Teatro
“Papá Bianco y los Alonso”: una obra teatral, un homenaje familiar
Por Andrea Viveca Sanz (@andreaviveca) /
Edición: Walter Omar Buffarini //
Es una foto. De boca en boca, las palabras, ojos que ven más allá, un punto de encuentro, miradas superpuestas. Es sangre dentro de la sangre, arte en movimiento, una danza sutil, la vibración de los cuerpos, música sin tiempo. Son los pies que giran y las manos que se buscan, atrás, la historia dentro de la historia, viva.
“Papá Bianco y los Alonso” es un espectáculo multitudimedia de teatro documental en el que se cuenta una historia familiar que, a la vez, es parte de la historia cultural de nuestro país.
Las hermanas Ingrid Pelicori e Irina Alonso, hijas de los actores Ernesto Bianco e Iris Alonso, son las creadoras y protagonistas de esta obra que recorre las distintas épocas del teatro, cine, radio y televisión argentinos a través de diferentes registros.
Contarte Cultura charló con Ingrid, también actriz y dramaturga, para conocer los detalles del proceso creativo de este homenaje conmemorando los cien años del nacimiento de su padre.
—Vamos a comenzar esta charla poniendo delante de tus ojos un objeto simbólico. Se trata de una vieja valija en cuyo interior descansan, apiladas, varias fotos y tres palabras. ¿Cuál es la primera imagen que se te representa? ¿Quiénes forman parte de esa foto y qué palabras percibís asomando desde ese espacio cerrado?
—La primera imagen sería una playa en verano, y nosotros al lado de nuestra carpa en un balneario marplatense. Allí está toda mi familia, mi padre, mi madre, mi hermana, mis primos, mis tíos. Hace muchos años, cuando yo empezaba a dejar la infancia. Las palabras que asoman son sol, amor, ayer.
—Tomando como punto de partida esa valija, vayamos al origen de “Papá Bianco y los Alonso”, la obra que están presentando junto a Irina Alonso, tu hermana. Si pudieras recortar el momento en que saltó la primera chispa, el inicio de este espectáculo biodramático, ¿qué veríamos allí?
—Cuando murió mamá, en 2018, al vaciar su casa encontramos un montón de carpetas que guardaban grandes cantidades de reportajes, críticas, notas sobre papá (Ernesto Bianco), mamá (Iris Alonso), y nuestros tíos (Tito y Pola Alonso). Nos alucinó todo ese material, tan pintoresco y tan lleno de datos de nuestra propia familia que nosotras mismas ignorábamos. También nos pareció que tenía un valor patrimonial, algo que por ser parte de la cultura de nuestro país, en realidad les pertenece a todos. Y nos pareció hermoso compartirlo de alguna manera. Allí surgió la idea de hacer un biodrama.
—Y como se trata de una historia familiar, seguramente fue necesario bucear en ese universo de recuerdos. ¿Cómo vivieron el proceso de investigación?
—En realidad lo primero fue sumergirnos en esas carpetas, investigar en esas entrevistas cómo vivieron y pensaron nuestros padres y nuestros tíos. Los hombres de la familia murieron muy jóvenes. Papá murió hace 45 años, y justo ahora se cumplen 100 años de su nacimiento. Y de él no han quedado reportajes orales. Entonces, recorrer esas carpetas fue también un modo de conocerlo más. Muy en especial para mi hermana Irina, que solo tenía 10 años cuando papá murió. A lo largo de esa investigación fuimos complementando nuestros recuerdos, que son lejanos: los recuerdos de una niña (mi hermana) y de una adolescente (yo).
—¿Cuáles fueron las vivencias destacadas que despertaron la escritura de esta obra?
—El proceso de escritura fue muy largo, nos llevó todo un año ordenar el material. Una vez atravesado el asombro, la emoción de sumergirnos en esa carpetas, en esas palabras, en esas historias, que sin saberlo nos han constituido, nos ocupamos de encontrar una estructura para poder comunicarlo y compartirlo, con los requerimientos de un espectáculo teatral, es decir que fuera entretenido, emotivo, variado, sensible. Esto exigió muchas idas y vueltas, muchas escrituras y reescrituras, hasta que conseguimos armar la obra que queríamos hacer.
