Conéctate con nosotros

Además

Julia Rouaux: “Busco movilizar al espectador y hacerlo consciente de lo vulnerable de nuestra biodiversidad”

Publicado

el

Por Andrea Viveca Sanz
@andreaviveca //

La ciencia y el arte convergen y se funden en un punto imaginario. Los límites de una y otro se desdibujan para dar lugar al dibujo, que la bióloga Julia Rouaux  logra atrapar entre líneas, entregadas a la construcción de una imagen.

La anatomía encerrada en los bordes de la creatividad, las formas que se expanden en trazos seguros y precisos, acompañadas por los colores que las pincelan, pueden apreciarse en cada una de sus obras.

Hay una diversidad compartida en ese espacio común en el que el arte logra captar la morfología, la perfecta geometría, de cada una de las especies que habitan este planeta para eternizarlas.

En diálogo con ConArte Cultura, la doctora en biología e ilustradora cuenta sus vivencias en esos dos mundos que ha logrado fusionar para perpetuar en imágenes vivientes la belleza que nos rodea.

—¿En qué momento de tu carrera sentiste que la ciencia y el arte podían fundirse?
—Desde siempre me gustó dibujar y cuando terminé el secundario me encontré en la encrucijada de estudiar Biología o Bellas Artes. Finalmente me decidí por la Licenciatura en Biología, orientación zoología, en la Facultad de Ciencias Naturales y Museo  de la Universidad Nacional de La Plata, pero siempre quedó pendiente la parte del dibujo. En el primer año de la carrera vi por primera vez, en la fotocopiadora del Museo de La Plata, el cartelito del curso de “Introducción a la Ilustración Científica”, que en ese momento se dictaba en el Centro de Estudios Parasitológicos y de Vectores (CEPAVE), y supe que en algún momento lo iba a hacer. Hasta ese momento ni siquiera sabía que existía la disciplina, aunque siempre había atesorado las láminas de las ecorregiones de Argentina con ilustraciones de Aldo Chiappe y todo libro que tuviera dibujos de fauna. 

—Contanos en qué consiste la ilustración científica.
—Es una disciplina artístico-científica que acompaña constantemente al científico en su etapa de formación, de investigación y de divulgación y publicación de sus conocimientos. Permite sistematizar y representar gráficamente la información científica que se desea transmitir, para que sea interpretada por investigadores o el público en general. Es un elemento que complementa y completa la información escrita.

—¿De qué manera llevás adelante el proceso creativo de cada obra? ¿Cuáles son los pasos que no pueden faltar en el diseño de tus ilustraciones?
—El paso más importante siempre es la documentación y la investigación. Para todas las ilustraciones científicas trabajo en conjunto con el científico-investigador. El primer paso siempre es establecer qué es lo que se quiere mostrar y cómo. Luego trabajo con el material de estudio y con toda la información disponible, ya sean explicaciones verbales, publicaciones científicas, iconografía previa o fotografías, para la realización de un boceto que reúna toda la información que se desea transmitir. Este es corregido y aprobado por el investigador las veces que sea necesario, hasta que resulte en un estudio o esquema legible, preciso y detallado. Finalmente realizo lo que será el trabajo definitivo, siguiendo los códigos y las técnicas adecuados para cada grupo, que será el que finalmente saldrá publicado. Para las ilustraciones un poco más naturalistas, como las realizadas para la guía de felinos, trabajo principalmente a partir de fotografías, videos y material de colección de diferentes museos. De igual modo, para todos los proyectos trato siempre de contar con el asesoramiento de un especialista del tema.

—¿Con qué materiales trabajás habitualmente y qué técnicas utilizás para tus obras?
—Normalmente trabajo con lápiz de grafito para la etapa de boceto y para algunos trabajos finales. Para los trabajos a color suelo usar técnicas mixtas, con lápices de colores, acrílicos y técnicas digitales.

