off que marca cierta presencia de aspectos de “lo auditivo”, a cargo de Patricio Barton, y una canción central que compuso Ale Dolina (h). El diseño de luces, a cargo de Verónica Alcoba, viaja entre presente y pasado y sitúa cada escena en un tono emocional distinto, tanto en los momentos de mayor humor como en las instancias más dramáticas del relato.

—¿Cuándo y dónde se podrá disfrutar de “Decile que soy francesa”?

—A partir del 2 de junio, los viernes a las 20 en la sala Galpón de Area 623, de Pasco 623 de CABA.

—Para terminar, ¿podrías elegir una palabra que sintetice la emoción predominante en el escenario?

—Ternura, humor, amor…no me alcanza una sola.

El sábado estrenó la obra “DesHechas de Amor” en el renovado Teatro Carlos Carella con la sala totalmente llena. En la función se vivió un especial clima festivo, debido a que el espectáculo fe el puntapié de la temporada en la sala que reabrió hace algunos días.

La obra, protagonizada por Judith Gabbani, Cecilia Tognola, Jessica Shultz, Ana Padilla y Mónica Salvador, se presenta todos los sábados a las 20 en el espacio de calle Bartolome Mitre al 970 de CABA, y las entradas se pueden comprar en la boletería o a través de Plateanet.

Sinopsis

Cinco mujeres esperan la partida de un tren en una estación del interior de la Provincia de Buenos Aires. Las complicidades y los silencios de estas amigas comienzan a resquebrajarse ante la espera y esta espera las pone frente a sus soledades, sus miedos, sus complejos, sus relatos sellados y sus secretos prometidos. Un encuentro que modificará sus visiones y por sobre todo sus verdades…. Ninguna de ellas volverá a ser la misma… Una comedia para divertirse y reflexionar.

Fecha técnico/artística

Elenco: Judith Gabbani – Jessica Schultz – Mónica Salvador
Ana Padilla – Cecilia Tognola

Libro original: Walter Ghedin

Versión teatral: Gastón Marioni

Vestuario: Pablo Battaglia

Fotografía: Russarabian

Prensa: Kevin Melgar (0KM Prensa)

Producción ejecutiva: Laura Quevedo

Asistencia de vestuario: Marita Sarco

Asistencia: Carlos Fernández

Dirección: Gastón Marioni

Producción: Gustavo Ferrari – Roma Produce

Generada totalmente en un formato autogestivo que apuesta al trabajo colaborativo y creativo, “Fermín” es una obra inédita dirigida por Fredo Solari, arreglos corales de Daniel Landea y coreografías de Verónica Pacenza, que estrenará su segunda temporada en el Teatro El Cubo.

“El producto final busca generar un musical nacional de calidad que ponga en escena el talento y permita reflexionar sobre temas que acercan a los espectadores a situaciones de la vida planteando nuevos puntos de vista”, afirman desde .

El estreno será el viernes 19 de mayo a las 21 en la sala de Zelaya 3053, CABA, con entradas a la venta por Plateanet o en la boletería del teatro.

Sinopsis

“Fermín descubre un secreto trascendental sobre su historia y en un esfuerzo por reencontrarse comienza a escribir su historia, hasta que un evento casual lo lleva a replantearse, aún más, su visión de la vida y el amor.
“Fermín” es un musical que nos enfrenta a nosotros mismos y a nuestro vínculo con amar. Si el amor plantea preguntas, ¿somos capaces de contestarlas?“.

Ficha técnica/artística

• Elenco

Cristian Zeballos
Marianela Baratucci
Lourdes Lezcano
Fernanda Bula
Luciana Castronuovo
Fernando Palladino
Juliana Diaz
Federico de Elias Bevacqua
Luis Machuca
Albano Jofre

• Banda

Mauro Comisso
Lucas Straziscar
Ariel Goitía
Florencia Bacigaluppo
Nahuel Loiza
Fiorella Mutti
Matilde Sajtroch

• Texto Original: Bruno Vixen
• Música Original: Albano Jofre
• Dirección General: Fredo Solari
• Arreglos y dirección coral: Daniel Landea
• Dirección Musical: Mauro Comisso
• Coreografías: Verónica Pacenza
• Producción Ejecutiva: Norma Valenzuela
• Producción General: Pura Acción Producciones
• Realización de escenografía: Ana Latini y Maria Martinez
• Diseño de iluminación: Maximiliano Rubio
• Vestuario: Lourdes Lezcano
• Diseño de Iluminación: Fredo Solari
• Asistencia de Dirección: Olivia Casado
• Prensa: Kevin Melgar (0KM Prensa)