—¿Qué hilos conductores entrelazan el collage que forma parte de la trama?
La trama la estructuramos en tres partes. Hay un primer momento en el que Irina y yo hablamos en nombre propio y, ayudadas por proyecciones de imágenes y videos y también con canciones y hasta bailes, contamos la historia de los hermanos Alonso, la familia de mamá. Luego viene un segundo momento, en el que tiene lugar la ficción: Irina y yo nos convertimos en dos periodistas que entrevistan a Ernesto Bianco y su esposa Iris Alonso. Allí, un actor invitado, Claudio Da Passano, lee los dichos de Bianco, que son todos tomados de reportajes reales, en una edición que hicimos nosotras para abarcar su trayectoria y su personalidad. Claudio, es hijo de María Rosa Gallo, casada muchos años con nuestro tío Tito, y por ende nuestro primo. El rol de mamá lo asume Ángeles Alonso, también prima nuestra y actriz. Y el último momento de la obra es la zona más íntima del espectáculo. Allí Irina y yo compartimos nuestros recuerdos y las sensaciones que nos ha despertado pertenecer a esta familia.
—¿De qué manera trabajaron para lograr la fusión de los distintos materiales de archivo y soportes que dan movimiento a la obra?
—Nos importaba mucho que el espectáculo tuviera una teatralidad atractiva, que fuera variado, divertido, sensible, lejos de cualquier solemnidad o clase de historia del teatro. Así nos propusimos jugar con los distintos soportes, buscando que siempre predominara una dinámica de juego, de libertad para tratar los temas, para ir y venir de un recuerdo a una teatralización, a una canción, o a unos videos donde, por ejemplo, Pepe Soriano o Ana María Picchio (entre muchos otros) hablan sobre papá. Y tratando siempre de conducir amablemente la sensibilidad del espectador para que pueda acompañarnos y disfrutar todo el viaje. Un viaje por una familia muy particular, pero que a la vez, en muchos sentidos, es como cualquier familia en la que hay abuelos inmigrantes, infancias recordadas, pérdidas dolorosas, y mucho amor.
—¿Cómo llevaron adelante la ambientación y diseño del escenario?
—Partimos de una idea de simpleza, de un espacio con pocos objetos, para que esos tres momentos distintos de la obra pudieran sucederse fluidamente. Nos parecía fundamental el protagonismo de una enorme pantalla, donde se proyectan cantidades de fotos y videos, tanto de la familia, como de actores que dan su testimonio sobre papá y los tíos. Esa pantalla tan presente nos obligó a despojar el escenario y decidimos usar muy pocos elementos: desde ya las carpetas tan significativas, y algunos asientos. Y también las guitarras con las que nos acompañamos unas cuantas veces.
—Si pudieran elegir uno o varios objetos de la escenografía o el vestuario que representen el espíritu de esta obra, ¿cuáles serían y por qué?
—Seguramente serían las carpetas, y dentro de ellas los recortes de reportajes. En el escenario aparecen unas cuantas cajas con carpetas, no son las reales (que quedan cuidadas en casa), sino unas muy similares creadas para la obra. Representan aquello que nos nutrió para hacer el espectáculo, la fuente de inspiración, y también un legado que deseamos compartir. Y en eso consiste nuestra obra.
—¿Cuál sería el destacado musical de “Papá Bianco y los Alonso”?
—Las guitarras han tenido bastante significación en nuestras vidas. Quizás no tanto para nosotras, que definitivamente no somos expertas guitarristas, sino en el empeño y el valor que le dieron nuestros padres a que aprendiéramos a tocarlas. Como un pequeño homenaje, en la obra cantamos y tocamos la guitarra. Son canciones hechas por nosotras a partir de unas rimas que yo escribí y mi hermana Irina musicalizó, una suerte de payadas. Esa es la música del espectáculo. Y hay también fragmentos de músicas de las obras de papá o de sus programas de TV, que tienen un fuerte poder de evocación. En definitiva, la música es nostálgica en unos casos y divertida en otros. Como toda nuestra obra.