—¿Cómo lográs captar la esencia de cada especie para plasmar sobre el papel o la tela sus rasgos más destacados y darles vida a través de tus manos?
—Cuando comienzo cualquier trabajo, mi mirada siempre es como bióloga. Trato de ser metódica y rigurosa al momento de estudiar, documentarme y reunir toda la información sobre la especie que quiero ilustrar, para poder llegar a un arquetipo que resuma todas las características que la definen. En el caso de las ilustraciones científicas, la mirada “artista” nunca participa, a excepción del uso de las diferentes técnicas. En el caso de los trabajos un poco más libres, como los de mi nuevo proyecto, busco también movilizar al espectador, generar empatía, hacerlo partícipe y consciente de la situación vulnerable de nuestra biodiversidad.

—Por estos días tus ilustraciones forman parte de una exposición en Cracovia, ¿cómo viviste esa experiencia en la que lograste mostrar con tu arte las especies que están en peligro de extinción en Sudamérica?
—Primero, decir que fue muy emocionante recibir la invitación desde el Jardín Botánico de Cracovia. Como bióloga, siempre sentí la necesidad y la responsabilidad de mostrar la belleza y la fragilidad del mundo que nos rodea. Hoy, como ilustradora científica y artista, creo que encontré la vía para hacerlo. Las obras son las primeras de un proyecto personal al que llamé Tramas infinitas, cuya idea principal surgió hace poco más de un año: dar visibilidad a las especies amenazadas de Sudamérica y a la biodiversidad en general, intentando reconstruir los lazos con el espectador, destruidos por el avance del ser humano sobre la naturaleza. Los retratos digitales, elaborados mediante una sucesión de líneas a intervalos irregulares, representan de manera simbólica la trama subyacente e invisible que conecta a todos los seres vivos. Mucha gente se asombró de lo “raro” de algunas de las especies y se enamoró de otras. Fue sumamente gratificante, y también un orgullo, el poder mostrar al mundo un poquito de lo nuestro. A pesar de las grandes diferencias culturales y de idioma, la comunicación fue posible gracias a la universalidad de la imagen como vía de transmisión de conocimientos.

—¿Flora o fauna, qué te gusta más para ilustrar?
—¡Fauna! Principalmente insectos, por mi formación como entomóloga, y mamíferos, por la textura y sus rasgos en general.

—¿Qué talleres o cursos estás dando actualmente y para qué público están dirigidos?
—Normalmente dicto, junto a la profesora Anahí Tiscornia, el curso de Posgrado de “Introducción a la Ilustración Científica”, en distintas universidades del país. Está dirigido principalmente a estudiantes y graduados de Ciencias Biológicas y Bellas Artes. Este año lo dimos en Puerto Madryn (Chubut) y en noviembre lo daremos en Uruguay, en el Centro Universitario Regional del Este perteneciente a la Universidad de la República. Ese mes también dictaremos un mini curso en el marco de las XXXII Jornadas Argentinas de Mastozoología. Al mismo tiempo, formo parte del plantel docente de la Academia de Illustraciencia, en España, donde dicto cursos online de Ilustración Científica. En este momento está finalizando la primera edición de Ilustra Entomología y en octubre comenzaremos la segunda.

—¿Con qué sueña Julia Rouaux como ilustradora científica?
—¡Tantas cosas! Sueño con poder continuar mi camino de ilustradora, participando en nuevos proyectos que presenten desafíos en cuanto a técnicas e investigación. Sueño con seguir creciendo como docente en la disciplina, porque me obliga a perfeccionarme constantemente y el intercambio con los alumnos es sumamente enriquecedor. Sueño que, con el tiempo, Tramas infinitas pueda ir creciendo, sumar proyectos de conservación y convertirse en una muestra itinerante que eduque, movilice y genere conciencia.


Conocé más de
Julia Rouaux


Sigue leyendo
Haga clic para comentar

Debes iniciar sesión para publicar un comentario. Acceso

Deja una respuesta

Además

Marvel incluye en sus comics un Capitán América de la comunidad LGBTQ+

Publicado

el

La editorial de cómics de superhéroes Marvel anunció que este próximo de 2 de junio se publicará la primera serie del Capitán América protagonizada por Aaron Fischer, uno de los últimos personajes incluidos en ese universo que pertenece a la comunidad LGBTQ+ y lucha contra la opresión de ese colectivo.

Se trata de “Los Estados Unidos del Capitán América”, en la que el histórico Steve Rogers, el primer Capitán América, pierde su escudo en un robo y se reúne con otros héroes conocidos para iniciar un viaje a través de ese país y encontrar su característica arma.

Durante la travesía, el grupo conoce a distintas personas con variados trasfondos que en algún momento utilizaron el símbolo del superhéroe para defender sus comunidades, entre las que se encuentra Fischer, un adolescente inspirado por referentes y activistas del colectivo queer.

La historia del cómic fue escrita por el guionista Joshua Trujillo e ilustrado por la artista trans Jan Bazaldua, bajo la dirección de Christopher Cantwell y el dibujante Dale Eaglesham, los directores a cargo del proyecto.

Sigue leyendo

Además

Gisela Lewin: “El folklore se vive, y aunque podamos estudiarlo e investigarlo, no podemos controlarlo”

Publicado

el

Por Andrea Viveca Sanz (@andreaviveca) /
Edición: Walter Omar Buffarini //

Existe un desplazamiento sutil, el paso que despierta el movimiento; un lápiz acompaña la danza, la línea avanza sobre el papel, gira con los pies que la conducen, se detiene. Es brazo que se agita en el aire, es aire sobre los cuerpos que bailan, vacíos de tiempo, como una celebración cotidiana.

Gisela Lewin (La Levina) es profesora de Danzas Folklóricas Latinoamericanas e ilustradora. Su arte se mueve, baila sobre los papeles, más allá de los territorios donde nacen las danzas, justo en el punto donde cada cuerpo deja su huella en un lenguaje cargado de palabras.

ContArte Cultura charló con ella para entrar en su mundo creativo y sumarse al movimiento que despierta la pasión por la danza.

PH: Maxi Astorga

—Para comenzar, vamos a poner en tus manos un objeto imaginario. Es un pañuelo, y queremos que nos cuentes cuál es la primera imagen que te despierta. ¿Cómo percibís su textura y qué emociones te provoca? ¿Hay en sus repliegues algo que pueda hablarnos de vos?
—La primera imagen que se me viene es el movimiento. Es un objeto cargado de muchas cosas: experiencias, paisajes, personas, música, olores… Creo que somos una enorme comunidad que consideramos al pañuelo un elemento imprescindible. Siempre hay que tenerlo por las dudas y si son dos o más, mejor, para convidar. El pañuelo guarda, acompaña y propone historias ¡Si el pañuelo hablara! Claro que habla de mí, de quienes lo usamos, porque no todos los pañuelos son iguales y las preferencias son personales. El peso, el color, la transparencia, el tamaño, el estampado, la temperatura; todas características que pueden identificarnos cuando la circunstancia se prevé, porque otras veces el pañuelo es una servilleta de papel o una media arrebatada de urgencia y también habla de quien se anime a reemplazarlo. Es muy interesante y tal vez por eso aparece como marca en muchos de mis dibujos.

—¿Cuál fue tu primer vínculo con la danza?
—No tengo certeza de un inicio, sólo puedo contar recuerdos que me revelan bailando. Bailar fue jugar para mí. La música que me gustaba tenía que ser bailada. La que fuera. El folklore llega a mí en la escuela primaria, donde venía una maestra a enseñarnos. Pero yo bailaba Fito (Páez), Charly (García) y cualquier cosa que me gustara. Mi inclinación más consciente con el arte del movimiento empieza haciendo teatro. Cuando termino el secundario, decido irme a Buenos Aires para estudiar Arte Dramático y el día de la inscripción me tentó la carrera de Expresión Corporal, así que terminé en ella. Más adelante, me cruzo a la carrera de Danzas Folklóricas Argentinas. Así, llevada por el entusiasmo.