—¿Dónde y cuándo podrá disfrutarse de este acontecimiento artístico que remueve el pasado para mantenerlo vivo?
—Papá Bianco y los Alonso se estrena el lunes 14 de marzo a las 20 en el Teatro del Pueblo (Lavalle 3636-CABA) y las funciones serán siempre los lunes a las 20. La obra es de nuestra autoría y también somos sus directoras e intérpretes. Como mencioné anteriormente, el equipo se completa con los Claudio Da Passano y Ángeles Alonso. Además están Juan Pablo Maicas en Asesoramiento Musical y Edición de Sonido; Belén Pallotta en Vestuario; Eva Córdova en Escenografía; Lucas Orchessi en el Diseño de Luces, Lucas Soriano en Asistencia de Dirección y Laura Brangeri en prensa. Las entradas pueden comprarse a través de Alternativa Teatral
A 140 años de su inauguración, el Teatro Municipal Coliseo Podestá de La Plata inicia una nueva etapa con obras de restauración y mejoras que transformaron sus instalaciones, y una celebración que recupera el vínculo del edificio con los orígenes del teatro nacional. El aniversario tendrá como uno de sus momentos centrales una gala lírica con la misma ópera que se interpretó en su apertura, en 1886: “El barbero de Sevilla”, de Gioachino Rossini.
La función –abierta al público, con entrada libre y gratuita, por orden de llegada- se realizará el martes 17 de noviembre, a las 20, en la sala principal, como antesala del aniversario que se conmemora el 19 de noviembre. Estará a cargo de la Orquesta Sinfónica de la Universidad Nacional de Lanús, bajo la dirección de Daniel Bozzani.
La celebración coincidirá con la puesta en marcha de una incorporación histórica para el edificio: por primera vez en sus 140 años, el Coliseo contará con un sistema de climatización frío-calor. La obra permitirá sostener la actividad durante todo el año, sin que las temperaturas extremas condicionen la programación, y mejorar las condiciones tanto para el público como para artistas y trabajadores.
“Es la primera vez en la historia que el teatro cuenta con un sistema de frío-calor. Durante décadas, los veranos y los inviernos más duros condicionaban la programación. Ahora el Coliseo va a poder funcionar a pleno los doce meses, con el público y también los técnicos, trabajadores y artistas cómodos en la sala”, destacó el director, Alejo García Pintos y completó: “Esto fue posible por la decisión del intendente Julio Alak de invertir en un teatro que es patrimonio de todos los platenses. Es una obra que no se ve, pero que se siente en cada función”.
Se trata de la tercera gran puesta en valor desde que el edificio pasó a manos municipales, después de las realizadas en 1986 y 2006, y la segunda impulsada por Alak como intendente. En dos años, con la gestión del actual jefe comunal y la dirección de García Pintos, el teatro atravesó una transformación integral. En 2025 se restauraron la fachada, la cubierta metálica, la histórica escalera de la casa de los Podestá y el hall central. Este año, además de la climatización, se renovó toda la instalación eléctrica, se reparó el techo del escenario, se recuperó el lucernario y se reforzaron las columnas que lo sostienen.
Para los platenses, y para tantos bonaerenses que crecieron cruzando sus puertas, el Coliseo no es solo un teatro. Es parte de la identidad de la ciudad, un símbolo de pertenencia que convive con cada generación y que sigue llenándose función a función. “Tiene una historia que te avasalla, es un lugar que conmueve. Es un lugar de unión donde las diferencias quedan en la vereda. Acá no hay peronistas ni radicales, Estudiantes, Gimnasia, River, Boca”, describió García Pintos.