—¿Qué es lo que te sedujo del folklore latinoamericano?
—La diversidad. Los infinitos vericuetos del comportamiento social y cultural que atraviesan las danzas en sus territorios. Dediqué y dedico el tiempo que puedo para viajar. Los intercambios culturales son, para mí, el motor de mis movimientos. Son el combustible emocional que necesito para comprender, interpretar y luego compartir. Es muy importante entender, desde mi punto de vista y lo digo siempre, que el camino de un maestro/maestra/tallerista/danzante es único. Sólo así podremos reconocer y valorar la otredad, y sabremos también dónde y con quién queremos aprender de qué experiencia. La historia recortada que recibimos quienes estudiamos folklore en nuestro país es, como base, interesante y por supuesto merece respeto. Pero es necesario indagar, investigar, profundizar y cuestionar y cuestionarse las cosas, por más que un libro las diga. Pensarnos dentro de un territorio mucho más grande y complejo pone en evidencia muchas arbitrariedades y vacíos de fundamentos en la supuesta difusión del folklore, y creo que por defensa de nuestro trabajo damos un valor falso de imprescindibilidad. El folklore es la naturaleza de un pueblo, no así su difusión. Sí es imprescindible la existencia de políticas de Estado que garanticen la libre expresión popular, que den lugar al desarrollo cultural y difundan el arte en general de un pueblo. El folklore se vive, y aunque podamos estudiarlo e investigarlo, no podemos controlarlo. Latinoamérica es sinónimo de un pueblo históricamente manipulado, en plena lucha y transformación social, por lo tanto tiemblan mis seguridades personales respecto a las tradiciones y sé que las de muchos y muchas más. Desde todo esto que digo brota mi amor profundo a esta multiculturalidad o a esta mirada más abarcativa.

PH: Municipalidad de La Falda

—¿De qué manera creés que nos interpela el baile a través de sus movimientos?
—Como cualquier expresión artística creo que nos interpela aquella misma humanidad que somos en determinados momentos, que propone y comparte a través de un movimiento, una melodía o una pieza, su propia interpretación de la vida. Esa proyección, cuando se presenta auténtica, es capaz de alterar nuestro estado, aunque sea por un instante.

—¿Cómo surgió la idea de celebrar la danza mediante ilustraciones?
—No fue una idea. Fue casi un accidente. Siempre proyecté mis deseos del dibujo a otras personas artistas cercanas y no tan cercanas para que los concreten. Hace menos de dos años decidí hacer público mi primer dibujo bajo mi seudónimo La Levina y nada tenía que ver con la danza. Lo hice en un terrible contexto de incendios en mi provincia que está acabando con el bosque nativo -como en el sur ahora-. El dibujo es un zorro gris abrazando las piernas de un bombero y, sin esperarlo, se viralizó una y otra vez. Después, fui publicando casi a diario distintos dibujos, entre ellos algunos inspirados en danzantes actuales. Ahí me descubrí en comunicación con ese gran movimiento al cual pertenezco desde hace mucho tiempo, pero esta vez desde otro lugar, y fue maravilloso. Logré complementar la danza, tan efímera y tan lenta en su creación colectiva (porque así la vivo yo), con el arte del dibujo, tan individual, de producción casi inmediata y de eterna duración, pero sin perder el diálogo con el arte del movimiento y en plena conexión con aquella comunidad.

—Contanos cuál es el proceso que llevás adelante para crear a tus personajes danzantes.
—No tengo una metodología. Soy un desorden importante. A veces quiero dibujar pensando en alguien y lo hago desde el pensamiento mismo, otros desde algún registro fotográfico o también desde algún video. En cuanto al resto de los danzantes creados, esos personajes que no representan a nadie real, me alcanza una intención, me atraviesa y pone a dibujar. A veces ni siquiera sé qué están bailando, pero de a poco el dibujo me lo va diciendo, sus cuerpos me lo van pidiendo. Sucede que yo me acomodo a los personajes más que ellos a mí. Por supuesto que hay otros casos donde me planto con una idea previamente diseñada en mi cabeza, pero suelen ser los menos. Lo que me inspira mucho es el folklore vivo, las manifestaciones en la actualidad, las personas viviendo sus tradiciones sin darse cuenta.