De la ópera al circo criollo
La historia del Coliseo comenzó el 19 de noviembre de 1886, apenas cuatro años después de la fundación de La Plata. Con el nombre de Politeama Olimpo, abrió sus puertas con “El barbero de Sevilla”, de Gioachino Rossini. El proyecto fue obra del arquitecto uruguayo Carlos Zehndorf, quien diseñó una sala de estilo neorrenacentista italiano, con la clásica platea en herradura rodeada de palcos.
En 1897, el edificio salió a remate y fue adquirido por los hermanos José Juan, Juan Vicente, Gerónimo y Pablo Podestá, integrantes de una familia circense que tuvo un papel decisivo en el nacimiento del teatro nacional rioplatense. La historia del Coliseo quedó así ligada a una transformación fundamental de las artes escénicas argentinas: el paso del circo criollo, con sus acrobacias, música y números populares, a las representaciones teatrales de temática nacional.
José Juan, conocido como Pepe Podestá, ya era una figura popular por su payaso Pepino el 88 y por “Juan Moreira”, adaptación de la obra de Eduardo Gutiérrez que llevó del formato de pantomima al drama hablado en 1886. La incorporación de diálogos y escenas gauchescas a los espectáculos circenses marcó un hito en el desarrollo del teatro criollo y acercó al público historias, personajes y conflictos reconocibles de su propia realidad. Esa experiencia es considerada uno de los antecedentes fundacionales del teatro nacional.
En 1913, Pepe Podestá pasó a ser el único propietario del teatro y, en 1920, tras una remodelación integral, lo rebautizó Coliseo Podestá en homenaje a su padre. Bajo la platea se conserva el antiguo picadero, la única pista de circo criollo que permanece en pie en la Argentina, un testimonio excepcional de los orígenes de una tradición escénica que marcó el nacimiento del teatro nacional.
La sala, con tres pisos y ornamentación en blanco, rojo y dorado. Está coronada por un cielorraso pintado sobre tela por el artista español José Bouchet, rodeado por una garganta de yeso que rinde homenaje a grandes referentes de la cultura universal, entre ellos Rossini, William Shakespeare, Wolfgang Amadeus Mozart, Giuseppe Verdi, Johann Wolfgang von Goethe y Richard Wagner.
Por el Coliseo Podestá pasaron figuras fundamentales de la escena nacional e internacional, como Marcel Marceau, María Guerrero, Ermete Zacconi, Luis Sandrini, Margarita Xirgu, Lola Membrives, Narciso Ibáñez Menta, Tita Merello y Tato Bores. También actuaron el pianista Arthur Rubinstein y la bailarina Carmen Amaya.
Tras su recuperación, el escenario recibió a China Zorrilla, Alfredo Alcón, Enrique Pinti, Cipe Lincovsky, Lito Cruz, Eva Franco, María Rosa Gallo, José Sacristán, Alejandro Dolina y Les Luthiers, además de músicos como Mercedes Sosa, Sandro, Susana Rinaldi, Luis Alberto Spinetta y Fito Páez; bandas como Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota y bailarines como Julio Bocca y Maximiliano Guerra. En noviembre de 2025, Johnny Depp brindó una masterclass en el teatro.
Del abandono a la recuperación
La trayectoria del Coliseo también estuvo marcada por períodos de abandono y amenazas de demolición. Tras la muerte de Pepe Podestá, en 1937, sus herederos alquilaron el edificio a las empresas A.I.A. y Lavalle. Esta última clausuró el escenario y cubrió de gris la ornamentación original. La última función de cine se realizó en 1971. Luego permaneció cerrado durante una década, sufrió un incendio y, durante la última dictadura cívico-militar, estuvo a punto de ser demolido.
La Municipalidad de La Plata lo compró en 1981, pero el edificio continuaba en ruinas. Con el regreso de la democracia, la delegación local de la Asociación Argentina de Actores, junto con artistas y grupos independientes de la ciudad, reclamó su reapertura y colaboró en la recuperación de la sala. Entre quienes participaron de ese proceso estuvieron el actual director del teatro, García Pintos, y Marcelo Demarchi, integrante del equipo directivo. Hasta fines de 1985, el Coliseo volvió a albergar teatro independiente, conciertos de la Orquesta Municipal y ensayos de la Comedia Municipal.
La restauración se financió con fondos del Banco Municipal y el aporte de unos 2.000 vecinos y comerciantes locales. El teatro reabrió definitivamente el 19 de noviembre de 1986, al cumplirse su centenario. En 2006 se restauró gran parte del edificio, incluida la tela del cielorraso, y en 2011 fue declarado Monumento Histórico Nacional.
Producción propia y puertas abiertas
Hoy, el Coliseo combina una cartelera comercial de distintos géneros con una agenda pública y gratuita, que busca ampliar el acceso a la cultura y acercar el teatro a espectadores de todas las edades. “Los platenses eligen quedarse a ver teatro acá, porque el teatro está hermoso y la programación convoca a todos los públicos”, sostuvo García Pintos.
A través del Museo José Juan Podestá, el teatro desarrolla el programa “Las Escuelas Llegan al Coliseo”, gratuito para establecimientos educativos de toda la región. La propuesta incluye visitas teatralizadas como “De la carpa itinerante al escenario”; funciones de “Juan Moreira, una leyenda popular”, una versión para marionetas de la obra considerada fundadora del teatro rioplatense; y “Colores en escena”, una visita-taller para jardines y primeros grados de primaria inspirada en la obra de José Bouchet, el artista que pintó el cielorraso de la sala.
La programación también contempla funciones gratuitas para adultos mayores, como parte de una política orientada a facilitar la participación de distintos sectores de la comunidad en las propuestas artísticas.
Entre los hitos de la actual gestión se destacan el equipamiento técnico y la renovación de la Sala China Zorrilla, que sumó un nuevo espacio al circuito independiente, la música y los ciclos artísticos. También se motorizó la histórica araña central, una pieza francesa de 500 kilos y casi 90 lámparas que hasta entonces debía bajarse manualmente, una tarea que requería la intervención de cuatro operarios.
El teatro incorporó además un espacio para la memoria: el Patio de la Memoria y los Artistas, en homenaje a los artistas desaparecidos. Fue inaugurado el 16 de septiembre de 2024, fecha en que se recuerda la Noche de los Lápices, con la presencia del intendente Alak, la presidenta de Abuelas de Plaza de Mayo, Estela de Carlotto, y Pablo Díaz, sobreviviente de aquella tragedia.
Este año, además, estrenó “Laberinto Podestá (El último aplauso)”, la primera producción integral realizada con recursos propios en la historia del teatro. Se trata de una experiencia nocturna, inmersiva y gratuita que recorre espacios del edificio habitualmente cerrados al público. “Esta obra es nuestra gran apuesta. Además, los 20 artistas locales que trabajan el espectáculo tienen continuidad laboral desde hace dos años”, destacó García Pintos.
En septiembre, el teatro recibió por primera vez el Premio Mayor Teatro del Mundo, en la categoría Instituciones, que otorga el Centro Cultural Ricardo Rojas de la Universidad de Buenos Aires (UBA).
“Las grandes capitales del mundo invierten en sus principales salas de teatro. Esta es una de las pocas en el país en las que un municipio le da tanta relevancia, y eso nos llena de orgullo, porque sin este tipo de cosas es imposible avanzar como sociedad”, afirmó el director.
A 140 años de aquella noche en que el Politeama Olimpo abrió sus puertas con “El barbero de Sevilla”, el Coliseo Podestá vuelve a celebrar con la lírica. Una historia que nació con la ópera, se transformó al ritmo del circo criollo y del teatro nacional, atravesó el abandono y la recuperación, y hoy encuentra una nueva etapa para seguir siendo uno de los grandes escenarios culturales de la Argentina.
(Fuente: Prensa Municipalidad de La Plata)
“Casi Fiel” continúa en noviembre con sus funciones en el Teatro Premier Live, de avenida Corrientes 1565 de CABA, con una desopilante comedia romántica de enredos protagonizada por Fausti Bo, Imanol Rodríguez, Renata Blasevich, Pía Scarnato, Celes Pamio y Agustina Firpo.