—¿Qué técnicas y materiales utilizás habitualmente?
—Dibujo con lápices escolares, microfibras y lapiceras sobre hojas comunes de oficina. A veces creo que es importante mejorar eso y uso algunas hojas de buena calidad, pero en general dibujo sobre lo que tengo. Otras veces hasta reutilizo las hojas. Después escaneo los dibujos y si quiero -porque siempre sería necesario- corrijo algunos arrebatos y le doy algún color digital. No manejo profesionalmente herramientas digitales, por lo tanto hago un trabajo precario y me defiendo para lo que voy necesitando.

—¿Creés que es posible comunicar ese movimiento que genera el baile mediante tus dibujos?
—De mis dibujos, es lo único que creo. Porque mis dibujos son técnicamente imperfectos. Son como un boceto hasta el abandono. Entonces siento que lo único que los hace auténticos y especiales es que pueden comunicar algo y ese algo incluye el lenguaje del movimiento.

—¿En qué proyectos estás trabajando actualmente?
—En este momento pienso en la próxima agenda ilustrada, siempre buscando herramientas que lo hagan posible como los financiamientos colectivos. Eso lleva tiempo, dedicación e ideas claras. Mis agendas, por lo menos las dos primeras ediciones, son como un libro. Tienen biografías de danzantes actuales y textos emergentes de la danza. El plan es continuar con algo similar para la tercera.

—Para terminar y volviendo al objeto imaginario con el que empezamos esta charla, ¿qué sueño te gustaría soltar en la danza de ese pañuelo?
—El pañuelo, entre tantas otras cosas, también representa lucha, y sueño que al enarbolarlo podamos pensar y actuar para vivir una sociedad más sana, respetuosa, amorosa y justa.

Sigue leyendo

Además

Los museos platenses reabren sus puertas

Publicado

el

Bajo estrictos protocolos de prevención sanitaria, la Municipalidad de La Plata pone en marcha la reapertura del histórico “Museo Almafuerte” y del “Museo y Archivo Dardo Rocha”, los cuales funcionarán con turno previo, y con horario y aforo reducido.

Luego de la suspensión de las actividades presenciales como consecuencia de la pandemia por Covid-19, la Comuna reabre las puertas de dos emblemáticos sitios de la ciudad, con una modalidad que contempla horarios y cupos reducidos y un estricto cumplimiento del protocolo sanitario vigente.

“Celebramos la posibilidad de que los museos históricos de nuestra ciudad puedan volver a abrir sus puertas y recibir visitantes que quieren conocer más sobre la vida de personajes tan importantes como Dardo Rocha y Almafuerte”, expresó el Secretario de Cultura y Educación del Municipio, Martiniano Ferrer Picado; al tiempo que enfatizó: “Estos espacios ofrecen un material muy interesante y significativo para difundir la rica historia de nuestra ciudad”.

Según se informó, tanto el “Museo Almafuerte”, ubicado en avenida 66 e/ 5 y 6, como el “Museo y Archivo Dardo Rocha”, sito en calle 50 e/ 13 y 14, permanecerán abiertos los días miércoles y viernes, de 10 a 13hs, con visitas de entre 20 y 30 minutos de duración y cupos de 3 personas del mismo grupo conviviente como máximo.

Quienes deseen visitar el Museo Almafuerte, deben solicitar turno comunicándose al teléfono 427-5631, de lunes a viernes de 9 a 13hs; mientras que aquellos interesados en recorrer la casa del fundador de La Plata, deben comunicarse previamente al 427-5591, los mismos días y en el mismo horario de atención.

Sigue leyendo


Propietaria/Directora: Andrea Viveca Sanz
Domicilio Legal: 135 nº 1472 Dto 2, La Plata, Provincia de Buenos Aires
Registro DNDA Nº 2022-106152549
Edición Nº