Con libro y dirección de Leo Rodríguez, la obra propone una historia de ritmo vertiginoso, humor y situaciones inesperadas, donde una simple apuesta entre dos amigos se convierte en un verdadero caos de identidades falsas, mentiras y conquistas. La próxima función será el 12 de noviembre a las 20, con entradas disponibles por Plateanet y en la boletería del teatro.
Sinopsis
Cansados de la monotonía, dos amigos deciden aceptar un desafío a través de una app de citas: utilizar identidades falsas para intentar conquistar a tres mujeres diferentes. Lo que comienza como un juego aparentemente inocente pronto se transforma en una red de mentiras cada vez más difícil de sostener, obligándolos a multiplicar sus versiones y enfrentarse a situaciones que escapan por completo de su control.
A medida que los personajes cambian de identidad y las relaciones se cruzan, los equívocos se multiplican y cada nueva mentira amenaza con dejar al descubierto la verdad. Entre encuentros inesperados, romances, engaños y confusiones, “Casi Fiel” construye una comedia donde nadie parece ser exactamente quien dice ser y donde el amor puede convertirse en el peor enemigo de una buena mentira.
Ficha artística/técnica
- Libro y Dirección: Leo Rodríguez
- Elenco: Fausti Bo (Leo), Imanol Rodríguez (Dani), Renata Blasevich (Nati), Pía Scarnato (Juli), Celes Pamio (Oriana), Agustina Firpo (Flora)
- Producción General: LR STUDIO
- Productora Ejecutiva: Nancy Sanabria
- Asistente de Dirección: Agustina Derwick
- Prensa: Kevin Melgar & Francis Salazar
Durante diciembre llega a la cartelera porteña “Lo que pasa cuando esperás el pan”, una desopilante comedia musical argentina con guion, dirección y producción de Chiara Landa y Valentina García.
La obra se sumerge de lleno en el caos de las citas modernas, las inseguridades y esa necesidad desesperada de encajar. Las funciones se realizarán los días miércoles 3, 10 y 17 de diciembre a las 20, sumando una función especial el jueves 4 de diciembre a las 23.45, en la Sala Cortázar del Paseo La Plaza (Av. Corrientes 1660, CABA) con entradas disponibles a través de su web oficial y Plateanet.
La historia propone una primera cita en un restaurante elegante donde Juani llega convencido de tener todo bajo control: el outfit, los temas de conversación y una estrategia mental infalible. Pía, en cambio, solo aspira a tener una velada decente sin la tentación de escapar por la salida de emergencia. Sin embargo, entre silencios incómodos, preguntas desubicadas, consejos absurdos de ChatGPT y una tensión que crece más rápido que el monto de la cuenta, la noche se transforma en un delirio imposible de encauzar.
Con canciones originales, un humor netamente argento y personajes tan intensos como reconocibles, “Lo que pasa cuando esperás el pan” retrata con acidez todo lo que hacemos por encajar: chamuyar de más, mentir un poquito, hacernos los interesantes y rezar para que no nos llegue la cuenta. Una propuesta imperdible que demuestra que, mientras esperás el pan, puede pasar absolutamente cualquier cosa.
Ficha artística/técnica
- Elenco: Agustina Guerra, Ignacio Laperuta, Mora Gandolla Polack, Matías Mendez, Mathew Stefanell
- Guion, Dirección y Producción: Chiara Landa y Valentina García
- Música: Chiara Landa y Stefano Brascetta
- Letras: Chiara Landa
- Coreografías: Chiara Landa y Agostina Petit
- Fotografía: Francisco Montaña
- Prensa: Kevin Melgar
Por sus críticas al escritor, rechazan publicar una biografía de Mario Vargas Llosa
La escritora Ana Moglia presentó “Florecer entre cenizas”, su última novela
Desde finales de enero de 2027 dejará de emitir Fox Sport Argentina
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